Sur mon étagère à CD se trouve une pile de disques non encore écoutés (certains ne sont même pas décellophanés). Depuis un an ou deux, malgré tous mes efforts, cette pile n'arrête pas de grandir (je devrais d'ailleurs dire ces piles, car il y en a plusieurs). Hier, dans un éclair de lucidité, je me suis dit qu'il était idiot dans ces conditions de continuer à acheter des disques, que c'était la marque d'un consumérisme pathologique, malsain et antipathique. J'avais donc pris la résolution de ne plus acheter dans les prochaines semaines que les albums indispensables (ceux provenant d'artistes dont je suis le parcours depuis longtemps et dont j'achète de toutes façons les albums sans me poser de questions) et de me restreindre dans tous les autres achats (vieux machins, découvertes,...). J'espérais ainsi me donner un peu de temps pour faire repasser la quantité disques non-écoutés en-dessous d'un nombre raisonnable (que j'oserais à peine mentionner ici de peur que vous n'appeliez directement SOS Psychiatrie).
C'est empli de cette saine volonté de tempérance que je suis allé faire les magasins cet après-midi, bien résolu à rester intransigeant et à contempler les sorties de la semaine avec détachement. Las... Pas moins de sept artistes dont j'achète a priori tout sans me poser de questions ont sorti un album ces derniers jours : une réédition avec inédits de l'indispensable My Life in the bush of ghosts de Brian Eno et David Byrne, les nouveaux albums de Calexico, Morrissey et The Knife (jusque là je vois mal sur quoi transiger), le best-of CD+DVD de Massive Attack (cher mais bon, esprit de collection, envie de revoir le clip de Risingson, présence d'inédits, ça va être dur de résister). J'espère en revanche pouvoir me contenir pour les deux derniers, non encore écoutés : le nouvel album de The Vines (qui est, paraît-il, bien meilleur que le précédent) et celui des Yeah Yeah Yeahs (qui est, paraît-il, tout à fait formidable). Cela dit, ça en fait de toutes façons déjà cinq.
Ce n'était décidément pas la bonne semaine pour prendre des résolutions à la légère.
vendredi, mars 31
mercredi, mars 29
11.47 PM Eternal
Etant donné qu'il est difficile d'imaginer groupe plus doué pour le marketing, je ne m'avancerai pas à extrapoler de ce site un come-back en bonne et due forme mais il semblerait néanmoins que KLF prépare quelque chose pour 2006 (la bande originale d'un documentaire apparemment). Pour les fans, je signale que, au bout de trois ou quatre clicks, on peut télécharger un mp3 d'une trentaine de minutes, que je n'ai pas encore écouté.
mardi, mars 28
Je transmets ...
...car ça pourrait intéresser certains d'entre vous
Bonsoir Pierre,
Je voudrais vous signaler qu'Henk Hofstede expose actuellement et jusqu'au 22 avril 2006 à la Maison de l'Art et de la Communication de Sallaumines (Pas-de-Calais). Il s'agit d'une création vidéo, intitulée 1,2,3, accompagnée de Portable House (création pour la biennale de Lyon en 2000), et de 2002, a diary. Le vernissage, en présence de l'artiste aura lieu le 31 mars 2006 à 18h00.
Sébastien NAERT
auteur-illustrateur
Fat Cat Festival, Hasselt, 11 février 2006
(le compte-rendu du premier jour est ici)
20h00 : Our brother the native
Je ne crois pas m'avancer en disant que les trois membres d'Our Brother the Native sont les benjamins du festival. Leur set donne d'ailleurs parfois une impression d'amateurisme, comme s'ils n'avaient pas encore formellement décidé comment devait sonner leur musique. Ils amorcent certains gestes puis se ravisent, se lançant souvent des regards perplexes, comme s'ils cherchaient à établir en direct une stratégie commune pour la suite de leur set. Bien que la musique de la plupart des groupes du festival semble laisser une large place à l'improvisation, c'est le seul concert au cours duquel cela semble se traduire par des hésitations, des interrogations. Certains y verront peut-être un défaut mais je crois que cette impression de recherche en direct explique au contraire que, de tous les concerts du festival, ce soit celui auquel je repense le plus souvent. A moins que ce ne soit à cause des vocalises effarouchées dont l'un des membres du groupe (Josh je suppose) parsème les morceaux, précieux fragments d'humanité qui évoque vaguement Cocorosie. Durant tout le concert, leur musique refuse soigneusement de choisir son camp entre l'electro-noise et une forme de post-rock à la guitare acoustique (post-folk ?). Sur le CD-r en vente après le concert, c'est pourtant clairement cette dernière tendance qui l'emporte. Je serais très curieux d'entendre à quoi ressemblera leur album, qui sortira dans les prochains mois sur Fat Cat. (images du concert et morceaux à écouter sur leur page Myspace)
20h50 : Max Richter
De même que je n'achète pour ainsi dire jamais un disque dont je ne sais rien sur la simple foi d'une pochette attractive ou d'un conseil amical, je n'ai pas pour habitude d'aller voir un festival dont l'affiche ne m'évoque absolument rien. J'ai besoin d'au moins un nom connu, comme appât. Ce concert de Max Richter était donc la principale raison de ma présence au festival. J'ai déjà parlé ici de son album The Blue Notebooks et je ne devrais a priori pas avoir grand-chose à ajouter vu que le concert m'a semblé n'être qu'une reconstitution consciencieuse de l'album. Le set durant 50 minutes et l'album à peine 40, on aurait légitimement pu espérer l'un ou l'autre inédit mais non, Max Richter a préféré consacrer les 10 minutes supplémentaires à la répétition de quelques thèmes clés. Ce ne serait pas gênant si ces redites, ainsi que le sérieux papal avec lequel les musiciens (une violoniste, un violoncelliste et MR au piano, synthés et laptop) jouent, n'avaient fini par ternir mon souvenir du disque. La musique de Max Richter, qui m'avait sur disque semblé ambitieuse et parfaitement maîtrisée, m'est ici apparue un peu simpliste, incorporant notamment des plagiats manifestes à Philip Glass (les passages au piano et à l'orgue évoquent respectivement Piano Solo et Koyaanisqatsi) et n'invoquant que des émotions superficielles. La violoniste abuse des longs coups d'archet pleins de pathos, qui ne mènent à rien, sinon au plaisir de voir une phrase musicale se déployer dans l'espace avant d'aussitôt se dissiper dans le silence, émotion éphémère qui finit, après une petite demi-heure de concert, par révéler son intrinsèque vacuité. (ndlr : fichtre !)
21h45 : Radian
Cela fait plusieurs années que je croise régulièrement le nom de Radian et l'idée que je me faisais de leur musique (une forme d'electro minimaliste aux accents post-rock) n'était finalement pas très éloignée de la réalité. Sur scène, le groupe comprend un bassiste, dont le jeu essentiellement rythmique se contente le plus souvent de donner la pulsation, avec quelques rares éléments syncopés, un batteur dont le jeu au fouet donne au set un petit côté vaguement jazzy, et un bidouilleur derrière ses machines. Le set correspondant parfaitement à ce que j'imaginerais en lisant "forme d'electro minimaliste aux accents post-rock", je ne sais pas trop quoi ajouter, si ce n'est peut-être que j'ai plutôt bien aimé et que le dernier morceau était même franchement enthousiasmant, les cellules rythmiques de la batterie et de la basse se combinant parfaitement. Je vais tenter de trouver l'un ou l'autre de leurs albums.
