Les albums de 2006 (XVII)

Mogwai - Zidane OST (Rock Action/PiaS)
Depuis dix ans que je m'intéresse aux Ecossais de Mogwai, ils m'ont successivement intrigué (les débuts), enchanté (les deuxième et troisième albums), cruellement déçu (Happy Songs For Happy People) et agréablement surpris (avec Mr Beast, l'album de 2006 dont j'ai déjà parlé ici). Cette bande originale du documentaire sur Zidane, censé réconcilier les fans de foot et les amateurs d'art contemporain, enfonce le clou du retour en grâce. Pour ne rien gâcher, le groupe réactualise ici le son et les ambiances de leur deuxième album Come On Die Young, celui que je préfère. Exit donc la voix approximative de Start Braithwaite, exit les murs infranchissables de feedback, exit la vaine course au bruit. Les guitares se font ici plus caressantes que hurlantes, égrenant des notes qui se détachent clairement entre elles et se combinent parfaitement avec celles du piano ou de l'orgue. La batterie est discrète et même souvent absente. N'allez pas croire pour autant que le groupe s'est mis à l'easy-listening (même si une des mélodies de l'album ressemble de manière troublante à la musique du Grand Bleu). Les morceaux sont toujours aussi tendus mais cette tension ne provient plus mécaniquement de la succession du calme et de la fureur. Elle procède de variations plus subtiles, d'harmonies qui se transmutent progressivement, d'un brouillard de guitares qui se densifie au fil des minutes. Sur cet album, Stuart et sa bande redeviennent les orfèvres du post-rock et prennent le pari de la délicatesse et de la suggestion en ciselant leurs morceaux comme des sculptures plutôt qu'en martelant les tympans de l'auditeur à coup de décibels. Même le morceau caché (23 minutes de drone à base d'orgues et de feedback) parvient à être élégant dans son jusqu'au-boutisme. Une des très bonnes surprises de l'année.
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Max Richter - Songs from before (Fat Cat)
Si je me souviens bien, on voit beaucoup dans Mondovino un spécialiste français du vin, qui papillonne de vignoble en vignoble pour améliorer la qualité de la fermentation, principalement grâce à un procédé de micro-oxygénation. On y voit également une vieille famille de vignobles traditionnels, pestant contre ces procédés qui donnent des vins courts en bouche, donnant toute leur saveur dans la première impression puis s'effondrant lamentablement, sans arrière-goûts résiduels. Selon eux, un bon vin s'apprécierait dans la longueur, comme une succession d'impressions subtiles, plutôt que comme un coup d'épate, immédiat et bref. Je ne me prononcerais pas sur ces épineuses questions oenologiques mais j'ai comme dans l'idée que la famille de vignerons traditionnels n'aimerait guère la musique de Max Richter qui, elle aussi, fonctionne à l'épate, très séduisante aux quelques premières écoutes mais qui finit assez vite par révéler une certaine vacuité. Le problème en fait est, que même si j'aime beaucoup la musique minimaliste, il existe un seuil de simplisme harmonique en-dessous duquel je commence à trouver le temps long. Autumn Music 1, par exemple ressemble à un Wim Mertens peu inspiré qui ressasserait avec une complaisance sirupeuse les quatre-cinq mêmes accords au piano. From the Rue Vilin passe péniblement à six accords mais reste très frustrant. Philip Glass, sur Solo Piano, avait compris que la répétition n'était un procédé de composition efficace que si elle était accompagnée d'une certaine forme de complexité, notamment harmonique et rythmique. Max Richter semble encore vivre dans l'illusion qu'elle peut être une fin en soi. Dommage parce que, par fragments, le disque séduit. Dans le morceau d'ouverture par exemple (Song), une ligne de violon solo transperce un épais brouillard de sons sourds et quelques arpèges d'orgue et parvient ainsi à créer une atmosphère assez prenante. Malheureusement, malgré la présence de Robert Wyatt en lecteur, le soufflé retombe assez vite. Je ne sais d'ailleurs trop que penser du fait que je ne porte ce type de jugement sur la musique de Max Richter que depuis le concert de lui auquel j'ai assisté au Fat Cat Festival l'année dernière. Il y a quelque chose dans la simplicité de sa musique qui passe très mal l'épreuve de la scène. J'en viens à regretter d'être allé le voir.
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Jonny Cash - American V - A Hundred Highways (Legacy/Columbia)
Depuis dix ans, j'ai lu des pages et des pages de dithyrambes sur les quatre premiers volumes des American Recordings, la série d'albums acoustiques produits par Rick Rubin qui a fait (re)découvrir Johnny Cash à toute une génération. Je me sentais plutôt en accord avec l'enthousiasme généralisé et ce mélange de reprises improbables (Depeche Mode, Nick Cave, Nine Inch Nails,...), de morceaux inédits et de classiques revisités m'avait immédiatement séduit. J'ai donc été un peu surpris en lisant il y a quelques mois un article au vitriol sur la manière dont Rick Rubin aurait vampirisé la vieillesse de Johnny Cash, lui faisant chanter des chansons qui ne lui ressemblaient pas et en le forçant à jouer le rôle du mourant au courage admirable. Selon l'auteur de l'article, ce misérabilisme doloriste serait l'antithèse de l'oeuvre de Johnny Cash. Etant loin d'avoir une vue d'ensemble de son oeuvre, je me garderais bien de donner mon avis sur une question aussi vaste mais, sans renier le plaisir que je prends à écouter les quatre premiers disques de la série, cette opinion m'a fait réfléchir sur ce que pouvait bien être la dynamique créatrice qui existait entre Rick Rubin et Johnny Cash et, par extension, sur les motivations qui poussent la famille Cash à enchaîner les sorties posthumes (même si, en fait, tout est dit dans les deux premiers paragraphes de cette chronique). C'est avec ce début de polémique en tête que j'ai écouté pour la première fois ce cinquième volume, censé regrouper les ultimes sessions d'enregistrement ayant eu lieu quelques semaines seulement avant la mort de Johnny Cash. J'ai d'ailleurs été plus d'une fois gêné par la manière dont il semble par moments ne plus parvenir à contrôler sa voix. Selon l'état d'esprit de chacun, le fait que la voix d'un des plus grands interprètes de chansons du siècle se mette ainsi à vaciller sous les assauts du temps ajoutera une valeur émotionnelle au disque ou, au contraire, le déforcera. C'est l'éternel débat sur la représentation de la vieillesse et de la mort. Quelle image doit-on conserver des artistes que l'on a aimés ? Je me souviens d'empoignades acharnées à propos de la dernière tournée de Barbara, au cours de laquelle on la voyait notamment chanter L'Aigle Noir avec une voix vacillante, assez faux, pas très en rythme mais plus habitée que jamais par sa chanson. Etait-ce admirable ou grotesque, émouvant ou éprouvant ? Je suppose de cela dépend de ce que chacun attend d'un concert ou d'un disque. Personnellement, j'oscille en écoutant cet album entre la joie de découvrir 12 nouvelles chansons, souvent très bonnes, et un vague sentiment de malaise, plus prégnant que pour le précédent opus, sans doute en partie parce que ce volume cinq sort plus de deux ans après la mort de Johnny Cash. Ces réserves étant faites, tous ceux qui ont aimé les premiers volumes ont peu de chances d'être déçus : chants religieux et traditionnels, reprises (notamment de Bruce Springsteen) se succèdent sur un tapis de piano, guitare acoustique et violoncelle (il me semble en entendre, même si aucun violoncelliste n'est crédité dans le livret). God's Gonna Cut You Down, I came to believe, On the Evening Train et Rose Of My Heart sont sans doute les morceaux que je préfère. Par ailleurs, If you could read my mind de Gordon Lightfoot rejoint la longue liste des morceaux qui ressemblent étrangement à Fade to grey.
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- A écouter : God's Gonna Vut You Down (mp3)
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Droopy's in the house

Je ne sais à peu près rien sur Lemony Snicket (qui serait apparemment une série de livres pour enfants) mais la mini-interview de Stephen Merritt est franchement très drôle et le morceau qu'il interprète ensuite (Smile, No One Cares How You Feel) vaut également l'écoute.
(via Popjustice)

Les albums de 2006 (XVI)

Hot Chip - The Warning (EMI/Capitol)
Le NME est connu pour ses tentatives incessantes de lancer des nouvelles scènes ou, à défaut, de donner des noms idiots à celles qui seraient apparues sans leur aide. Ainsi, en 2003 (environ), le magazine anglais avait tenté de lancer le "slapcore", sorte de musique vaguement dansante qui devait son nom à la place prédominante qu'y occupait la guitare basse. Hot Chip avait été désigné à l'époque comme la tête de proue du mouvement, avec un succès mitigé. Il faut dire que le premier album du groupe, dont je n'ai gardé qu'un très vague souvenir, n'était pas très bon. Ces douteux débuts rendent plus incroyable encore la réussite éclatante de ce deuxième album. On pourrait hâtivement classer la musique de Hot Chip dans la catégorie de l'électro-pop-dance mais ce serait sans doute oublier un peu vite le fait que la musique du groupe est presque entièrement analogique (essentiellement, si j'en crois leur formation scénique, à base d'orgues Moog) et surtout la voix blanche et fragile d'Alexis Taylor, le seul chanteur sans doute à s'être présenté sur une scène du Pukkelpop avec des bottes en caoutchouc blanc montant mi-tibia (je n'en revenais pas, au début du concert, quand je me suis rendu compte que le roadie excentrique qui venait de s'escrimer pendant une demi-heure à installer le matos sur scène était en fait le chanteur du groupe). C'est dans des situations comme celles-ci que je regrette de ne pas être anglophone. Là où un bloggeur britannique pourrait écrire sans honte "Alexis Taylor's soulful voice adds poignancy to the relentless dance music created by his Moog-operating colleagues", les pauvres francophones que nous sommes sont obligés d'utiliser des expressions aussi désespérément grotesques que "dance-music qui a une âme" (eurgh!) ou "la voix d'Alexis Taylor apporte un supplément d'âme" (EURGH !). Pourtant, même si cela sonne tout à fait ridicule en Français, c'est bien en gros ce que je veux dire. Des chansons comme And I was a boy from school et Look after me sont empreintes d'une mélancolie atone qui serait presque déprimante si la musique, légère (voire discrètement lounge), ne venait en désamorcer la charge émotive. De plus, l'album est beaucoup plus varié que ce que l'on pourrait croire. Je pourrais encore citer Colours, petite gemme qui rappelle les meilleurs Nits et, surtout, Over and Over, redoutable machine à faire danser qui évoque The Rapture ou !!! mais que tout le monde connaît sans doute déjà par coeur.
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- A écouter : Look after me (mp3), And I was a boy from school (video), Over and Over (video), Colours (video)
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Tunng - Comments Of The Inner Chorus (Full Time Hobby/Static Caravan)
A l'époque de la sortie de leur premier album, Tunng avait été rapidement classé dans le (ou la ?) folktronica, catégorie nouvellement créée et qui, comme son nom l'indique, se trouve au confluent du folk et de l'electronica. Sur la plupart des chansons de ce deuxième album, le groupe semble se rapprocher du premier et délaisser le second. Les influences électroniques sont en effet ici plus légères : quelques crouuuiiich discrets de radio mal réglée, une forme primitive de sampling sur Woodcat (où les mots de différents chanteurs sont accolés pour former une phrase), quelques citations de dialogues venant du cinéma ou de la télévision (j'ai l'impression de reconnaître la voix de Barbara Windsor au début de The Wind-Up Bird), quelques notes de synthé sur Engine Room ou Red And Green, et c'est à peu près tout. Pour le reste, on nage en pleine folkitude. Une voix fragile (parfois accompagnée d'une autre voix fragile), égrène des couplets bondissants sur fond de guitare acoustique. Une chanson comme Jenny Again me fait beaucoup penser à Ralph McTell (mon principal point de repère en folk anglais), voire parfois à Simon & Garfunkel (mon principal point de repère en folk américain). Le tout est d'un goût exquis mais sans doute un peu trop désincarné pour moi. Je regrette un peu de n'y percevoir ni la volonté de divertir qui donne naissance à la meilleure pop, ni l'expression d'une sensibilité originale que l'on est en droit d'attendre du folk. C'est évidemment le problème lorsque l'on veut combiner des genres différents, on se retrouve un peu à poursuivre deux lièvres à la fois.
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- A écouter : Stories (mp3), Jenny Again (video), It's because...we've got hair (video)
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Amplifier - Insider (Steamhammer)
La musique pratiquée par les trois Anglais d'Amplifier rentre parfaitement dans la catégorie "gros rock qui tache". Toutes guitares dehors, les morceaux se déploient comme ces ciels bouchés, presque noirs, qui précèdent l'orage. Presque sans temps morts, sans différenciation refrain-couplet, les morceaux se fondent tous dans un magma de guitares hurlantes dont j'ai peine à retirer autre chose qu'une certaine forme de puissance imposante. Par moments, on est assez proche d'une forme de heavy-metal. Pourquoi, dans ces conditions, me suis-je retrouvé à aimer ça, pourriez-vous vous demander. Sans doute parce que je considère One Great Summer, sur leur premier album éponyme, comme une des dix meilleures chansons de rock à guitares du millénaire (ça ne fait jamais que cinq ans) et aussi parce que le chanteur Sel Balamir a la chance d'avoir, outre un nom de féroce défendeur de Minas-Tirith, une des voix les plus puissamment évocatrices du rock contemporain. Grave et timbrée, elle apporte à la musique du groupe une densité et une gravité qui se combinent parfaitement avec les assauts incessants de la basse, de la guitare et de la batterie. Imaginez la rencontre entre Twisted Sister, Black Sabbath, Mogwai, Pearl Jam et The Cure et vous aurez une bonne idée de ce que m'évoque la musique d'Amplifier. Alors bien sûr, cet album est totalement irréconciliable avec la légèreté, la finesse, la sophistication et la délicatesse avec laquelle vous avez sans nul doute fini par m'associer (arf!) mais bon, il faut savoir varier ses plaisirs et écouter Insider ou RIP à plein volume fait indéniablement partie des petits plaisirs de l'existence.
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Micah P. Hinson, Rotonde, Botanique, 11 février 2007

A l'époque de la sortie de son premier album, je me rappelle avoir été sidéré la première fois que j'ai vu une photo de Micah P. Hinson. Alors que je m'attendais à voir un cow-boy aux cheveux blond sale avec une barbe de trois jours, un Stetson et une chemise à carreaux, je suis tombé sur un gringalet à lunettes portant des boucles d'oreille-boutons un peu ridicules. Ses chansons, sa voix et son apparence me semblaient en décalage absolu, presque irréconciliables, un peu comme si vous découvriez que Robert Smith ressemblait à Bézu (paix à son âme) ou que Patti Smith avait la tête d'Yvette Horner. Ce côté 'geek' m'a dans un premier temps étonné mais, en le voyant sur scène, je me suis rendu compte qu'il parvenait à en jouer jusqu'à devenir presque touchant.

Cela passe tout d'abord par une tendance continue à l'auto-dépréciation. Il remercie le public en prenant la plupart du temps un air gêné. Ainsi, après avoir joué en début de concert Beneath The Rose, le single issu de son premier album, et été copieusement applaudi, il dit "Merci mais j'ai peur que ce soit de loin la meilleure chanson qus nous ayons à vous proposer. Le reste sera moins bon. J'aurais dû la garder pour la fin.". Il s'excuse de ne pas avoir pu financièrement emmener avec lui la quinzaine de musiciens ayant enregistré son album et de n'être accompagné que d'un batteur ("très bon marché", bien qu'il joue aussi d'un peu de pedal- lap-steel) . Il s'excuse même de devoir improviser des nouveaux arrangements pour certains morceaux parce que Virgin Express a égaré son banjo lors du vol vers Bruxelles. Il chante également des reprises de John Denver et de Richard Hawley, Suzanne de Leonard Cohen et un des singles du premier album d'Interpol en laissant entendre à chaque fois qu'il trouve que ce sont des bien meilleures chansons que celles qu'il écrit lui-même.

Il cultive par ailleurs avec application son côté dilettante. "Les responsables de la salle m'ont autorisé entre une et trois pauses-cigarettes durant le concert. Je vais en prendre une maintenant." Il finira par en fumer quatre (à toute vitesse, je n'ai jamais vu personne tirer sur son filtre avec un tel enthousiasme) mais prendra soin d'occuper le public à chaque fois en lui contant des anecdotes. Il raconte ainsi comment une spectatrice italienne a hurlé en plein concert "Your voice fights fascism" avant de demander "Someone know the difference between communism and fascism?" et de se lancer dans quelques considérations vaseuses sur le sujet. Il raconte comment tous les poissons de son aquarium sont morts un jour parce qu'il y avait versé de l'eau trop froide, et comment le patriarche de l'aquarium était allé voir successivement chaque poisson pour les réconforter avant de se laisser mourir lui-même ("Les poissons sont capables de sentiments, de compassion. Je l'ai vu de mes propres yeux."). Sinon, il jure comme un charretier, parle souvent à son batteur en tournant le dos au public et, quand il casse une corde de sa guitare, il la change, accroupi sur scène, en pestant contre l'absence de roadies. Ce fut donc un concert plein de temps morts (il est tout de même parvenu à casser trois cordes en moins de deux heures) et qui baignait dans une ambiance un peu potache. Il termine d'ailleurs en disant. "Merci d'avoir supporté notre amateurisme. De toutes façons, le professionalisme, c'est très surfait.".

Je n'ai à dire vrai pas grand chose à dire sur la musique proprement dite. Si on fait abstraction des arrangements, elle est finalement assez proche de ce que les albums laissent supposer, en plus lo-fi et crade. La chanson finale par exemple, Patience, est presque méconnaissable tellement il hurle. Un concert qui valait donc plus selon moi pour le personnage, par le rapport qu'il instaurait avec son public que pour ses qualités purement musicales, même si je suis toujours ravi de voir chanter des gens dont j'admire la voix. J'avais d'ailleurs vu il y a un ou deux ans Mark Kozelek au même endroit en avais tiré sensiblement les mêmes conclusions.

LIEN : Vous pouvez aller lire la chronique de son concert de Londres sur Playlouder, histoire notamment de connaître le titre de la chanson d'Interpol qu'il a interprétée.

Ryan Teague + Murcof, Beursschouwburg, Bruxelles 17 février 2007

Comme il s'agissait de mon premier concert au Beursschouwburg, je voulais juste dire, en guise de prambule, que la beauté du bâtiment (même si la salle de concert proprement dite est assez quelconque) m'a plongé dans une réelle perplexité face à l'avenir institutionnel de la Belgique.

Des deux musiciens à l'affiche du concert, je ne connaissais que le premier, Ryan Teague, dont j'ai dit beaucoup de bien du EP Six Preludes il y a un an et dont j'ai par ailleurs évoqué le nouvel album il y a à peine une semaine. J'étais curieux de voir comment la musique très écrite du bonhomme allait pouvoir être rendue live et j'avais à dire vrai un peu peur de voir arriver sur scène un type tout seul avec un laptop qui se serait contenté de remixer en direct les différents morceaux de l'album. J'avais tort d'être inquiet car ce sont quatre personnes qui, peu après 20h30, monte sur scène. Il apparaît assez vite que les trois instrumentistes présents sur scène ont tous reçu une solide formation classique (ils ont d'ailleurs tous une partition devant les yeux). Le percussioniste joue d'un xylophone d'orchestre avec quatre maïoches (là où la plupart des amateurs n'en utilisent que deux) et la harpiste tire tous les partis de sa harpe à pédales, ce qui permet notamment au spectateur de déduire des changements constants d'altération des notes que la musique écrite par Ryan Teague est harmoniquement assez complexe. A côté de ces deux beaux instruments d'orchestre, la monstruosité électrico-design utilisée par la violoncelliste fait un peu désordre (j'ai toujours trouvé que le violon(celle) électrique, avec ses formes futuristes, était un instrument grotesque). A gauche de la scène, Ryan Teague, un vague air de Jarvis Cocker malgré une frange trop longue, joue les chefs d'orchestre derrière son laptop.