22h35 : AMM
Si Our Brother The Native étaient les benjamins du festival, les deux musiciens de présentant sous le nom de AMM sont clairement les aînés (la soixantaine à vue de nez). Un ami bien informé (toujours le même) m'a dit qu'ils se produisaient souvent en trio et que le troisième larron, absent aujourd'hui, était le plus connu. Ils sont les seuls au cours du festival à oser un set entièrement acoustique (le seul objet sur scène nécessitant de l'électricité est un ventilateur, j'y reviens dans un instant). Le côté gauche de la scène est occupé par un imposant piano à queue, le droit par un grand gong, une caisse claire, une cymbale et un instrument à cordes pincées indéfinissable dont l'imposante caisse de résonance ressemble à un tambour oriental. Selon les moments, le pianiste improvise quelques notes éparses, accords ou arpèges dissonants entrecoupés par de longues plages de silence, ou enfonce violemment les touches de ses deux bras dans des clusters bruitistes. Parfois aussi, il va pincer directement les cordes dans la table de résonance. Tous les clichés du piano contemporain sont ainsi égrénés avec application mais sans génie particulier. Ayant appris adolescent le piano dans un milieu ouvert à la musique contemporaine, j'ai pratiqué à l'envi toutes ces techniques et je me suis à plusieurs reprises dit que je pourrais sans problèmes prendre la place du pianiste. Je n'en dirais pas autant du percussionniste qui parvient à tirer de son gong et de sa cymbale des miaulements déchirants qui pourraient rappeler le crissement des ongles sur un tableau noir (essentiellement en faisant vibrer la cymbale avec un archet puis en mettant sa tranche en contact avec le gong). Dans ma mémoire, aucun des sons produits ne relève stricto sensu de la percussion, au sens mécanique du terme : pas de grands coups de gong à la "MB présente", pas de roulements de tambour, etc.... A dire vrai, je ne suis même pas sûr qu'il ait des mailloches à portée de main. Il emploie en revanche un petit ventilateur aux pales duquel il a sans doute accroché de courtes lamelles de caoutchouc qui, en tournant, vont heurter la périphérie du gong et ainsi produire un rapide martèlement métallique. Après l'ambiance enfumée et le volume sonore déraisonnable des précédents concerts, cet intermède acoustique aux ambiances constantes, est un répit bienvenu (d'autant que les sièges sont confortables), et je suis donc resté jusqu'au bout. Je regrette un peu cependant que les deux musiciens aient chacun fait leur truc dans leur coin, sans jamais (apparemment) chercher à interagir. Lorsque après trois quarts d'heure, les instruments se sont tus, le public n'a pas osé applaudir et une bonne minute de silence total a envahi la salle. Etait-ce la fin ou bien seulement une pause plus longue que les autres ? La peur d'apparaître aux yeux et aux oreilles de toute l'assemblée comme le philistin qui ne comprend rien à la démarche de AMM était palpable et il a fallu que les deux musiciens se lèvent de leur siège pour que le public soit enfin convaincu que le concert était fini et qu'il pouvait sans risque applaudir et aller écouter le set de Vibracathedral déjà commencé depuis 20 minutes dans une autre salle.
23h10 : Vibracathedral Orchestra
Outre un hypothétique trompettiste dont je n'ai aucun souuvenir, le groupe se compose d'un guitariste (déroule un tapis de notes rapides sans repères harmoniques assez déroutant pour l'oreille), d'une violoniste (scie son violon sur une note unique pour créer de la résonance), d'un claviériste-guitariste et d'un batteur-chanteur, exhibant fièrement sa panse de buveur de bière (pratique un jeu destructuré, rapide et virtuose et laisse échapper quelques onomatopées étranges qui rappellent les cris que pousserait un lapin apeuré si les lapins apeurés poussaient des cris). Le tout, accompagné de quelques effets électr(on)iques de bon aloi, évoque une sorte de doom-drone cérébral qui n'a nulle peine à maintenir l'attention des spectateurs, pour la plupart assis ou couchés, dans des états d'épuisement plus ou moins avancés. Si je n'avais peur qu'une telle comparaison ne soit compréhensible que par moi-même, je dirais volontiers que Vibracathedral Orchestra est un peu à Sunn O))) ce que Do Make Say Think est à Godspeed You Black Emperor. Pour me faire mieux comprendre, je pourrais peut-être dire que, pour moi, leur musique est le fruit d'une démarche assez semblable mais se présente sous une forme plus complexe (surtout rythmiquement) et se révèle donc moins prenante, sans doute parce qu'elle ne peut plus être ressentie de manière élémentaire.
(à partir d'ici, plus de notes prises en direct, donc mes souvenirs se font plus vagues)
23h30 : Com.A
Com.A est japonais et fait ce qu'on pourrait appeler de la drum'n'bass. Il porte un tee-shirt noir de hardeur et une casquette Suicidal Tendencies assortie. Le premier morceau (que j'ai vu) est très noisy mais le set devient au fil du temps de plus en plus dansant. Les gesticulations incessantes de Com.A derrière ses deux laptops sont épuisantes à regarder, surtout au regard de ma propre fatigue. Toujours à sautiller, à se balancer d'avant en arrière et à remuer la tête, les deux mains toujours en mouvement. J'ai d'ailleurs eu la curiosité de monter sur la balcon qui surplombe la salle, car j'y avais une vue plongeante sur ses deux laptops. Le but était double, d'abord voir à quoi ressemblent les claviers de laptops japonais (échec cuisant, il faisait trop sombre pour lire ce qui était écrit sur les touches), ensuite juger de ce qui est pré-enregistré et de ce qui est effectivement joué en direct (semi-réussite, le plus gros semble être pré-enregistré et seuls des points de détails -distorsion, modulation, etc..- sont gérés en direct). En définitive, j'ai plutôt bien aimé ce que j'ai entendu, mais nettement moins que deux des membres de Our Brother The Native qui, au premier rang ont dansé sans s'arrêter pendant quarante minutes, possiblement sous l'emprise de substances ecstasiantes.
23h55 : Vibracathedral Orchestra+Antenna Farm+Tujiko Noriko
00h15 : Yellow Swans + Food for Animals + Com. A
01h00 : Mum + Kemialliset Ystävät
La soirée se termine par des collaborations entre les divers artistes du festival. La première m'a été décrite comme du Vibracathedral Orchestra sur lequel Tujiko Nuriko fait 'Ooh Aaah Aaah', la deuxième comme un grand n'importe quoi insupportable. J'ai bien dû me résoudre à prendre ces descriptions comme argent comptant vu que j'étais entré en mode "zombie" et n'ai donc aucun souvenir de ces deux sets. Du set de la dream-team scandinave, je ne peux juste dire que l'apport de Mum n'avait pas l'air énorme.
Finalement, si on excepte ces collaborations, la deuxième journée était plutôt moins dépaysante que la première pour mon âme de poppeux. J'y ai même découvert un groupe dont je pourrais un jour acheter l'album. Une réussite totale donc.
(un autre compte-rendu, assez différent, se trouve ici)
20h00 : Our brother the native
Je ne crois pas m'avancer en disant que les trois membres d'Our Brother the Native sont les benjamins du festival. Leur set donne d'ailleurs parfois une impression d'amateurisme, comme s'ils n'avaient pas encore formellement décidé comment devait sonner leur musique. Ils amorcent certains gestes puis se ravisent, se lançant souvent des regards perplexes, comme s'ils cherchaient à établir en direct une stratégie commune pour la suite de leur set. Bien que la musique de la plupart des groupes du festival semble laisser une large place à l'improvisation, c'est le seul concert au cours duquel cela semble se traduire par des hésitations, des interrogations. Certains y verront peut-être un défaut mais je crois que cette impression de recherche en direct explique au contraire que, de tous les concerts du festival, ce soit celui auquel je repense le plus souvent. A moins que ce ne soit à cause des vocalises effarouchées dont l'un des membres du groupe (Josh je suppose) parsème les morceaux, précieux fragments d'humanité qui évoque vaguement Cocorosie. Durant tout le concert, leur musique refuse soigneusement de choisir son camp entre l'electro-noise et une forme de post-rock à la guitare acoustique (post-folk ?). Sur le CD-r en vente après le concert, c'est pourtant clairement cette dernière tendance qui l'emporte. Je serais très curieux d'entendre à quoi ressemblera leur album, qui sortira dans les prochains mois sur Fat Cat. (images du concert et morceaux à écouter sur leur page Myspace)
20h50 : Max Richter
De même que je n'achète pour ainsi dire jamais un disque dont je ne sais rien sur la simple foi d'une pochette attractive ou d'un conseil amical, je n'ai pas pour habitude d'aller voir un festival dont l'affiche ne m'évoque absolument rien. J'ai besoin d'au moins un nom connu, comme appât. Ce concert de Max Richter était donc la principale raison de ma présence au festival. J'ai déjà parlé ici de son album The Blue Notebooks et je ne devrais a priori pas avoir grand-chose à ajouter vu que le concert m'a semblé n'être qu'une reconstitution consciencieuse de l'album. Le set durant 50 minutes et l'album à peine 40, on aurait légitimement pu espérer l'un ou l'autre inédit mais non, Max Richter a préféré consacrer les 10 minutes supplémentaires à la répétition de quelques thèmes clés. Ce ne serait pas gênant si ces redites, ainsi que le sérieux papal avec lequel les musiciens (une violoniste, un violoncelliste et MR au piano, synthés et laptop) jouent, n'avaient fini par ternir mon souvenir du disque. La musique de Max Richter, qui m'avait sur disque semblé ambitieuse et parfaitement maîtrisée, m'est ici apparue un peu simpliste, incorporant notamment des plagiats manifestes à Philip Glass (les passages au piano et à l'orgue évoquent respectivement Piano Solo et Koyaanisqatsi) et n'invoquant que des émotions superficielles. La violoniste abuse des longs coups d'archet pleins de pathos, qui ne mènent à rien, sinon au plaisir de voir une phrase musicale se déployer dans l'espace avant d'aussitôt se dissiper dans le silence, émotion éphémère qui finit, après une petite demi-heure de concert, par révéler son intrinsèque vacuité. (ndlr : fichtre !)