Musicalement, le concert est nettement plus proche de son premier EP que du récent album. Tous les morceaux (sauf un) sont construits de la même manière : les instruments y brodent autour des rythmiques du laptop des enluminures qui apparaissent d'emblée assez complexes. En effet, la musique de Ryan Teague n'est jamais évidente, souvent inattendue et demande une attention soutenue de l'auditeur car les voix de chaque instrument y sont d'importance égale. On n'y trouve pas, comme dans 95% des musiques dont je parle ici, de soliste que les autres musiciens se contenteraient d'accompagner discrètement. Non, je dirais même que ça contrepointe allègrement dans tous les sens. Bien que la plupart des morceaux ont une fâcheuse tendance à se ressembler, cette complexité de bon aloi et l'incongruité de cet assemblage disparate d'instruments (harpe, violoncelle et xylophone, ça ne s'entend quand même pas tous les jours, surtout dans une salle de concert rock) intriguent et les spectateurs, debouts ou assis par terre, ont écouté dans un silence quasi-religieux la cinquantaine de minutes du concert. Bizarrement, le morceau le plus applaudi est celui où Ryan Teague va faire un tour en coulisses, tandis que les trois musiciens se lancent dans un morceau de 6-7 minutes dont les sonorités médiévales sont assez bluffantes.

Je pressentais déjà en écoutant ses disques que Ryan Teague était une personnalité à suivre. Cette soirée me l'a confirmé. Dommage que je ne sois pas équipé pour enregistrer les concerts auxquels j'assiste car, contrairement à la plupart des concerts que j'ai vus depuis un an, j'aurais été curieux de réécouter celui-ci à tête reposée.

Après une petite demi-heure de pause, le Mexicain Murcof fait son apparition. La scène étant surélevée, le public, en majorité assis ou couché, le voit avec un curieux effet de contre-plongée. Etant donné que son visage est éclairé du dessous par l'écran de son laptop et qu'en plus les fumigènes qui envahissent la scène reflètent les éclairages bleus et rouges des projecteurs comme du brouillard, le concert prend parfois des allures d'apparition satanique. Le bouc et la calvitie de Murcof n'arrangent rien. Je ne connaissais absolument rien de sa musique avant de le voir ce samedi mais il semblerait finalement que ce ne soit pas très grave car ceux qui connaissent ses travaux précédents étaient tous d'accord pour dire que ce qu'il nous a livré durant une petite heure n'avait que peu de rapports avec ses oeuvres précédentes. Tout ce que je peux dire, à titre personnel, c'est que j'ai beaucoup aimé. L'utilisation de samples d'instruments traditionnels (de l'orgue notamment) apportait une véritable dimension dramatique à son mélange de techno minimale (les rythmiques utilisées, souvent très discrètes, m'ont fait penser aux premiers travaux de Pan Sonic) et d'ambient-drone. Passant sans heurts d'une atmosphère contemplative à des passages presque dansants, il a livré un set qui me donne très envie d'en savoir un peu plus sur son oeuvre, et surtout sur l'album qui est censé sortir dans quelques semaines (sur Leaf, si j'ai tout bien compris).

Excellente soirée donc, même si pas assez bonne pour me donner le courage de revenir au même endroit le lendemain pour les concerts de Plaid et Ratatat.

Les albums de 2006 (XV)

Matt Elliott - Failing Songs (Ici d'ailleurs)
Si je ne me trompe, il s'agit du troisième album que Matt Elliott (ex-Third Eye Foundation) sort sous son propre nom. Comme sur les deux précédents, la post-electro apocalyptique de son groupe laisse ici la place à un folk spectral où les voix semblent n'être que des réminiscences de marins morts en mer il y a plusieurs siècles (je devrais sans doute souffler à Gore Verbinski l'idée de confier à Matt Elliott la bande son du troisième volet de Pirates des Caraïbes). L'accompagnement se limite sur la plupart des morceaux à un peu de guitare, de percussions légères et quelques notes de piano ou de violon. Comme le titre le mentionne explicitement, cet album semble être la mise en musique d'un constat d'échec total (pour la musique ? pour l'humanité ? pour Matt Elliott lui-même ? plus sûrement sans doute pour tout cela à la fois). Les paroles de Lone Gunmen Required, par exemple, commencent par "Here we stand alone again / Divided by the same old men / Hands behind our back again / Our backs against the wall again.", celles de The Failing Song par "As youths we used to talk at night / Of the joys that life was going to bring our way / And the failures of our forebears / Were as clear to us as the cold light of day" (comme vous vous en doutez sans doute le second paragraphe commence par "But now..."). Pourtant, ce constat se trouve constamment contredit par la beauté même des chansons. Ces douloureux échecs et ces espérances déçues que les paroles de l'album ressassent ne sont-ils pas le passage obligé avant une renaissance, un nouveau départ ? Je n'ai jamais souscrit à l'idée que l'on écoute de la musique triste pour se sentir encore plus triste. Au contraire, la musique, quand elle est belle, est source de plaisir, et tant qu'il est possible de ressentir du plaisir, il reste de l'espoir. Contre toute apparence, ce disque est donc sans doute un cri d'espoir, l'expression d'une inébranlable volonté de continuer la lutte. L'électronique bruitiste de TEF vient d'ailleurs parfois bousculer les chansons squelettiques qui constituent 80% de l'album (comme sur Desamparado par exemple), comme pour ajouter un peu de chaos dans un discours qui pourrait sinon paraître trop transparent.
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- A écouter : Lone Gunmen Required (mp3)
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Lupen Crook - Accidents Occur Whilst Sleeping (Tap’n’Tin Records)

J'ai consacré mon billet de la quinzaine sur la Blogothèque à cet album. Je vous encourage vivement à aller y faire un tour (ou à tout à le moins écouter les morceaux, dont les liens sont également disponibles ci-dessous) car il fera sans aucun doute partie de mon top 4 final (dont la publication n'est plus si éloignée, promis).
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- A écouter : Love 80(mp3), The Dead Relative (mp3), Halloween (mp3)
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Programme de demain

Ryan Teague et Murcof au Beursschouwburg à Bruxelles. J'en reparle bientôt.

Les albums de 2006 (XIV)