21h45 : Radian
Cela fait plusieurs années que je croise régulièrement le nom de Radian et l'idée que je me faisais de leur musique (une forme d'electro minimaliste aux accents post-rock) n'était finalement pas très éloignée de la réalité. Sur scène, le groupe comprend un bassiste, dont le jeu essentiellement rythmique se contente le plus souvent de donner la pulsation, avec quelques rares éléments syncopés, un batteur dont le jeu au fouet donne au set un petit côté vaguement jazzy, et un bidouilleur derrière ses machines. Le set correspondant parfaitement à ce que j'imaginerais en lisant "forme d'electro minimaliste aux accents post-rock", je ne sais pas trop quoi ajouter, si ce n'est peut-être que j'ai plutôt bien aimé et que le dernier morceau était même franchement enthousiasmant, les cellules rythmiques de la batterie et de la basse se combinant parfaitement. Je vais tenter de trouver l'un ou l'autre de leurs albums.
22h35 : AMM
Si Our Brother The Native étaient les benjamins du festival, les deux musiciens de présentant sous le nom de AMM sont clairement les aînés (la soixantaine à vue de nez). Un ami bien informé (toujours le même) m'a dit qu'ils se produisaient souvent en trio et que le troisième larron, absent aujourd'hui, était le plus connu. Ils sont les seuls au cours du festival à oser un set entièrement acoustique (le seul objet sur scène nécessitant de l'électricité est un ventilateur, j'y reviens dans un instant). Le côté gauche de la scène est occupé par un imposant piano à queue, le droit par un grand gong, une caisse claire, une cymbale et un instrument à cordes pincées indéfinissable dont l'imposante caisse de résonance ressemble à un tambour oriental. Selon les moments, le pianiste improvise quelques notes éparses, accords ou arpèges dissonants entrecoupés par de longues plages de silence, ou enfonce violemment les touches de ses deux bras dans des clusters bruitistes. Parfois aussi, il va pincer directement les cordes dans la table de résonance. Tous les clichés du piano contemporain sont ainsi égrénés avec application mais sans génie particulier. Ayant appris adolescent le piano dans un milieu ouvert à la musique contemporaine, j'ai pratiqué à l'envi toutes ces techniques et je me suis à plusieurs reprises dit que je pourrais sans problèmes prendre la place du pianiste. Je n'en dirais pas autant du percussionniste qui parvient à tirer de son gong et de sa cymbale des miaulements déchirants qui pourraient rappeler le crissement des ongles sur un tableau noir (essentiellement en faisant vibrer la cymbale avec un archet puis en mettant sa tranche en contact avec le gong). Dans ma mémoire, aucun des sons produits ne relève stricto sensu de la percussion, au sens mécanique du terme : pas de grands coups de gong à la "MB présente", pas de roulements de tambour, etc.... A dire vrai, je ne suis même pas sûr qu'il ait des mailloches à portée de main. Il emploie en revanche un petit ventilateur aux pales duquel il a sans doute accroché de courtes lamelles de caoutchouc qui, en tournant, vont heurter la périphérie du gong et ainsi produire un rapide martèlement métallique. Après l'ambiance enfumée et le volume sonore déraisonnable des précédents concerts, cet intermède acoustique aux ambiances constantes, est un répit bienvenu (d'autant que les sièges sont confortables), et je suis donc resté jusqu'au bout. Je regrette un peu cependant que les deux musiciens aient chacun fait leur truc dans leur coin, sans jamais (apparemment) chercher à interagir. Lorsque après trois quarts d'heure, les instruments se sont tus, le public n'a pas osé applaudir et une bonne minute de silence total a envahi la salle. Etait-ce la fin ou bien seulement une pause plus longue que les autres ? La peur d'apparaître aux yeux et aux oreilles de toute l'assemblée comme le philistin qui ne comprend rien à la démarche de AMM était palpable et il a fallu que les deux musiciens se lèvent de leur siège pour que le public soit enfin convaincu que le concert était fini et qu'il pouvait sans risque applaudir et aller écouter le set de Vibracathedral déjà commencé depuis 20 minutes dans une autre salle.
23h10 : Vibracathedral Orchestra
Outre un hypothétique trompettiste dont je n'ai aucun souuvenir, le groupe se compose d'un guitariste (déroule un tapis de notes rapides sans repères harmoniques assez déroutant pour l'oreille), d'une violoniste (scie son violon sur une note unique pour créer de la résonance), d'un claviériste-guitariste et d'un batteur-chanteur, exhibant fièrement sa panse de buveur de bière (pratique un jeu destructuré, rapide et virtuose et laisse échapper quelques onomatopées étranges qui rappellent les cris que pousserait un lapin apeuré si les lapins apeurés poussaient des cris). Le tout, accompagné de quelques effets électr(on)iques de bon aloi, évoque une sorte de doom-drone cérébral qui n'a nulle peine à maintenir l'attention des spectateurs, pour la plupart assis ou couchés, dans des états d'épuisement plus ou moins avancés. Si je n'avais peur qu'une telle comparaison ne soit compréhensible que par moi-même, je dirais volontiers que Vibracathedral Orchestra est un peu à Sunn O))) ce que Do Make Say Think est à Godspeed You Black Emperor. Pour me faire mieux comprendre, je pourrais peut-être dire que, pour moi, leur musique est le fruit d'une démarche assez semblable mais se présente sous une forme plus complexe (surtout rythmiquement) et se révèle donc moins prenante, sans doute parce qu'elle ne peut plus être ressentie de manière élémentaire.
(à partir d'ici, plus de notes prises en direct, donc mes souvenirs se font plus vagues)
23h30 : Com.A
Com.A est japonais et fait ce qu'on pourrait appeler de la drum'n'bass. Il porte un tee-shirt noir de hardeur et une casquette Suicidal Tendencies assortie. Le premier morceau (que j'ai vu) est très noisy mais le set devient au fil du temps de plus en plus dansant. Les gesticulations incessantes de Com.A derrière ses deux laptops sont épuisantes à regarder, surtout au regard de ma propre fatigue. Toujours à sautiller, à se balancer d'avant en arrière et à remuer la tête, les deux mains toujours en mouvement. J'ai d'ailleurs eu la curiosité de monter sur la balcon qui surplombe la salle, car j'y avais une vue plongeante sur ses deux laptops. Le but était double, d'abord voir à quoi ressemblent les claviers de laptops japonais (échec cuisant, il faisait trop sombre pour lire ce qui était écrit sur les touches), ensuite juger de ce qui est pré-enregistré et de ce qui est effectivement joué en direct (semi-réussite, le plus gros semble être pré-enregistré et seuls des points de détails -distorsion, modulation, etc..- sont gérés en direct). En définitive, j'ai plutôt bien aimé ce que j'ai entendu, mais nettement moins que deux des membres de Our Brother The Native qui, au premier rang ont dansé sans s'arrêter pendant quarante minutes, possiblement sous l'emprise de substances ecstasiantes.
23h55 : Vibracathedral Orchestra+Antenna Farm+Tujiko Noriko
00h15 : Yellow Swans + Food for Animals + Com. A
01h00 : Mum + Kemialliset Ystävät
La soirée se termine par des collaborations entre les divers artistes du festival. La première m'a été décrite comme du Vibracathedral Orchestra sur lequel Tujiko Nuriko fait 'Ooh Aaah Aaah', la deuxième comme un grand n'importe quoi insupportable. J'ai bien dû me résoudre à prendre ces descriptions comme argent comptant vu que j'étais entré en mode "zombie" et n'ai donc aucun souvenir de ces deux sets. Du set de la dream-team scandinave, je ne peux juste dire que l'apport de Mum n'avait pas l'air énorme.