Woven Hand - Mosaic (Glitterhouse)
J'aime beaucoup Sixteen-Horsepower et Woven Hand, en grande partie à cause de la voix de prêcheur exalté de David Eugene Edwards. Pourtant, si on excepte For Heaven's Sake (sur le deuxième album de 16HP, si je ne m'abuse), je serais incapable de vous citer de mémoire le moindre titre de chansons ou de vous chantonner la moindre de leurs mélodies. Je prends en effet leurs albums non pas comme des collections de chansons mais comme un moyen de me plonger dans un univers où rock mystique, country crépusculaire et folk gothique dansent le sabbat au clair de lune de Salem (ooh le joli cliché). C'est devenu un cliché (bah, tant que je m'en rends compte...) mais la musique de David Eugene Edwards est réellement hantée par quelque chose qui semble le dépasser. S'il était né dans l'Antiquité, il serait sans doute parvenu à fidéliser des disciples et à créer une religion. Etant un musicien rock né au XXème siècle, ses disciples sont des fans devant lesquels il se contente de chanter, ce qui est sans doute sur le long terme moins dangereux. Cela faisait en tout cas longtemps qu'un disque de DEE ne m'avait pas autant touché. Aux habituels guitares, banjo et percussion, s'ajoute ici un orgue particulièrement inspiré et qui apporte un supplément de gravité à une musique qui était pourtant déjà au départ assez peu guillerette. De nouveau, il m'est difficile de mettre en exergue un morceau plutôt qu'un autre. Les "Alleluia" dévastateurs de Winter Shaker, le minimalisme oppressant de Elktooth et Dirty Blue sont d'évidents sommets mais ils ne prennent tout leur sens qu'intégrés dans l'ensemble de l'album.
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- A écouter : Winter Shaker (mp3)
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Micah P. Hinson - Micah P. Hinson and the Opera Circuit (Sketchbook)
Il n'a pas manqué grand chose au premier album du Texan, Micah P. Hinson and The Gospel of Progress, pour se retrouver en tête de mon classement de 2004 : sortir quelques mois plus tard aurait sans doute suffi. Comme souvent, ce qui m'avait tout d'abord attiré était sa voix, à la fois rauque et timbrée, qui ne ressemblait à rien de ce que j'avais pu entendre auparavant (et, en y réfléchissant, à rien de ce que j'ai entendu depuis). Le premier album bénéficiait en plus d'une impressionnante collection de chansons où la subtilité des arrangements n'empêchait pas les mélodies de s'incruster durablement dans l'esprit. Pour un premier album, il s'agissait indéniablement pour moi d'un coup de maître. Depuis, Micah P. Hinson s'était fait discret, se contentant de sortir l'année dernière un plaisant EP intitulé The Baby and the Satellite. J'attendais ce deuxième véritable album avec impatience et ai été un peu déçu. La voix est toujours aussi belle, les arrangements toujours aussi luxuriants (d'autant que Micah P. Hinson s'entoure ici de 13 musiciens) mais les chansons sont à mon avis plus quelconques. L'album distille une country-folk acoustique élégante mais n'agrippe jamais vraiment l'attention de l'auditeur, bercé par une succession de chansons sans surprises. Même les instants de rage qui surgissent une fois ou deux sur l'album (You're only lonely par exemple) semblent être dans l'ordre des choses et font à peine dresser l'oreille. Si je veux pouvoir apprécier ses chansons, j'ai donc besoin de les écouter individuellement, en-dehors du contexte de l'album. She Don't Own Me ou Little Boys Dream, par exemple, font indéniablement leur petit effet si un shuffle malicieux les place entre deux morceaux d'electro-pop, de rock ou de death-metal mais redeviennent malheureusement assez quelconques une fois que la surprise du contraste disparaît et qu'on les replace au coeur de l'album. C'est un bel exemple de ce que j'appelle le songwriting "filandreux". Bien que ce soit un terme que j'emploie régulièrement, je n'ai jamais très bien su expliciter ce qu'il signifiait pour moi. Si je devais m'y risquer, je dirais qu'elle m'évoque une soupe au potiron chaude à laquelle on a ajouté de l'emmenthal rapé, qui a fondu. Les amateurs de soupe au potiron (ou à l'oignon) savent sans doute que l'on peut alors se retrouver à enrouler autour de sa fourchette d'interminables fils de fromage, de plus en plus fins qui semblent ne jamais devoir épuiser la masse gélatineuse de fromage fondu qui flotte au milieu de l'assiette. Une musique filandreuse, c'est pour moi un peu la même chose : une musique sans structure, qui dure mais ne donne jamais l'impression de progresser vers quoi que ce soit. Cela dit, je reste confiant pour l'avenir de la carrière de Micah P. Hinson et son concert de la semaine dernière au Botanique semble me donner raison.
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- A écouter : She don't own me (mp3)
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Mates of State - Bring it back (Barsuk Records)
Même si je n'ai pas la moindre idée de la note que Pitchfork a donné à cet album (après vérification, ce serait un 7.8), les relais qui ont porté le nom de ce groupe à mes oreilles sont en gros les mêmes que ceux qui m'ont fait prendre conscience de Arcade Fire, Clap Your Hands Say Yeah!, Love Is All et les autres. Je m'attendais donc à une sorte d'indie-pop vaguement prétentieuse et inutilement compliquée. J'avais tout faux. Il s'agit d'un des disques les plus immédiatement accrocheurs de l'année (et, après avoir écrit plus de la moitié de mes chroniques de l'année, je dois bien me rendre compte que c'est essentiellement ce que je recherchais en 2006, sans doute plus encore que les autres années). Le premier nom qui me vient en tête en écoutant ce disque est celui des Catchers. La manière dont les voix de Kori Gardner et Jason Hammel se croisent et se répondent me rappellent les meilleurs moments de Mute. C'est particulièrement flagrant sur Think Long, Nature in the wreck et So Many Ways. Si elle est indéniablement pop (deux écoutes de l'album et vous vous retrouverez à en chantonner des mélodies sous votre douche), la musique de Mates of State n'est pas lisse ou cliniquement produite. Les instrumentations sont le plus souvent assez simples et le son parfois presque crade (sur For The Actor par exemple). C'est sans doute cette indécision, cet entre-deux qui fait que le disque peut plaire aussi bien aux fans de pop commerciale qu'à ceux d'indie-rock Pitchforkesque, même si sans doute pas aux plus jusqu'au-boutistes de ces deux catégories. Cela dit, n'ayant jamais bien compris les critères d'appréciation des ayatollahs de l'indie-police, je peux aussi tout à fait me tromper. C'est toute la beauté de l'exercice de la chronique subjective. Chacun déblatère des kilomètres de bêtises sur ce qu'il ressent. Toutes les bêtises ainsi déblatérées se contredisent et expriment des opinions irréconciliables. Pourtant, il semblerait que de plus en plus de gens en lisent et en écrivent, espérant confusément, contre toute raison, dénicher une vérité absolue qui s'importait à tous (mais non, je ne suis pas terrassé par l'inanité de mon entreprise... ou si peu !)
- Liens : Site officiel, MySpace
- A écouter : So Many Ways (mp3)
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Ca m'avait échappé.

Lu sur la newsletter 4AD :
Lisa Gerrard - Australia/Europe April 2007

02 Australia, Melbourne, : Forum Theatre
04 Australia, Sydney, : State Theatre
05 Australia, Brisbane, : Playhouse at the QPAC
11 Spain, Barcelona, : L'auditori
13 Italy, Milan, : Conservatorio
15 France, Paris, : Grand Rex
17 Belgium, Brussels, : Cirque Royal (chic, en espérant qu'il y ait encore des places demain)
18 Germany, Duisburg, : Theater Am Marientor
20 Netherlands, Holland, The Hague: World Forum
22 Germany, Hamburg, : Schauspielhaus
23 Germany, Berlin, : Tempodrom
25 Poland, Warsaw, : Roma Theatre
27 Czech Republic, Prague, : Archa
29 UK, England, London: Shaftesbury Theatre

Dans un autre genre, j'ai pu me libérer pour aller voir les Pet Shop Boys à Paris le 21 mai. Youpie !

(demain, si tout va bien, deux billets pour le prix d'un)

Les albums de 2006 (XIII)

Je prends de plus en plus de retard sur mon planning mais compte cependant bien mener l'entreprise à son terme. Ca prendra le temps qu'il faudra. En attendant, ce soir, c'est Micah P. Hinson au Botanique.

TV on the Radio - Return to Cookie Mountain (4AD)
Jusqu'à l'été dernier, j'étais assez circonspect sur le phénomène TV On The Radio. Je n'avais pas compris grand-chose au premier album, qui m'avait paru un peu nébuleux, partant dans tous les sens sans ligne directrice clairement identifiable. Leur musique me semblait gentiment inconsistante, comme un mortier qui n'aurait pas pris. Les différents ingrédients (voix, batterie, guitares) s'entremêlaient, se confondaient, voire se contredisaient, et ne restait plus pour moi qu'un brouillard indistinct duquel ne surnageait qu'une impression de vague malaise. Je lisais certes çà et là que le groupe "réinventait le rock du XXIème siècle" et que ne pas s'en rendre compte était une honteuse preuve d'aveuglement, mais cela ne faisait qu'augmenter ma perplexité. Voir le groupe sur scène au Pukkelpop durant le mois d'août m'a permis d'un peu mieux saisir leur démarche, et notamment de comprendre que, contrairement à ce que je pensais, la musique de TVOTR n'est pas uniquement une musique cérébrale, conçue comme une expérience scientifique dans le cadre d'une thèse de doctorat sur "les phénomènes d'hybridation entre rock et soul dans les musiques populaires des Etats-Unis au début du XXIème siècle". Certes, il y a un peu de ça (certains membres du groupe conservent à tous moments l'air concentré et grave du chimiste en train de manipuler des produits dangereux) mais le chanteur contredit brillament cette absence de vie. Il se contorsionne, glapit et hulule dans une éruption d'énergie brute qui semble devoir se fondre dans l'insondable proto-post-kraut-rock-shoegazing des autres musiciens, dont il parvient cependant à émerger. Sur scène, cette contradiction, rendue évidente par les postures des uns et des autres, fonctionne en plein. Sur disque, sans ces repères visuels, je continue malheureusement à rester en-dehors. Je peux en admirer certains aspects, mais de manière totalement abstraite, comme on admire une belle démonstration mathématique. Peut-être mon esprit est-il trop formaté par la pop pour comprendre tout à fait cette manière de concevoir la musique comme un complexe mélange des contraires ? Pour la petite histoire, il s'agit d'un des rares albums dont la seconde moitié m'apparaît nettement meilleure que la première. Ils ne font décidément rien comme tout le monde.
- Liens : Site officiel
- A écouter : Tonight (mp3)
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Ryan Teague - Coins & Crosses (Type)
Je gardais un excellent souvenir du premier EP de Ryan Teague, Six Preludes, où électronique et cordes dissonantes se mêlaient pour former un tapis sonore nettement plus aventureux que la moyenne des disques du genre, quelque part entre ambient, new-age et "nouvelles musiques". Ce premier véritable album continue dans la même veine tout en restant plaisamment inclassifiable. Presque totalement dénué de voix, il est trop complexe harmoniquement pour être du new-age à la Max Richter, pas assez apaisant pour être de l'ambient à la Deaf Center et, si Ryan Teague utilise bien les cordes d'un orchestre philharmonique, la construction de la plupart des morceaux ne rentre pas tout à fait dans les canons des "nouvelles musiques", à part peut-être sur Fantasia for String Orchestra et Accidia. Ce dernier morceau pourrait d'ailleurs se faire passer pour un respectueux remix minimal-electro de la première moitié du premier mouvement de la 3ème Symphonie de Gorecki, s'il ne venait malheureusement à se perdre vers la fin dans une interminable conclusion pour clochettes. L'album dure environ 50 minutes et les vingt premières sont sans doute les meilleures. Après un court Introit, la plage qui donne son nom à l'album mêle électronique, hurdy-gurdy et harpe pour former un tapis sonore cotonneux qui, bien que ne menant nulle part, invite au voyage. Tableau I ressemble plus à une musique de film mais est tout aussi prenant. Malheureusement, la fin de l'album, plus déconstruite, est un peu moins convaincante, à moins que comme souvent avec les disques de ce genre, je ne me lasse au fur et à mesure que le disque se déroule. Pour le comparer avec son concurrent direct (l'album de Deaf Center, paru sur le même label), cet album est clairement plus ambitieux mais n'est pas toujours complètement à la hauteur de ses ambitions. Cela dit, sur les morceaux où il l'est, il est impressionnant.
- Liens : Site officiel.
- A écouter : Coins and Crosses (mp3)
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McFly - Motion in the Ocean (Island)
Quand les adolescents de McFly sont apparus sur le marché de la pop anglaise pour (pré-)adolescentes, ils ont été accueillis comme des sauveurs, à la fois par son public-cible, en manque d'idoles à punaiser sur ses murs depuis le split de Busted, et, plus bizarrement, par une bonne frange de la critique d'outre-Manche. Je me rappelle notamment avoir lu des chroniques qui comparaient favorablement leur premier album avec celui des Beatles ou des Beach Boys (même moi en étais tout ébaubi). Trois ans et deux albums plus tard, il ne reste malheureusement plus grand chose de cet enthousiasme. Le groupe a vu ses ventes fondre comme neige au soleil (même si elles feraient sans doute encore l'envie de 90% des groupes indés) et est devenu la tête de Turc préférée de la plupart des critiques. Alors bien sûr, les bonnes raisons de s'être lassé de McFly ne manquent pas : une suite lassante de "coups publicitaires" (souvent à base de nudité ou de travestissement), la promotion d'un film inepte (à la Spiceworld), une musique qui n'évolue guère et des interviews où les membres du groupe, bien que tous majeurs, semblent partager collectivement l'esprit d'un enfant de 13 ans fasciné par les diverses sécrétions de son corps. Comme tous les groupes pop pour pré-adolescent(e)s, McFly semble donc bien mal parti pour fidéliser son public vieillissant et donc se garantir une certaine longévité. C'est dommage parce que, sur la seule base de la qualité des chansons, il s'agit sans doute de leur meilleur album. Plus diversifié que le premier album mais moins sérieux que le second, il comprend quelques-unes des meilleures chansons du groupe. On y retrouve les influences classic-rock habituelles du groupe (principalement The Who ou Queen, dont ils reprennent Don't stop me now en fin de disque). Pourtant, ces influences sont rapidement assimilées et servent à écrire des chansons originales et souvent assez imparables. Transylvania est une tentative bluffante de réinjecter dans la pop du XXIème siècle la démesure de Bohemian Rhapsody (d'ailleurs explicitement crédité dans la vidéo). {Friday Night}, avec ses gros riffs de guitare et son refrain crié, est la meilleure chanson que The Offspring n'écrira plus. Little Joanna, Home is where the heart is et quelques autres remplissent également parfaitement leur contrat même si, comme toujours avec les groupes de ce genre, les chansons calmes doivent être écoutées avec la plus grande circonspection (Bubblewrap en particulier). Cela dit, Motion In The Ocean délivre en quantité tout ce que je demande d'un bon disque pop. Je suis d'ailleurs convaincu que bon nombre de ces chansons, peut-être avec des paroles légèrement différentes pour gommer leur côté adolescent mal dégrossi, pourraient plaire au NME et à tous les tenants de l'orthodoxie pop indé si seulement elles étaient interprétées par un groupe qui ait les bons vêtements, les bonnes coupes de cheveux, la bonne attitude et revendique les bonnes références. Mais bon, ça fait longtemps que j'ai arrêté de croire qu'il existait un lien quelconque entre la popularité d'un groupe et la qualité de ses chansons. Je regretterai juste que leur insuccès commercial récent privera sans doute leur musique de la possiblité d'évoluer. Ils feront peut-être un quatrième album mais je doute qu'ils en feront un cinquième. Dommage, j'aurais été curieux d'écouter ce qu'ils auraient pu enregistrer dans 5 ou 10 ans.
- Liens : Site officiel
- A écouter : Transylvania (mp3), Transylvania (video), Star Girl (video), Friday Night (video)
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Je l'ai échappé belle.