Finalement, si on excepte ces collaborations, la deuxième journée était plutôt moins dépaysante que la première pour mon âme de poppeux. J'y ai même découvert un groupe dont je pourrais un jour acheter l'album. Une réussite totale donc.
(un autre compte-rendu, assez différent, se trouve ici)
dimanche, mars 26
Blogueur, occupation à haut risque ?
J'ai eu la faiblesse d'écrire ceci il y a quelques semaines. Les conséquences sont terribles :
C'est le troisième forum consacré à Lee Ryan ou à Blue qui me tombe dessus à cause de cette chronique. Je comprends mal une telle haine car, encore maintenant, j'ai l'impression que ma chronique est plutôt bienveillante.
En tout cas, par mesure de précaution, je viens d'acheter un berger allemand et j'envisage de prendre des cours intensifs de karaté dès la semaine prochaine.
PS : Refaites-moi le portrait si vous voulez, mais je vous interdis de dire du mal de l'album de Rachel Stevens.... et qu'il ait fait un flop en Angleterre n'est en aucun cas un argument recevable.
HAHAHA oukiii a trois contr' ce Pierre, on lui r'fait l'portrait
C clair.;en plus il a jamais vu des fans de Mr ryan en colére...il va pas être deçu de notre visite!!
i s'ra tel'ment amoché qu'il ne saura mêm' plus critiquer de jeunes artist' on va lui fair' bouffer ses parol'! mdr
on te fix' une dat' LiLi et tu viens ouki?
je me renseign' sur son adress' et on y va!
biensur qu'on va lui refair' son portrait!
franch'ment celui ci i s'prend pr qui? grrrrr en plus il descend Lee puis ça vient dir' que l'album de rachel Stevens [flop en UK] est super bien!
moi jdis que c lui le con !!!
kel gros niais ce mec dan dék!!! [...] mé skil di grrrrrrr allééééé fight!!!!! tu veu t'battre peti??? vien di encor un truc pareil sr lee é tu va soufrir niark niark
ahah il va en baver le povre av nous ttes
ouais, après il va pas être beau à voir le pauvre....
j'suis d'acc' qu'on aim' pas Lee mais de là a se permettr' de le descendr' sur un bêt' blog, j'dis no!
sa va wé!!!
kil fassse gaff le peti la pq ac ns, fo pa critiké lee de tro pré
C'est le troisième forum consacré à Lee Ryan ou à Blue qui me tombe dessus à cause de cette chronique. Je comprends mal une telle haine car, encore maintenant, j'ai l'impression que ma chronique est plutôt bienveillante.
En tout cas, par mesure de précaution, je viens d'acheter un berger allemand et j'envisage de prendre des cours intensifs de karaté dès la semaine prochaine.
PS : Refaites-moi le portrait si vous voulez, mais je vous interdis de dire du mal de l'album de Rachel Stevens.... et qu'il ait fait un flop en Angleterre n'est en aucun cas un argument recevable.
Il ne faut pas poéter plus haut que son ...
La Blogothèque ayant rejailli de ses cendres tel un phoenix de sons et d'images, je signale que mon billet de la semaine dernière sur Susumu Yokota est en ligne.
samedi, mars 25
La Madeleine du week-end
Pour vous faire patienter jusqu'à la fin de mon compte-rendu du Fat Cat (mardi au plus tôt), allez redécouvrir Your Woman par White Town. Une preuve de plus que le potentiel du "hautbois" (voir commentaires), réel ou virtuel, dans la pop est honteusement sous-exploité.
jeudi, mars 23
Mon espace
Pour trouver des photos du concert de Our Brother The Native au festival Fat Cat, j'ai été obligé de m'enregistrer sur Myspace. Comme toujours quand je me retrouve face à un nouveau jouet, je viens de passer deux heures à fouiller dans les recoins du site et à chercher ce que je pourrais bien faire de ce nouvel espace virtuel. Je sèche.
En attendant, un peu de musique que je comprends.
- Les fans de Bloc Party seraient bien inspirés d'aller voir cette page où ils trouveront une anthologie des remixes et des b-sides du groupe.
- Sur le même blog, des extraits de sessions enregistrées par The Go! Team pour des radios américaines, dont l'inusable The Ice Storm, que tous les fans de Yann Tiersen devraient a priori adorer.
- The Young Knives est un de ces innombrables groupes indie-post-pop-punk anglais tentant de se faire une place en attendant les retours de Bloc Party, Art Brut et tous les autres. Weekends & Bleak Days me rappelle les meilleures chansons de Black Wire, ce qui est un compliment. Pour le reste, je suis plus circonspect.
- Michelsardou va m'en vouloir mais cette reprise de Bohemian Rhapsody par The Flaming Lips est en tous points monstrueuse. Il devrait être interdit de chanter faux à ce point.
Pour finir, j'ai une bonne et mauvaise nouvelle. La mauvaise est ici et la bonne est que j'ai enfin réussi à convaincre mon firewall de me laisser écouter les morceaux proposés sur Myspace.com. Tout fou de cette liberté nouvelle, j'ai suivi un lien au hasard et suis tombé sur ceci, qui ressemble à du mauvais Erasure. Mon premier contact avec Myspace n'est donc pas franchement positif mais je vais persévérer.
- Sur le même blog, des extraits de sessions enregistrées par The Go! Team pour des radios américaines, dont l'inusable The Ice Storm, que tous les fans de Yann Tiersen devraient a priori adorer.
- The Young Knives est un de ces innombrables groupes indie-post-pop-punk anglais tentant de se faire une place en attendant les retours de Bloc Party, Art Brut et tous les autres. Weekends & Bleak Days me rappelle les meilleures chansons de Black Wire, ce qui est un compliment. Pour le reste, je suis plus circonspect.
- Michelsardou va m'en vouloir mais cette reprise de Bohemian Rhapsody par The Flaming Lips est en tous points monstrueuse. Il devrait être interdit de chanter faux à ce point.
Pour finir, j'ai une bonne et mauvaise nouvelle. La mauvaise est ici et la bonne est que j'ai enfin réussi à convaincre mon firewall de me laisser écouter les morceaux proposés sur Myspace.com. Tout fou de cette liberté nouvelle, j'ai suivi un lien au hasard et suis tombé sur ceci, qui ressemble à du mauvais Erasure. Mon premier contact avec Myspace n'est donc pas franchement positif mais je vais persévérer.
mercredi, mars 22
Fat Cat Festival, Hasselt, 10 février 2006
Je ne sais pas trop quel est le degré d'implication des responsables du label Fat Cat dans le festival du même nom. Choisissent-ils les groupes présents ? Ont-ils simplement accepté de prêter leur nom et leur image de marque au festival ? Mystère (quoique), je peux juste verser au dossier le fait qu'une poignée seulement des groupes présents sont signés sur le label et que pas un seul CD Fat Cat n'était en vente dans l'enceinte du festival. Cela étant dit, le nom n'a guère d'importance puisque ce festival ressemble à s'y méprendre au festival K-Raa-K qui a lieu chaque année au même endroit. Mêmes éclairages minimalistes, même brouhaha perpétuel, même faune faite de barbus aux cheveux longs, de lecteurs de Wire BCBG et de curieux qui se demandent avec des regards hagards dans quoi ils sont tombés.
J'aime bien me confronter à des genres musicaux ne correspondant a priori pas à ce que j'écoute à la maison et le festival Fat Cat est l'occasion rêvée d'effectuer de telles excursions vers l'inconnu. Sur les deux jours, j'ai vu cinq artistes que je connaissais vaguement de nom et un seul dont j'avais déjà écouté (et acheté) un album. Tous les autres étaient de parfaits inconnus.
Pour les néophytes dans ce genre de musique (dont je suis), un des slogans du festival pourrait être : "Oubliez tout ce que vous avez toujours cru savoir sur la musique." En effet, si on excepte les concerts se déroulant au Parquet Hall (Vashti Bunyan, Max Richter,...), les groupes présents peuvent être divisés en trois catégories : bruyants, très bruyants et très très bruyants. Les musiciens se moquent des notions de mélodie ou d'harmonie comme de leur premiers acouphènes et leur musique se crée essentiellement avec des instruments improbables (ventilateurs,...) ou tellement obscurs que seuls les lecteurs assidus de alt.music.gear pourraient les nommer : boîtiers couverts de boutons et de lumières clignotantes, pédales d'effets, etc... Tout ce fatras est en général relié par une inextricable pelote de fils électriques emmêlés autour de laquelle les musiciens, accroupis et indifférents au monde, s'affairent sans jamais lever la tête ou, au contraire, se contentent, le regard vague, de laisser les sons vivre d'eux-mêmes. Pour le poppeux que je suis, tout cela a un côté passablement aventureux et ce compte-rendu peut donc se lire comme un long aveu d'ignorance, avec notamment une fâcheuse tendance à trouver que tout se ressemble un peu (allez voir ici pour des avis plus autorisés). Pourtant, si je n'ai sans doute pas découvert durant ces deux jours mon nouveau groupe de chevet, j'en suis ressorti agréablement abasourdi (au sens figuré uniquement, grâce à une indispensable paire de bouchons).
20h00 : Antenna Farm
Les deux membres du groupe (pardon, du "projet") sont situés de part et d'autre d'une table couverte d'instruments portant sans doute des noms aussi poétiques que Digital Equalizer CV-FG535A et Analogic Sound Effects Multi-functional Toolbox HG45571-DV (Asemt pour les intimes) et, bizarrement, d'un chien en peluche. Ils fument comme des pompiers et arborent tous les deux une barbe négligée et de très seyants bonnets de laine. Ils se font régulièrement passer des petits mots sur papier (qui doivent, j'imagine, comporter des stratégies obliques du genre "Plus de basses", "Fais péter les larsens" ou "Dans trente secondes, on fait un court silence avant le bouquet final.") mais semblent pourtant le plus souvent se contenter de suivre un canevas pré-programmé. Nous n'arrivons qu'en cours de set mais le deuxième tiers contient de nombreux sons inattendus qui maintiennent mon attention. La fin en revanche m'a semblé revenir à une forme plus classique de terror-drone fschwouaaaaaarrrrresque. Imaginez John Wiese (ma référence unique, et donc absolue, dans le genre) après un bon pétard.
21h45 : Food for Animals
Je n'y connais pas grand-chose en hip-hop mais son versant mainstream m'a toujours semblé souffrir d'être toujours basé sur les mêmes types de sons (samples de soul, percussions ou électronique gentillette). En marge pourtant, toute une nouvelle génération d'expérimentateurs tentent de marier le rap avec les fonds sonores les plus improbables. J'avais déjà été épaté par l'électro destructurée utilisés par TTC lors de leur formidable set au Pukkelpop. Food For Animals va encore un cran plus loin en utilisant un fond sonore d'extreme-noise, d'electronic-terror ou de doom-drone (ou toute autre combinaison de ces six termes). Le rappeur est imposant et porte une barbe très fournie (photos via ce site), mais son "flow" est assez quelconque, typique du rap américain contemporain. Derrière lui, un guitariste s'escrime comme un beau diable (encore une expression idiote) sur son instrument sans qu'à aucun moment, on ne puisse lui attribuer la moindre parcelle du son qui se déverse des enceintes. Tout semble en fait régi par le troisième homme, préposé tout-puissant aux machines. La présence d'une voix humaine fournit indéniablement un repére pour l'auditeur, d'autant que l'arrière-plan sonore doit également contenir un semblant de beat sur lequel le rappeur puisse se baser. Il s'agit donc une musique nettement plus accessible que celle d'Antenna Farm par exemple même si, parfois, le rappeur se tait, laisse sa voix se fondre dans des échos et permet aux deux musiciens de se lâcher pour une ou deux minutes de bruit pur qui les rapprochent de la moitié des groupes du festival.
21h40 : Vashti Bunyan
Difficile de trouver contraste plus grand que celui existant entre les deux groupes qui précèdent et l'anglaise Vashti Bunyan (61 ans), folkeuse mythique des années 60-70 qui a connu récemment une renaissance grâce au patronage de gens tels que Animal Collective ou Devendra Banhart. Elle a sorti l'année dernière sur Fat Cat son deuxième album (36 ans après le premier), avec l'aide de Four Tet, Devendra Banhart ou Adem (entre autres). En fait, Vashti Bunyan semble être la première surprise de cette seconde carrière qui lui tombe dessus sans prévenir. Elle en parle d'ailleurs comme d'un "happening in her life", manière sans doute d'en souligner le caractère fortuit. En opposition totale avec les deux concerts précédents, je peux donner un nom à tous les instruments présents sur scène. Assise sur une chaise, Vashti Bunyan est entourée d'un pianiste (Max Richter), deux guitaristes, une violoniste et un violoncelliste. Elle chante avec un filet de voix très ténu (on pense à Jane Birkin ou à Nick Drake) des comptines pop légères qui peuvent rappeler le précité ou, plus près de nous, les Kings of Convenience. Un oasis de douceur dans un monde de brutes et une pause acoustique bienvenue dans le torrent électro-bruitiste qui traverse tout le festival.
22h20 : Aoki Takamasa+Tujiko Nuriko
Tujiko Nuriko est un nom que j'ai déjà croisé plusieurs fois au fil de mes lectures. J'ai même sans doute dû écouter distraitement l'enregistrement d'un de ses concerts. Forcément, j'en avais déduit que Tujiko Nuriko était une star du genre. En conséquence, lorsqu'une chanteuse et un laptoppeur sont montés sur scène et que je me suis rendu compte que les sons produits par le second couvrait entièrement la voix de la première, j'ai naturellement imaginé que Nuriko c'était lui et que Takamasa, c'était elle. J'avais tout faux et heureusement, un ami mieux informé m'a vite fait comprendre mon erreur. Apparemment, Aoki Takamasa a sorti deux bons albums solo et collabore ici avec Tujiko Nuriko, qui se contente de chanter. Durant la première moitié du concert, on se demande un peu la raison de cette configuration. Bien que la musique soit assez minimaliste (pas très éloignée du premier album de Magnetophone par exemple), sa voix est la plupart du temps couverte et, durant les rares moments où elle surnage, elle semble tout à fait incompatible avec ce que fait son collègue, comme si Tujiko Nuriko avait comme seule ligne directrice une volonté de ne tenir aucun compte d'Aoki Takamasa. Heureusement, soit que le set ait lentement évolué, soit que j'aie fini par intérioriser leur démarche, les déconstructions rythmiques m'ont progressivement semblé plus rares et la pulsation plus régulière jusqu'à créer une sorte de drone-pop qui m'a beaucoup plu. On a même eu droit pendant quelques secondes à des samples vocaux du type "Choeurs de l'Armée Rouge", petit résidu d'humanité dans une musique par ailleurs totalement désincarnée.
23h00 : Yellow Swans
C'est sur une table au pied de la scène du Café, en plein milieu du public que Yellow Swans a installé son matériel, un assemblage hallucinant de fils et de boîtiers de toutes dimensions (voir photo ici, admirez en passant le casque de chantier du spectateur au premier rang). De part et d'autre de cette table se trouvent un "guitariste" et un "chanteur", sorte de Jésus à casquette. Je ne sais pas si le groupe est connu mais le public semblait en tout cas particulièrement impatient de les entendre et, dès les premières secondes (une lente pulsation en infra-basses), les barbus à cheveux longs qui forment une proportion non négligeable du public se lâchent complètement et la fosse se transforme en un repaire de pogoteurs et de head-bangers hors de contrôle. Avec une gestuelle épileptique, le "guitariste" tire de son instrument quelques accords qui après avoir été trituré au-delà du reconnaissable par les multiples trucs, machins et bidules situés sur la table sont vomis à toute puissance par les enceintes au milieu d'une avalanche de bruits. Le "chanteur" quant à lui, pousse de temps en temps dans son micro un hurlement qui semble n'avoir aucune répercussion sur les sons produits. Je pense que le terme Extreme Noise Terror n'est pas exagéré pour qualifier le premier morceau du groupe (même si "grand n'importe quoi assourdissant" est peut-être plus parlant). Je l'ai stoïquement subi pendant cinq minutes au milieu de la mêlée avant de monter sur le balcon qui entoure la salle pour admirer d'en haut la frénésie ambiante. Le second morceau est (marginalement) plus calme, plus construit et évoque vaguement Sunn O))). Je l'ai donc forcément préféré au premier. Mon âme de sociologue s'est demandé pendant tout le set pourquoi la musique de Yellow Swans est si propice au pogo alors que celles d'Antenna Farm ou de John Wiese s'écoutent dans une immobilité recueillie. Il me manque manifestement encore quelques clés pour comprendre cet étrange milieu.