Quand un morceau de mélodie non identifiée me passe par la tête, je deviens obsédé par l'idée de lui redonner un titre et un interprète. Ca peut parfois me gâcher ma journée. C'est donc avec une certaine angoisse que je me suis demandé ce matin, juste après avoir entendu l'intro du nouveau single de Lily Allen, (Littlest Things) : "Rhaaa, mais à quoi les accords de l'intro me font-ils bien penser ?". J'ai donc immédiatement éteint la radio pour tenter de suivre le fil de mes souvenirs et me suis retrouvé avec les informations suivantes :
- Ca commence par des lalalala.
- Après avoir cru quelques secondes que c'était en français, je me suis rendu compte que non.
- Tempo plutôt lent.

Heureusement, ma journée n'allait pas être pourrie par cette angoissante indécision car, cinq minutes plus tard, j'ai eu le bonheur d'entendre le refrain émerger dans un coin brumeux de ma conscience.

PS : Si vous aussi, vous voulez jouer au jeu des ressemblances, ne cliquez pas sur ce lien qui vous donne la solution.

Les albums de 2006 (XII)

Peter Bjorn and John - Writer's Block (V2/Wichita)
Pour beaucoup, Peter Bjorn and John est le groupe d'une seule chanson, le sifflotant Young Folks (suis-je le seul à trouver que la voix y ressemble étrangement à celle de Vaya Con Dios ?), un de ces morceaux qui semblent faire l'unanimité autour d'eux. Pourtant, tout bon qu'il soit, ce n'est pas le morceau de l'album que je préfère. J'ai déjà dit ici tout le bien que je pensais de Amsterdam qui parvient à ressuciter le spectre de la cold-wave robotique du début des années 80 (on dirait une chanson de Gary Numan) sans utiliser le moindre synthétiseur. Objects of my affection mêle un riff de guitare dévastateur et une voix typiquement new-wave (voir les Nits de Woman Cactus par exemple) pour créer une de ces chansons épiques et tourbillonnantes que l'on se surprend à écouter cinq fois de suite sans y penser. Cet album est souvent présenté comme une collection de chutes de studio indignes assemblées à la va-vite pour mettre en valeur la gemme Young Folks. C'est injuste car je trouve que c'est un des albums les plus homogènes et consistants de l'année. Outre les trois chansons déjà mentionnées, Paris 2004, Let's call it off et Roll the credits par exemple soutiennent sans rougir la comparaison avec la plupart des disques d'indie-pop sortis cette année. Certes, en choisissant de se spécialiser dans la pop légère et gentiment désinvolte, le groupe se condamne à ne jamais devenir l'obsession de personne. Il serait irréaliste de lui demander plus qu'un plaisir fugace, comme ces amours de vacances qui font les meilleurs souvenirs.
- Liens : Site officiel, la page MySpace
- A écouter : Objects of my affection (mp3), Young Folks (video)
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Apparat Organ Quartet - s/t (Skelt)
Dire que ce disque date de 2006 est à la limite de l'abus de langage vu que les morceaux furent tous enregistrés avant 2003 et que l'album était déjà sorti une première fois en 2004. Pourtant, c'est bien en 2006 qu'il a été distribué en Belgique pour la première fois. C'est aussi en 2006 que le groupe a effectué une mini-tournée en Europe, notamment à Louvain et au Festival "Islande Mon Amour" à Paris. J'ai déjà eu l'occasion de parler de ce disque qui mélange avec bonheur Kraftwerk, l'electro ludique de Console, les compositeurs minimalistes et l'énergie du rock, voire à certains moments du heavy-metal. Créé comme une ensemble instrumental (4 orgues et une batterie) gentiment prise de tête dans l'esprit des premiers Philip Glass ou Steve Reich, le groupe de Johann Johannsson (dont je reparlerai bientôt) et de ses amis Hordur, Ulfur, Arnar et Sighvatur a évolué et est devenu une redoutable machine à faire danser. Les cinq membres du groupe ayant tous une multitude d'autres projets, il est peu probable que cet album connaisse jamais une suite. Dommage car, pour comparer avec des artistes stylistiquement assez proches, je trouve cet album bien plus intéressant que ce que les représentants de l'électronique grand public produisent ces dernières années (des Chemical Brothers à Mylo en passant par Royksopp et les autres).
- Liens : Page MySpace, mon article sur la Blogothèque
- A écouter : Cruise Control (mp3)
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Casiotone For The Painfully Alone - Etiquette (Tomlab)
Il existe finalement assez peu d'artistes électroniques qui n'ont à aucun moment l'ambition de faire gigoter l'auditeur. Si le terme n'était pas complètement ridicule, je me laisserais aller à parler d'"électro d'auteur", dans le sens où les chansons sont clairement ici le résultat d'une démarche de songwriter, plus que de laborantin de studio. Je me trompe peut-être mais l'écoute de ce disque me donne l'impression que les paroles ont toutes été écrites avant la musique et que cette dernière n'est que le moyen utilisé pour les transmettre. Les mélodies sont simples, les recherches sonores inexistantes et l'accent est surtout placé sur l'adéquation entre les voix et l'accompagnement musical. Les ambiances sont le plus souvent déprimantes, à tel point que l'on pense parfois à Smog (sur I Love Creedence particulièrement), sans doute à cause du timbre de la voix de Owen Ashworth et de son débit volontairement inexpressif (en y repensant, je me rends d'ailleurs compte que "voix de Smog + électronique" aurait été une assez bonne description des premiers albums de Tarwater). Tout cela donne au final un disque qui est dans l'esprit beaucoup plus indie-folk que pop ou électro. Il n'y a guère que sur le single Young Shields que l'on trouve une mélodie qui soit chantonnable. Casiotone For The Painfully Alone est indéniablement un artiste attachant, mais son refus d'en faire trop et le caractère résolument anti-spectaculaire de sa musique sont parfois aussi frustrants qu'admirables.
- Liens : La page MySpace, le concert à emporter
- A écouter : Nashville Parthenon (mp3)
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Pour mes amis robots :
- Peter Bjorn & John - Objects Of My Affection
- Apparat Organ Quartet - Cruise Control
- Casiotone For The Painfully Alone - Nashville Parthenon

Les albums de 2007 (I)

Mon billet de la quinzaine sur la Blogothèque est consacré à Mika.

Les albums de 2006 (XI)

Sans doute les notules les plus "nudge nudge wink wink" de la série.. désolé.

Espers - Espers II (Wichita)
Quel étrange disque. Il débute par Dead Queen, qui paraît de prime abord être un sublime morceau de folk contemplatif. La voix y fait furieusement penser à l'Elizabeth Fraser de Milk & Kisses (pas la meilleure période, mais bon...et oui, je sais que je compare un disque sur deux aux Cocteau Twins). Cruel Storm est une autre chanson folk de la même veine, quoique je pense plus en l'écoutant à Marissa Nadler (dont le prochain album est d'ailleurs produit par Greg Weeks, lui-même chanteur, et producteur de cet album...tout est dans tout, c'est formidable quand on y pense... quasi cosmique même). Pourtant, il ne s'agit clairement pas d'un disque folk classique, ne serait-ce que parce que la durée moyenne des morceaux est de plus de sept minutes. Il s'agirait en fait plutôt d'une sorte de post-folk (au sens de ce que le post-rock est au rock), à moins que ce ne soit du post-prog (au sens de ce que le... blah blah blah). Pour être plus explicite (parce que bon, les étiquettes, c'est joli, surtout sur les pots de confiture, mais il faut bien reconnaître que, si on exclut les encres phosphorescentes, ça n'est pas forcément très éclairant), cela signifie que, dans presque chaque morceau, passé la barre des 4-5 minutes, le chant disparaît et les motifs de violon ou de guitare commencent à être noyés dans d'inquiétants drones dissonants. En auditeur de mon époque, où le recyclage et l'hybridation sont devenus les symptômes d'un post-modernisme triomphant, je n'ai rien contre le mélange des genres mais, sur ce cas précis, je ne suis pas sûr d'y trouver mon compte. Si les chansons avaient été plus courtes, plus resserrées sur la voix de la chanteuse, les mélodies bucoliques et tout l'attirail néo-country-folk de Marissa, Paula et les autres, j'aurais sans doute eu là un de mes (mini-)albums de l'année. En l'état, j'ai l'impression que le disque est le compte-rendu de la bataille sans vainqueur qu'ont livrée en studio les deux facettes d'un groupe schizophrène. A entendre les interminables et assez pénibles fins de Dead King et Children of stone, je dois pourtant bien avouer que j'aurais sans doute préféré que le Dr Jekyll de la folk bucolique ait forcé le Mr Hyde du post-rock dissonant à rendre les armes.
- Liens : Site officiel
- A écouter : Dead Queen (mp3)
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Jamelia - Walk With Me (Parlophone)
La caractéristique du r'n'b américain qui me rebute le plus est sans aucun doute l'omniprésence de ces vocalises interminables qui brisent les lignes mélodiques, diluent le discours et semblent n'être là que pour impressionner les électeurs de l'académie des Grammies. Beyoncé, Mariah Carey, Usher, Boyz II Men, Whitney Houston, etc.. Peu de grandes stars du genre échappe à cette malédiction (Mary G. Blige peut-être, ou en tout cas le peu que j'en connais). C'est pourquoi, quitte à mettre une nouvelle fois en évidence le caractère pathologique de mon anglophilie, la musique de Jamelia me convient parfaitement. Bien que comportant d'indéniables accents r'n'b, elle ne sacrifie jamais la mélodie, la limpidité des compositions à des exhibitions gratuites de technique vocale. Cela étant dit, il ne s'agit pas d'un album parfait. Ainsi, je n'ai jamais vraiment pu réellement apprécier un morceau trop ouvertement construit autour d'un sample connu. No More par exemple, parvient à totalement annihiler la légèreté syncopée de l'intro au clavecin de Golden Brown (The Stranglers) sous un empilement de choeurs qui devient rapidement assez crispant. Beware of the dog, qui reprend le riff de guitare de Personal Jesus (Depeche Mode), me semble nettement plus réussi, sans doute parce que la chanson construite sur les fondations de Martin Gore est d'un genre assez proche à l'original. Les deux autres chansons de l'album que j'aime particulièrement sont le premier single Something About You et Do Me Right dont les sonorités indiennes sont dans la droite lignée de Truth Hurts par exemple. Pour le reste, il s'agit d'un solide album de pop-soul, qui correspond assez précisément à ce que je recherche dans le genre et dans lequel aucune chanson (à part No More peut-être) ne me semble ratée. C'est déjà pas mal.
- Liens : Site officiel
- A écouter : Do Me Right (mp3), Something About You (video), Beware of the Dog (video)
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The Knife - Silent Shout (Rabid Records/Cooperative)
Il existe pour moi un petit mystère autour de ce disque. Pourquoi a-t-il reçu ces critiques élogieuses un peu partout, et surtout dans des médias a priori peu friands d'electro-pop de dancefloor ? Ca a commencé par une critique dithyrambique dans les Inrocks qui disait en gros que Silent Shout était un grand disque parce qu'il était plus sombre et moins "bêtement pop" que le précédent (en grande partie sans doute à cause de la couleur de la pochette..les couleurs vives de Deep Cuts ne devaient pas faire assez sérieux). A mes oreilles, le disque était plutôt une déception et cet enthousiasme semblait n'être qu'une tentative de rattrapage, une envie de faire rentrer (un album trop tard) The Knife dans le giron des groupes "révélés en France par les Inrocks". Cette explication m'aurait parfaitement convaincu si le disque n'était pas également devenu la coqueluche des mp3-blogs américains, allant jusqu'à être sacré album de l'année par les grands Mandaroms de Pitchfork. Ne comprenant pas cet enthousiasme excessif et ayant toujours eu une fâcheuse tendance à ramer à contre-courant, je me sentais investi du devoir de ramener cet album à sa juste place (un honnête disque d'électro-pop biscornue, qui se laisse régulièrement tenter par les sonorités tubesques de la trance pouet-pouet). J'ai pourtant changé d'avis en lisant sur un célèbre audioblog francophone que ce disque n'était qu'un "sympathique album de remixes de Kate Bush par Jean-Michel Jarre" et qu'il symbolisait à lui seul l'indigence de la musique sortie en 2006. Le statut de l'électro-pop en France est en fin de compte encore fragile et peut-être devrais-je finalement arrêter de me focaliser sur le fait que cet album est moins bon que le précédent et me réjouir de voir Olof et Karin récolter le succès qu'ils mériaitent il y a deux ans. Après tout, si des gens veulent voir dans un album moins varié un album plus homogène ou dans des chansons moins brillantes la marque d'une sensibilité plus sombre et adulte, qui suis-je pour les en dissuader ? Et puis, il faut bien reconnaître que Marble House (avec la voix de Jay-Jay Johanson) est assez épatant.
- Liens : Site officiel
- A écouter : Marble House (mp3), Silent Shout (video)
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Les albums de 2006 (X)

Lil' Chris - Lil' Chris
Lil' Chris est un adolescent de 16 ans, qui en paraît 12 maximum, et s'est fait connaître dans "School of Rock", une émission télévisée dont je sais juste qu'elle bénéficiait du patronage de Gene Simmons (Kiss). Selon toute logique, cela devrait être un des pires albums de l'année. Comme l'expérience le montre, les albums des "stars" issues de la télé-réalité sont presque tous inécoutables (seules surnagent les insubmersibles Girls Aloud dont le best-of est sans doute le meilleur album pop de l'année, même s'il ne rentre pas dans les critères de mon classement personnel). De plus, Lil' Chris rentre tout à fait dans le créneau de ce que j'ai appellé la "pop qui n'assume pas" en évoquant l'album de The Feeling. Il est en effet marketé (horrible mot mais quitte à parler de pop commerciale, autant le faire en appelant les choses par leur nom) comme un adolescent fan de punk-rock (son nom d'utilisateur Myspace est LilEmoChris) qui vit son rêve de rock-star, alors qu'il n'est évidemment que le jouet de producteurs-compositeurs (les vieux routiers Ray Hedges et Nigel Butler) qui lui font chanter ce qu'ils veulent. Ce qui sauve Lil' Chris est sans doute qu'il en est parfaitement conscient et en joue. Par conséquent, sa musique ne contient pas la moindre once de prétention. Il chante en prenant une voix bizarre, se lançant par exemple dans des yodels absurdes, sans raison apparente. Les chansons sont courtes, punky et basiques, mais rigoureusement imparables. J'en veux pour preuve Getting Enough?? (un plagiat des Buzzcocks me souffle-t-on dans l'oreillette) et Checking it out, les deux singles qui m'ont convaincu d'acheter l'album, ainsi que le franchement surprenant I never noticed où, après une intro ThisMortalCoilesque en diable, d'intrigants arpèges de synthé parviennent à rendre presque émouvante une chanson qui accumule pourtant les clichés. Bon, c'est sûr qu'une fois sorti de ces trois chansons (qui, selon la règle d'or du genre, sont placées au début de l'album), on n'a pas forcément grand-chose à se mettre sous la dent, même si, à tout prendre, l'ironie sous-jacente me rendra cet album plus sympathique que tout ce que feront jamais Sum 182, Blink-41 et les autres.
- Liens : Site officiel, MySpace
- A écouter : Checking it out (video), Getting Enough?? (video), Figure It out (video), I never noticed (mp3)
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Post Industrial Boys - Trauma (Max-Ernst.de)
Le premier album de ce projet du Géorgien George Dzodzuashvili avait été mon album préféré en 2004. Malheureusement, le silence assourdissant qui a entouré sa sortie (à part une chronique dans les Inrocks, je n'ai aucun souvenir d'avoir lu quoi que ce soit à son sujet, que ce soit en français ou en anglais) me faisait penser qu'il n'y en aurait jamais de deuxième. J'ai donc été agréablement surpris en apprenant la sortie de ce deuxième album sur le label de Thomas Brinkmann. En toute honnêteté, il n'y a rien sur cet album qui apporte quoi que ce soit de neuf par rapport au précédent album. On navigue de nouveau dans des eaux troubles et indéfinissables, quelque part entre techno minimale, folktronica, slam et un soupçon de lounge-music. En l'écoutant, on peut penser indifféremment à Nouvelle Vague, à Broadcast, au Brian Eno de Spinner ou The Drop et à tout un pan de pop ambient à la Kompakt. Tout ici est empreint d'une élégance discrète, les voix transmettent un soupçon d'ennui sophistiqué. Les blips qui forment la trame rythmique des morceaux suggèrent plus qu'ils n'assènent et les instruments acoustiques qui en forment la trame mélodique prennent bien garde d'en faire trop. Ce bon goût absolu est la force mais aussi la limite du disque. Ayant été très client il y a deux ans du premier album, je ne peux qu'apprécier celui-ci mais, en deux ans, l'effet de surprise s'est sensiblement émoussé et j'ai du mal à m'enthousiasmer à nouveau. Cela dit, si vous êtes passé à côté du premier album éponyme, je ne peux que vous conseiller d'écouter celui-ci et vous envier le plaisir que vous y prendrez sans doute.
- Liens : Site officiel
- A écouter : Benzilina (mp3)
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Paul Simon - Surprise
Paul Simon n'a jamais fait partie de mon panthéon musical. Comme tout le monde, je peux chantonner Bridge Over Troubled Water, Mrs Robinson ou Sound of Silence mais n'ai jamais ressenti le besoin d'en savoir plus sur son oeuvre. Même sa période solo, dont j'ai pu découvrir une partie temps réel (à partir de Graceland disons) me laisse assez indifférent. Je n'aurais donc a priori jamais eu la curiosité d'écouter ce nouvel album s'il n'avait été enregistré avec Brian Eno, crédité comme "paysagiste sonore" (sonic landscape), co-auteur de trois morceaux et responsable des "electronics" sur toutes les chansons sauf la dernière. On retrouve effectivement la patte du grand Brian dans quelques riffs, sons étranges ou voiles de guitares vaporeux. A certains moments, cet album rappelle d'ailleurs un peu Acadie, l'excellent premier album solo de Daniel Lanois, auquel Eno avait collaboré. A d'autres, on est en plein dans cette forme de musique auto-satisfaite que les stars anglo-saxonnes de plus de 50 ans semblent condamnés à enregistrer et à interpréter devant des salles gigantesques pleines de bourgeois vaguement bohêmes prêts à payer 150 euros pour entr'apercevoir au loin la silhouette d'une "légende du rock" (voir aussi Sting, Billy Joel ou Elton John) : mid-tempo permanent, accompagnement à base de guitare acoustique et de percussions jazzy, quelques éclats de choeurs gospel, etc.. Honnêtement, ce n'est pas désagréable à écouter, mais ça me parle assez peu. Je ne me sens pas encore attiré par ce genre de musique, créé sans passion mais avec un indéniable savoir-faire par des artistes qui ne se souviennent plus que la musique n'a pas toujours été pour eux un métier comme un autre.
- Liens : Site officiel
- A écouter : How can you live in the Northeast? (mp3)
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Raisons d'aborder 2007 avec enthousiasme