23h45 : Kemialliset Ystavat
Ces cinq Finlandais représentent une sorte de juste milieu entre les mélodies de Vashti Bunyan et le grand n'importe quoi sonique de Yellow Swans. Ils sont nombreux sur scène (cinq, de mémoire), pour la plupart accroupis ou assis autour d'une pelote de fils reliant des micros (pour les tambours, maracas, voix,...), des instruments traditionnels (guitare, basse,...), des boîtiers et des pédales d'effets et des générateurs de boum-boum-tak-tak, couverts de jolis boutons multicolores et d'écrans qui clignotent. M'étant placé au bord de la scène, accoudé à un des baffles de retour, j'ai une belle vue d'ensemble sur le fourbi invraisemblable qui jonche la scène et j'ai donc pu constater qu'une moitié seulement des trucs dont ils avaient cru bon de s'entourer ont effectivement servi (le walk-man couvert de Tipp-Ex que j'avais juste sous les yeux, par exemple, n'était manifestement là que pour faire joli). Cet éhonté gaspillage de matériel ne les a pas pourtant pas empêchés de créer une musique faite de petites touches sonores, où cellules rythmiques répétitives (j'ai parfois pensé au Dead Can Dance de Song of the Nile) et mélodiques s'imbriquent et se répondent. Ce fut pour moi un véritable réconfort de pouvoir ici relier les sons que j'entendais avec les gestes effectués par les musiciens sur la scène. Pour quelques minutes, j'ai eu à nouveau l'impression de comprendre ce qu'était la musique.
(suite ici).
J'aime bien me confronter à des genres musicaux ne correspondant a priori pas à ce que j'écoute à la maison et le festival Fat Cat est l'occasion rêvée d'effectuer de telles excursions vers l'inconnu. Sur les deux jours, j'ai vu cinq artistes que je connaissais vaguement de nom et un seul dont j'avais déjà écouté (et acheté) un album. Tous les autres étaient de parfaits inconnus.
Pour les néophytes dans ce genre de musique (dont je suis), un des slogans du festival pourrait être : "Oubliez tout ce que vous avez toujours cru savoir sur la musique." En effet, si on excepte les concerts se déroulant au Parquet Hall (Vashti Bunyan, Max Richter,...), les groupes présents peuvent être divisés en trois catégories : bruyants, très bruyants et très très bruyants. Les musiciens se moquent des notions de mélodie ou d'harmonie comme de leur premiers acouphènes et leur musique se crée essentiellement avec des instruments improbables (ventilateurs,...) ou tellement obscurs que seuls les lecteurs assidus de alt.music.gear pourraient les nommer : boîtiers couverts de boutons et de lumières clignotantes, pédales d'effets, etc... Tout ce fatras est en général relié par une inextricable pelote de fils électriques emmêlés autour de laquelle les musiciens, accroupis et indifférents au monde, s'affairent sans jamais lever la tête ou, au contraire, se contentent, le regard vague, de laisser les sons vivre d'eux-mêmes. Pour le poppeux que je suis, tout cela a un côté passablement aventureux et ce compte-rendu peut donc se lire comme un long aveu d'ignorance, avec notamment une fâcheuse tendance à trouver que tout se ressemble un peu (allez voir ici pour des avis plus autorisés). Pourtant, si je n'ai sans doute pas découvert durant ces deux jours mon nouveau groupe de chevet, j'en suis ressorti agréablement abasourdi (au sens figuré uniquement, grâce à une indispensable paire de bouchons).
20h00 : Antenna Farm
Les deux membres du groupe (pardon, du "projet") sont situés de part et d'autre d'une table couverte d'instruments portant sans doute des noms aussi poétiques que Digital Equalizer CV-FG535A et Analogic Sound Effects Multi-functional Toolbox HG45571-DV (Asemt pour les intimes) et, bizarrement, d'un chien en peluche. Ils fument comme des pompiers et arborent tous les deux une barbe négligée et de très seyants bonnets de laine. Ils se font régulièrement passer des petits mots sur papier (qui doivent, j'imagine, comporter des stratégies obliques du genre "Plus de basses", "Fais péter les larsens" ou "Dans trente secondes, on fait un court silence avant le bouquet final.") mais semblent pourtant le plus souvent se contenter de suivre un canevas pré-programmé. Nous n'arrivons qu'en cours de set mais le deuxième tiers contient de nombreux sons inattendus qui maintiennent mon attention. La fin en revanche m'a semblé revenir à une forme plus classique de terror-drone fschwouaaaaaarrrrresque. Imaginez John Wiese (ma référence unique, et donc absolue, dans le genre) après un bon pétard.
21h45 : Food for Animals
Je n'y connais pas grand-chose en hip-hop mais son versant mainstream m'a toujours semblé souffrir d'être toujours basé sur les mêmes types de sons (samples de soul, percussions ou électronique gentillette). En marge pourtant, toute une nouvelle génération d'expérimentateurs tentent de marier le rap avec les fonds sonores les plus improbables. J'avais déjà été épaté par l'électro destructurée utilisés par TTC lors de leur formidable set au Pukkelpop. Food For Animals va encore un cran plus loin en utilisant un fond sonore d'extreme-noise, d'electronic-terror ou de doom-drone (ou toute autre combinaison de ces six termes). Le rappeur est imposant et porte une barbe très fournie (photos via ce site), mais son "flow" est assez quelconque, typique du rap américain contemporain. Derrière lui, un guitariste s'escrime comme un beau diable (encore une expression idiote) sur son instrument sans qu'à aucun moment, on ne puisse lui attribuer la moindre parcelle du son qui se déverse des enceintes. Tout semble en fait régi par le troisième homme, préposé tout-puissant aux machines. La présence d'une voix humaine fournit indéniablement un repére pour l'auditeur, d'autant que l'arrière-plan sonore doit également contenir un semblant de beat sur lequel le rappeur puisse se baser. Il s'agit donc une musique nettement plus accessible que celle d'Antenna Farm par exemple même si, parfois, le rappeur se tait, laisse sa voix se fondre dans des échos et permet aux deux musiciens de se lâcher pour une ou deux minutes de bruit pur qui les rapprochent de la moitié des groupes du festival.
21h40 : Vashti Bunyan
Difficile de trouver contraste plus grand que celui existant entre les deux groupes qui précèdent et l'anglaise Vashti Bunyan (61 ans), folkeuse mythique des années 60-70 qui a connu récemment une renaissance grâce au patronage de gens tels que Animal Collective ou Devendra Banhart. Elle a sorti l'année dernière sur Fat Cat son deuxième album (36 ans après le premier), avec l'aide de Four Tet, Devendra Banhart ou Adem (entre autres). En fait, Vashti Bunyan semble être la première surprise de cette seconde carrière qui lui tombe dessus sans prévenir. Elle en parle d'ailleurs comme d'un "happening in her life", manière sans doute d'en souligner le caractère fortuit. En opposition totale avec les deux concerts précédents, je peux donner un nom à tous les instruments présents sur scène. Assise sur une chaise, Vashti Bunyan est entourée d'un pianiste (Max Richter), deux guitaristes, une violoniste et un violoncelliste. Elle chante avec un filet de voix très ténu (on pense à Jane Birkin ou à Nick Drake) des comptines pop légères qui peuvent rappeler le précité ou, plus près de nous, les Kings of Convenience. Un oasis de douceur dans un monde de brutes et une pause acoustique bienvenue dans le torrent électro-bruitiste qui traverse tout le festival.