- Brian Eno produit le nouvel album de Coldplay.
- Un long-métrage documentaire sur Scott Walker va sortir, si pas forcément dans les salles de mon cinéma local, du moins en DVD.
- Le deuxième album d'Arcade Fire vient de "leaker". Je ne suis pas sûr de l'écouter avant sa sortie mais, quelles que soient les qualités réelles de l'album, ça devrait au moins nous valoir une avalanche de commentaires dont le manque de recul confinera au ridicule. C'est toujours bon à prendre.

Mika, ou de l'intérêt d'être soutenu par une major...

J'étais convaincu que Mika resterait une de ces icônes pop sophistiquées pour public averti et je me rends compte que, depuis deux ou trois semaines, il est omniprésent. Numéro 1 des ventes en Angleterre, une page dans les Inrocks pour dire à quel point ses cheveux sont longs, beaux et bouclés (les Inrocks, c'est plus ce que c'était), des recherches Google 'Mika chanteur' comme s'il en pleuvait aboutissant sur ce blog, un matraquage en règle sur Pure FM, etc... Il semblerait que, pour créer du buzz, rien n'ait encore vraiment remplacé le budget marketing intelligemment dépensé. Il faut dire qu'entre les Kate Bushismes Sparkiens de Grace Kelly, les Scissor Sisterismes de Relax, Take It Easy et la comptine bisexuelle vaguement Eltonesque qu'est Billy Brown, ils ont mis tous les atouts de leur côté (les trois morceaux sont en écoute sur sa page Myspace).

Pour le reste, si le délit de plagiat harmonique existe quelque part dans la législation, espérons que la major en question ait également de bons avocats parce que j'entends plus qu'une ressemblance entre Relax, Take It Easy et I Just Died In Your Arms Tonight de Cutting Crew.

EDIT : Dans un genre finalement assez proche, vous pouvez écouter une session de Patrick Wolf ici.

Patience et longueur de temps...

...valent mieux que force ni que rage, comme disait je ne sais plus qui. Vous avez peut-être remarqué que je suis largement en-deçà de mes objectifs de productivité pour les albums de l'année. Je ne ressens pas le besoin impérieux de me dépêcher pour que ce soit vite fini et ça ne me dérange pas plus que ça de terminer fin février ou début mars. Cependant, j'ai quelques scrupules vis-à-vis des fichiers mp3 proposés qui seraient alors en ligne beaucoup trop longtemps. J'ai donc décidé de les retirer systématiquement dix jours après la publication des billets. Ils seront néanmoins tous remontés pour une très courte durée après la publication du classement final.

Voilà qui devrait apaiser ma conscience, qui en a bien besoin.

En attendant, vous pouvez aller écouter Maps, c'est très bien.

Les albums de 2006 (IX)

Justin Timberlake - FutureSex/LoveSounds (Jive)
S'il existe dans nos sociétés modernes et désenchantées une histoire qui ressemble vaguement à un conte de fées, c'est sans doute du côté de la carrière de Justin Timberlake qu'il convient de la chercher. Normalement, un chanteur révélé par le Mickey Mouse Club, ancien joli-coeur de boyband et ex-fiancé de la pop-star la plus brillamment superficielle de son époque doit finir sa carrière à 25 ans en has-been total, juste bon à courir les plateaux télé et les émissions de télé-réalité, comme un junkie à la recherche d'un dernier fix de visibilité médiatique. Qui aurait pu croire qu'il rebondirait, entamerait une fructueuse carrière solo, entouré des producteurs les plus en vue de son époque (Timbaland, The Neptunes, Rick Rubin, ...), qu'il rencontrerait gloire et crédibilité, amassant Grammy Awards et reconnaissance de ses pairs pour finir par se retrouver quasi-fiancé avec une star de cinéma ? Je reparlerai sans doute un jour plus longuement du personnage (dont je suis attentivement la carrière depuis 1999... quel visionnaire je fais tout de même) mais, en attendant, revenons à ce deuxième album solo, attendu avec d'autant plus d'impatience que Mr T avait plutôt mal négocié le virage de l'après-Justified (un partenariat publicitaire avec McDonald's, un single inepte et des rôles au cinéma qui n'ont convaincu personne). Cet album est produit en grande partie par Timbaland, qu'un chroniqueur des Inrocks présentait il y a quelques mois à peine comme un producteur ringard et qui a pourtant, avec cet album et l'omniprésent Maneater de Nelly Furtado, incarné, plus que tout autre, le son de la pop de 2006. La première moitié de l'album est franchement impressionnante. Que ce soit avec l'électro martiale de SexyBack, les hypnotiques vocalises tournoyantes de What Goes Around ou l'étourdissant riff de synthés de My Love, les deux "Timba" semblent n'en faire qu'à leur tête (des morceaux de 7 minutes, des interludes, des chansons sans refrain,...), sans jamais faire de mauvais choix. Mieux, la cinquième plage de l'album, LoveStoned, recèle sans doute la plus belle minute de musique de l'année (ça commence à 4:40). Dommage que, comme souvent, les choses se gâtent vers la fin de l'album, où la plupart des ballades sont concentrées. Parce que, s'il y a une chose qui n'a pas changé depuis l'ère Nsync, c'est que Justin Timberlake n'est pas un crooner. Ses vocalises interminables en falsetto deviennent même assez rapidement pénibles et l'arrivée d'un improbable choeur gospel à la fin de Losing My Way n'est pas de trop pour ranimer mon attention avant le duo avec Snoop Dogg. Cela dit, sur deux bons tiers de cet album, Justin Timberlake se rapproche très près des artistes dont il se réclame depuis toujours (de Prince à Michael Jackson).
- Liens : Site officiel
- A écouter : Lovestoned (mp3)
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Film School - s/t (Beggars Banquet)
C'est étrange la mémoire. J'avais de ce disque le souvenir d'un clône de My Bloody Valentine ou, en tout cas, du vague souvenir que j'en ai (je connais mal le groupe) : un mur impénétrable de guitares tourbillonnantes duquel la voix peine à émerger. Pourtant, en le réécoutant, je le trouve très pop, et à tout prendre bien plus proche des ambiances sombres et pesantes qui ont récemment fait les belles heures d'un groupe comme Interpol. Malheureusement, il s'agit ici d'un Interpol sans tubes. He's a DeepDeep Lake fait bien illusion durant l'intro et le refrain mais se perd dans un couplet insignifiant. Tous les morceaux du disque sont à l'avenant, prometteurs mais toujours légèrement en-deçà de ce qu'ils pourraient être. Certains diront qu'il s'agit d'un disque modeste, qui s'apprécie sur la durée, pour son homogénéité et son sens des atmosphères. D'autres diront qu'il n'est juste pas très bon. Je me trouve un peu entre les deux.
- Liens : Site officiel
- A écouter : He's a DeepDeep Lake (mp3)
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Calexico - Garden Ruin (City Slang)
Parfois, les triomphes passés d'un groupe peuvent devenir un handicap presque insurmontable. Lorsque, à la fin des années 90, ils ont mis au point la formule hispanisante "cuivres et mariachis" en grande partie responsable de leur succès public et critique, ils ne pensaient sans doute pas qu'ils auraient autant de mal à s'en défaire. Tout ce qu'ils ont fait depuis a en effet été jugé à l'aune (par exemple) de leurs épiques versions live de The Crystal Frontier. De peur sans doute de s'enferrer dans un carcan contraignant, le Calexico nouveau a presque entièrement tourné le dos aux sonorités hispanisantes et l'ambiance générale de ce nouvel album est nettement plus introspective que festive. Joey Burns et John Convertino vont ici plutôt creuser du côté de la pop à l'ancienne (difficile par exemple de ne pas voir dans les choeurs de Letter to Bowie Knife une forme de pastiche des Beatles), de la country et de l'americana, tous points de référence qui ont toujours existé dans la musique de Calexico mais ont été un temps occultés par les trompettes et les chapeaux mexicains. En conséquence, c'est un album moins euphorisant que The Black Light. Il donne moins envie de frapper dans les mains en souriant, debout dans la fosse en regardant le trompettiste sous son grand chapeau, que de battre la pulsation avec sa cheville en sirotant un verre de porto, assis dans un canapé après une journée de travail . La musique de Calexico a toujours été d'un goût exquis, avec des arrangements élégants et sans aucun tape-à-l'oeil. Cette élégance innée leur permet à présent de vieillir avec dignité, en produisant une musique qui correspond à leur âge, et à l'âge moyen de leur public (la bonne trentaine si j'en crois le dernier concert auquel j'ai assisté). Cette option "musique pour adultes" les éloigne sans doute de ma bien-aimée "pop music" mais cela ne veut pas dire que l'album est ennuyeux. Il recèle même au moins trois grands morceaux. Le sus-nommé Letter to Bowie Knife, le vaguement flamenco Roka et surtout Nom de Plume, où Joey Burns chante en français une sombre histoire de corbeau tueur et qui me rappelle, sans que je sache trop pourquoi, la version du Chant du Partisan par 16-Horsepower et Bertrand Cantat. (en fait, en y repensant, j'ai aimé un nombre effarant d'albums pour vieux cette année.... ça fait peur.. Vite, un Lil' Chris !)
- Liens : Site officiel
- A écouter : Nom De Plume (mp3)
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Les albums de 2006 (VIII)

Le Sport - Euro Deluxe Dance Party (Songs I wish I had written)
Si je me contentais pour classer ces albums de faire la somme du plaisir que les différentes chansons m'ont procuré, cet album serait sans aucun doute dans le top 3, ne serait-ce que pour Your Brother Is My Only Hope, la chanson electro-pop parfaite, dont j'ai déjà abondamment parlé ici (et ailleurs) et qui plane tellement au-dessus de 99% des autres chansons de l'année qu'elle justifie à elle que cet album soit acheté et chéri comme un trésor caché. Malheureusement, j'ai plutôt tendance à considérer qu'un album se juge non pas sur sa meilleure chanson mais sur le niveau moyen des différents morceaux qui le composent, et c'est là que ça se gâte pour le duo suédois. Tout d'abord, la production et le mixage de l'album me laisse dubitatif. Plus de la moitié des chansons ont un son saturé et métallique assez désagréable à l'oreille et qui a une fâcheuse tendance à noyer tous les reliefs. Ensuite, force est de constater que rares sont les compositions ici qui arrivent à la cheville de Your Brother Is My Only Hope. Les hommages à New Order sur It's not the end of the world et Lovetrain sont sympathiques mais anodins. Tout fan des Pet Shop Boys ne manquera pas de sourire en entendant If Neil Tennant Was My Lover mais devra rapidement reconnaître que la mélodie du morceau n'est pas à la hauteur de celles de son inspirateur. Le Sport, qui a splitté il y a quelques mois, restera le groupe d'un seul album, et cet album vaudra essentiellement pour une chanson. Ce n'est déjà pas si mal. "So I might as well dance and get down with the Eurosport beat coz in just few years it will all be too late".
- Liens : Site officiel, MySpace
- A écouter : Your Brother Is My Only Hope(mp3), It's not the end of the world (MySpace)
- L'album ne semble déjà plus être disponible sur CD-on, où je l'ai acheté

Robin Guthrie - Continental (Rocket Girl)
Robin Guthrie était le guitariste des Cocteau Twins, mon deuxième groupe-phare de la grande époque de 4AD. Depuis que Liz Fraser a décidé de quitter le groupe, il poursuit une discrète carrière solo en sortant des albums essentiellement instrumentaux sous son propre nom. Continental (à ma connaissance le deuxième de ces albums) hésite constamment entre l'auto-citation Cocteau-Twinesque et une musique ambient à base de nappes de guitares. Un morceau comme Continental par exemple semble tout droit extrait d'un hypothétique CD-bonus instrumental de Victorialand et lorsque, à 2m30, la batterie et les guitares ciselées et saturées d'écho typiques du groupe rentrent, je tends à chaque fois l'oreille, m'attendant à entendre Liz Fraser entonner quelques vocalises acidulées. Malheureusement, cette attente est à chaque fois déçue, ce qui provoque en moi une frustration fugace. L'autre grande inspiration de cet album est la musique ambient, quelque part entre les travaux d'Eno de la fin des années 70-80 (une collcaboration avec Harold Budd serait en préparation) et la scène post-rock de la fin des années 90 et du début des années 2000 (Tortoise, Labradford, Pan American, Dead Texan, ce genre de choses). Ces deux grandes inspirations sont éminemment recommandables (pour tout dire, elles ont toutes les deux joué un grand rôle dans mon éducation musicale) et cet album joue donc parfaitement son rôle de Madeleine. Chaque écoute me donne envie de me replonger dans un pan de mon éducation musicale laissé en jachère depuis quelques années. Le revers de la médaille cependant est que j'ai l'impression d'avoir déjà entendu tout cela 100 fois. Ma familiarité avec la musique de Robin Guthrie, couplée à l'absence de voix, finit par me laisser l'impression d'une musique sans surprises, ce qui me laisse face à un paradoxe : Continental est un très bel album et la musique qu'il contient me parle directement mais ces raisons qui devraient me le faire aimer sont justment celles qui me le font trouver un peu frustrant, sans doute parce que j'y vois un reflet tronqué de ce qu'un nouvel album des Cocteau Twins pourrait donner.
- Liens : Site officiel, MySpace
- A écouter : Continental (mp3)
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Kelley Stoltz - Below the branches (Sub Pop)
Le disque commence avec un orchestre qui s'accorde (ce qui est d'autant plus intriguant qu'aucun orchestre ne joue ensuite sur le disque) et se poursuit par une intro Arcade-Firesque en diable, toute en ostinato de piano et percussions. Voilà, c'est à peu près tout ce que je peux dire de ce disque qui semble frappé d'une étrange malédiction. A chaque fois que je le mets pour l'écouter, je me mets instantanément à penser à autre chose et quand je me force, je n'en retiens pour ainsi dire rien, si ce n'est une succession aléatoire de vagues "Ah tiens, c'est pas mal.", "Bof!", "Ca, j'aime bien.", "Ca moins." qui ne se cristallisent jamais dans une opinion globale. Je ne suis à dire vrai pas sûr qu'une telle incapacité à émettre un avis soit la preuve que je trouve le disque mauvais ou inintéressant. C'est juste qu'il ne me parle pas et que, même en me faisant violence, je ne parviens pas à formuler une appréciation. Il me semble a priori qu'il devrait plaire à tout ceux qui aiment ce rock épique à la Arcade Fire, Wolf Parade et les autres, surtout s'ils sont sensibles aux sonorités rétro de type blues ou rockabilly. L'utilisation de ces notes répétées au piano pour marquer la pulsation fonctionne parfaitement, les chansons sont imposantes et bénéficient d'un souffle indéniable, la voix de Kelley Stoltz est habitée tout bien comme il faut. Ever thought of coming back sonne comme un bonus track du Here Come The Warm Jets de Brian Eno réenregistré par une bande de canadiens exaltés. Memory Collector commence comme une chanson de Philip Glass et The Sun Comes Through pourrait tout aussi bien être un énorme classique de rock 70s. Décortiqué élément par élément ou pris par fragments, cet album semble avoir tout pour lui, mais il n'y a rien à faire : sur la longueur, je ne rentre pas dedans. Je suis en train de taper ceci en l'écoutant pour la cinquième fois en deux jours et, comme pour les quatre fois précédentes, je me dis juste "C'est plutôt pas mal.". Je renonce à être plus explicite. J'avais acheté cet album dans un magasin d'occasions, me rappelant vaguement avoir aimé l'album précédent (Antique Glow), que je serais à présent très curieux de réécouter.
- Liens : Site officiel, MySpace
- A écouter : Ever thought of coming back (mp3)
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Ragots et potins

Je m'en voudrais de transformer ce blog en une succursale d'Ici Paris mais ceci est presque trop beau pour être vrai. J'aime beaucoup "a meeting of minds".

Pour ceux qui ne verraient pas de qui il s'agit, une petite piqûre de rappel s'impose sans doute.


et tant qu'on y est :

Mix-tape Sinner DC

En rattrapant mon retard sur ce qui est sans doute mon mp3-blog préféré (music-for-robots), je suis tombé sur un billet parlant de Sinner DC et, partant de là, sur leur dernière mix-tape, où on retrouve des noms comme Pan Sonic, Klaxons et Arpanet. Je conseille.

Je devrais reprendre un rhytme de publication normal pour les albums de l'année dès demain.

Bel échantillon

Une des raisons pour lesquelles je reste fidèle depuis (beaucoup trop) longtemps à la mailing-list Nowplaying (ex-Lenoirliste) est entre autres qu'un filtrage à peu près objectif des votes du premier tour du "top morceaux" de l'année donne une liste de 25 participants au second tour qui contient à la fois Nelly Furtado et Acid Mothers Temple, les Pet Shop Boys et (mes bons amis de) Wolf Eyes, The Spinto Band et DAT Politics. Le tout est écoutable vie une radioblog ici.

EDIT : Le succès de la radio-blog est tel que le site a dépassé sa bande passante pour le mois. Il faut donc attendre le premier février.