22h20 : Aoki Takamasa+Tujiko Nuriko
Tujiko Nuriko est un nom que j'ai déjà croisé plusieurs fois au fil de mes lectures. J'ai même sans doute dû écouter distraitement l'enregistrement d'un de ses concerts. Forcément, j'en avais déduit que Tujiko Nuriko était une star du genre. En conséquence, lorsqu'une chanteuse et un laptoppeur sont montés sur scène et que je me suis rendu compte que les sons produits par le second couvrait entièrement la voix de la première, j'ai naturellement imaginé que Nuriko c'était lui et que Takamasa, c'était elle. J'avais tout faux et heureusement, un ami mieux informé m'a vite fait comprendre mon erreur. Apparemment, Aoki Takamasa a sorti deux bons albums solo et collabore ici avec Tujiko Nuriko, qui se contente de chanter. Durant la première moitié du concert, on se demande un peu la raison de cette configuration. Bien que la musique soit assez minimaliste (pas très éloignée du premier album de Magnetophone par exemple), sa voix est la plupart du temps couverte et, durant les rares moments où elle surnage, elle semble tout à fait incompatible avec ce que fait son collègue, comme si Tujiko Nuriko avait comme seule ligne directrice une volonté de ne tenir aucun compte d'Aoki Takamasa. Heureusement, soit que le set ait lentement évolué, soit que j'aie fini par intérioriser leur démarche, les déconstructions rythmiques m'ont progressivement semblé plus rares et la pulsation plus régulière jusqu'à créer une sorte de drone-pop qui m'a beaucoup plu. On a même eu droit pendant quelques secondes à des samples vocaux du type "Choeurs de l'Armée Rouge", petit résidu d'humanité dans une musique par ailleurs totalement désincarnée.
23h00 : Yellow Swans
C'est sur une table au pied de la scène du Café, en plein milieu du public que Yellow Swans a installé son matériel, un assemblage hallucinant de fils et de boîtiers de toutes dimensions (voir photo ici, admirez en passant le casque de chantier du spectateur au premier rang). De part et d'autre de cette table se trouvent un "guitariste" et un "chanteur", sorte de Jésus à casquette. Je ne sais pas si le groupe est connu mais le public semblait en tout cas particulièrement impatient de les entendre et, dès les premières secondes (une lente pulsation en infra-basses), les barbus à cheveux longs qui forment une proportion non négligeable du public se lâchent complètement et la fosse se transforme en un repaire de pogoteurs et de head-bangers hors de contrôle. Avec une gestuelle épileptique, le "guitariste" tire de son instrument quelques accords qui après avoir été trituré au-delà du reconnaissable par les multiples trucs, machins et bidules situés sur la table sont vomis à toute puissance par les enceintes au milieu d'une avalanche de bruits. Le "chanteur" quant à lui, pousse de temps en temps dans son micro un hurlement qui semble n'avoir aucune répercussion sur les sons produits. Je pense que le terme Extreme Noise Terror n'est pas exagéré pour qualifier le premier morceau du groupe (même si "grand n'importe quoi assourdissant" est peut-être plus parlant). Je l'ai stoïquement subi pendant cinq minutes au milieu de la mêlée avant de monter sur le balcon qui entoure la salle pour admirer d'en haut la frénésie ambiante. Le second morceau est (marginalement) plus calme, plus construit et évoque vaguement Sunn O))). Je l'ai donc forcément préféré au premier. Mon âme de sociologue s'est demandé pendant tout le set pourquoi la musique de Yellow Swans est si propice au pogo alors que celles d'Antenna Farm ou de John Wiese s'écoutent dans une immobilité recueillie. Il me manque manifestement encore quelques clés pour comprendre cet étrange milieu.
23h45 : Kemialliset Ystavat
Ces cinq Finlandais représentent une sorte de juste milieu entre les mélodies de Vashti Bunyan et le grand n'importe quoi sonique de Yellow Swans. Ils sont nombreux sur scène (cinq, de mémoire), pour la plupart accroupis ou assis autour d'une pelote de fils reliant des micros (pour les tambours, maracas, voix,...), des instruments traditionnels (guitare, basse,...), des boîtiers et des pédales d'effets et des générateurs de boum-boum-tak-tak, couverts de jolis boutons multicolores et d'écrans qui clignotent. M'étant placé au bord de la scène, accoudé à un des baffles de retour, j'ai une belle vue d'ensemble sur le fourbi invraisemblable qui jonche la scène et j'ai donc pu constater qu'une moitié seulement des trucs dont ils avaient cru bon de s'entourer ont effectivement servi (le walk-man couvert de Tipp-Ex que j'avais juste sous les yeux, par exemple, n'était manifestement là que pour faire joli). Cet éhonté gaspillage de matériel ne les a pas pourtant pas empêchés de créer une musique faite de petites touches sonores, où cellules rythmiques répétitives (j'ai parfois pensé au Dead Can Dance de Song of the Nile) et mélodiques s'imbriquent et se répondent. Ce fut pour moi un véritable réconfort de pouvoir ici relier les sons que j'entendais avec les gestes effectués par les musiciens sur la scène. Pour quelques minutes, j'ai eu à nouveau l'impression de comprendre ce qu'était la musique.
(suite ici).
mardi, mars 21
Et non, no Eno.
Malgré ce qu'on peut lire ici ou là, le nouvel album de Roxy Music se fera sans Brian Eno. Enoweb a coupé court aux rumeurs avec une joie mauvaise.
PS : Conseils de lecture et bande-annonce du film de Matthew Barney dont Björk a fait la musique (il faudra quand même que je pense à installer Quicktime).
PS : Conseils de lecture et bande-annonce du film de Matthew Barney dont Björk a fait la musique (il faudra quand même que je pense à installer Quicktime).
lundi, mars 20
Arf...
Je me demande si Courtney Love a dû donner son autorisation. Je n'ai en fait jamais bien compris à qui ces jouets étaient destinés. J'aurais naïvement cru que les fans de Nirvana ont depuis longtemps passé l'âge de jouer avec des figurines.
Sinon, je trouve que l'attitude et le regard de la figurine ne sont pas très Cobainiens, trop conquérants arrogants. On dirait presque une figurine de Fred Durst qu'on aurait recyclée avec un nouveau visage et des nouveaux vêtements.
dimanche, mars 19
Avant d'aller dormir...
- Il n'a fallu que quelques jours pour que le nouveau single des Pet Shop Boys soit proposé au téléchargement sur un mp3-blog. Personnellement, après une dizaine d'écoutes, je suis assez content. Le sous-texte politique des paroles (pensez à la "special relationship" qui unit la Grande-Bretagne et les Etats-Unis) est assez savoureux.
- Après les Arctic Monkeys, les Sugababes s'attaquent à Hard-Fi.
- La vidéo du nouveau single de Massive Attack fait beaucoup parler d'elle, la chanson beaucoup moins. C'est sans doute dommage.
- Pour finir, une madeleine pour trentenaires en goguette : Maniac de Michael Sembello, extrait de la bande originale d'un film que je n'ai jamais vu. Je n'avais jamais remarqué à quel point l'intro était pompée sur Enola Gay d'OMD.
Tout cela est décidément très pop. Il va falloir que j'y remédie.
- Après les Arctic Monkeys, les Sugababes s'attaquent à Hard-Fi.
- La vidéo du nouveau single de Massive Attack fait beaucoup parler d'elle, la chanson beaucoup moins. C'est sans doute dommage.
- Pour finir, une madeleine pour trentenaires en goguette : Maniac de Michael Sembello, extrait de la bande originale d'un film que je n'ai jamais vu. Je n'avais jamais remarqué à quel point l'intro était pompée sur Enola Gay d'OMD.
Tout cela est décidément très pop. Il va falloir que j'y remédie.
Vox
Je viens de voir que Jérôme Colin a mis en ligne la séquence (lien direct) que j'ai eu le plaisir (et la surprise) d'enregistrer pour son podcast Vox la semaine dernière. Bonjour donc à ceux qui atterrissent ici via la page de Vox. Pour les autres, et principalement les français qui me lisent, ça peut être l'occasion de vérifier si j'ai, oui ou non, un fort accent belge. Pour les sonorités nasales, je blâme mon rhume. Je devrais aussi sans doute remercier la technicienne du son qui, en coupant la plupart des hésitations, parvient presque à donner l'impression que je sais vaguement de quoi je parle. Dans la même émission, on peut entendre une (forcément très belle) session acoustique de Elbow.
PS : Le top albums dont parle Jérôme se trouve ici. J'en profite pour mentionner le classement des 100 meilleurs albums de 2005 qu'Arnaud a mis en ligne il y a quelques jours. On y trouve peu de passerelles avec le mien (tant mieux diront certains) mais ces 100 chroniques sont clairement l'oeuvre d'un passionné dont les goûts sont devenus au fil du temps un des points de référence par rapport auxquels je me situe.
PS : Le top albums dont parle Jérôme se trouve ici. J'en profite pour mentionner le classement des 100 meilleurs albums de 2005 qu'Arnaud a mis en ligne il y a quelques jours. On y trouve peu de passerelles avec le mien (tant mieux diront certains) mais ces 100 chroniques sont clairement l'oeuvre d'un passionné dont les goûts sont devenus au fil du temps un des points de référence par rapport auxquels je me situe.
samedi, mars 18
Fichtre...
Sans m'en rendre compte, je viens de passer le cap du 500ème billet, c'est dingue comme le temps passe quand on s'amuse.... Sinon, je suis toujours incapable d'écrire quoi que ce soit de valable en ce moment (sur Fat Cat ou autre chose) donc encore deux-trois liens (mais je promets de faire un effort demain).
- Fluxblog est colonisé par Abby de Poptext. Du coup on y trouve aujourd'hui deux morceaux d'anciennes Spice Girls. Qui aurait pu imaginer que ce serait Baby Blonde Spice Emma Bunton qui sortirait finalement les meilleures chansons solo ? Maybe, dans toute sa flamboyance 60s, est une de mes chansons pop préférées des cinq dernières années. Mel C, qui a longtemps semblé la plus crédible, tend quant à elle à tourner un peu en rond depuis deux-trois ans. Cela dit, Going Down appartient encore à sa période Nine Inch Nails et mérite donc également une écoute.
- Ouuuh, du Kraftwerk disco et, sur le même site, une chanson des cultissimes Au revoir Simone (et non pas En voiture Simone).
- Pour rester dans le culte, la Blogothèque a consacré un billet à L’enfant assassin des mouches de Jean-Claude Vannier, un album dont beaucoup de gens ont déjà entendu parler mais que peu ont entendu.
- Enfin, Clor propose ses coups de coeur.
- Fluxblog est colonisé par Abby de Poptext. Du coup on y trouve aujourd'hui deux morceaux d'anciennes Spice Girls. Qui aurait pu imaginer que ce serait Baby Blonde Spice Emma Bunton qui sortirait finalement les meilleures chansons solo ? Maybe, dans toute sa flamboyance 60s, est une de mes chansons pop préférées des cinq dernières années. Mel C, qui a longtemps semblé la plus crédible, tend quant à elle à tourner un peu en rond depuis deux-trois ans. Cela dit, Going Down appartient encore à sa période Nine Inch Nails et mérite donc également une écoute.
- Ouuuh, du Kraftwerk disco et, sur le même site, une chanson des cultissimes Au revoir Simone (et non pas En voiture Simone).
- Pour rester dans le culte, la Blogothèque a consacré un billet à L’enfant assassin des mouches de Jean-Claude Vannier, un album dont beaucoup de gens ont déjà entendu parler mais que peu ont entendu.
- Enfin, Clor propose ses coups de coeur.
jeudi, mars 16
Frotte en bas au soleil couchant.
Cinq morceaux de Sunset Rubdown dont disponibles ici ici. J'avais déjà brièvement parlé il y a quelques semaines de ce projet parallèle d'un des deux chanteurs de Wolf Parade.
Pour le reste, je suis totalement incapable d'écrire quoi que ce soit pour le moment. Blocage complet. Toutes les phrases qui me viennent en tête me semblent creuses... peut-être parce que je suis en train de lire ceci.
Pour le reste, je suis totalement incapable d'écrire quoi que ce soit pour le moment. Blocage complet. Toutes les phrases qui me viennent en tête me semblent creuses... peut-être parce que je suis en train de lire ceci.
mercredi, mars 15
I bet this sounds good on the dancefloor
(vous venez de la Blogothèque et débarquez sur ce billet sans trop comprendre pourquoi ? Rassurez-vous, vous n'êtes pas les seuls. Je n'ai pas la moindre idée de ce que Manur voulait vous faire lire ici et les liens proposés dans ce billet sont morts depuis longtemps. Pour que vous ne soyez pas venus pour rien, voici néanmoins un petit poème de ma composition :
La nuit, la mer
me rend amer
Ouais, ouais, la lère
...Et ta mère ?
Merci de votre visite.)
- Après presque deux semaines de recherches infructueuses, j'ai eu la joie de voir la reprise du premier single des Arctic Monkeys par les Sugababes apparaître à la fois ici et là. Pour un emprunt inverse, je vous conseille vivement de chercher la reprise de Love Machine de Girls Aloud par les mêmes Arctic Monkeys (un jour, moi aussi j'aurai un mp3-blog).
EDIT : En fait, je ne vois vraiment pas pourquoi je prendrais le temps de créer un mp3-blog alors que tout est déjà disponible par ailleurs.
- Perfume, le premier single extrait du nouvel album des Sparks est disponible là.
La nuit, la mer
me rend amer
Ouais, ouais, la lère
...Et ta mère ?
Merci de votre visite.)
- Après presque deux semaines de recherches infructueuses, j'ai eu la joie de voir la reprise du premier single des Arctic Monkeys par les Sugababes apparaître à la fois ici et là. Pour un emprunt inverse, je vous conseille vivement de chercher la reprise de Love Machine de Girls Aloud par les mêmes Arctic Monkeys (un jour, moi aussi j'aurai un mp3-blog).
EDIT : En fait, je ne vois vraiment pas pourquoi je prendrais le temps de créer un mp3-blog alors que tout est déjà disponible par ailleurs.
- Perfume, le premier single extrait du nouvel album des Sparks est disponible là.
lundi, mars 13
La joie des premiers jours...
Le nouveau single des Pet Shop Boys, I'm with stupid, a été diffusé pour la première fois aujourd'hui à la radio espagnole et suédoise. L'événement a évidemment provoqué l'hystérie des fans. Tout un réseau de communication souterrain avait été mis sur pied il y a quelques semaines en prévision de cet événement : messages persos sur les forums, comptes webmail servant d'espace de stockage public, etc... Le jour J étant arrivé, on peut dire que l'opération fut un succès complet. Les fichiers mp3 se sont répandus comme une traînée de poudre.
Pour ce qui est de la chanson elle-même, je vous en reparlerai plus tard. Pour l'instant, je la trouve sans surprises et un peu surproduite mais j'ai depuis longtemps appris à me méfier de mes premières impressions.
Pour ce qui est de la chanson elle-même, je vous en reparlerai plus tard. Pour l'instant, je la trouve sans surprises et un peu surproduite mais j'ai depuis longtemps appris à me méfier de mes premières impressions.
dimanche, mars 12
Bon, OK...
Vous serez ravis d'apprendre que je me sens obligé de vous toucher un mot du Fat Cat Festival après tout mais soyez prévenus que mes souvenirs de l'événement sont un peu flous. En attendant,
- Une de mes chansons préférées de ces derniers jours est Your Brother Is My Only Hope par Le Sport. Je préfère ne pas trop savoir ce que les paroles racontent mais c'est ce que j'ai entendu de mieux en indie-electropop depuis longtemps. Je vais tenter d'écouter d'autres morceaux du groupe. Il y en a déjà quelques-uns sur Absolut Noise (un blog décidément formidable, mais trop prolifique pour que je puisse tout y écouter).
EDIT : 6 chansons de Le Sport, dont Your Brother Is My Only Hope, sont à écouter sur leur site officiel (en haut de la page d'accueil).
- Vous trouvez que You Touch My Tralala n'a pas rencontré le succès qu'il méritait ? Vous serez donc ravis d'apprendre que Gunther revient avec Tutti Frutti Summer Love et un clip dans lequel tout le monde devrait trouver à picorer.
- J'ai déjà expliqué vingt fois que défendre un groupe pop en leur associant le mot 'talent' est contre-productif mais certains s'entêtent.... comme si c'était leur capacité à reprendre les Bee Gees en version karaoké qui faisait de Nsync un des meilleurs groupes pop de ces dernières années.
- Je me surprends à aimer le nouvel album de Casiotone For The Painfully Alone et, aussi sec, le monsieur se révèle fan des Pet Shop Boys. Décidément, il n'y a pas de hasard.....quoiqu'il aime aussi Mariah Carey.
- Le nouvel album de Mogwai est bien meilleur que le précédent, une raison comme une autre pour ceux qui ne connaissent pas les tréfonds de l'oeuvre des pré-Gremlins d'aller voir de quoi il en retourne ici.
- Pour finir, il doit bien encore exister trois internautes qui n'ont pas entendu le nouveau single de Prince.
- Une de mes chansons préférées de ces derniers jours est Your Brother Is My Only Hope par Le Sport. Je préfère ne pas trop savoir ce que les paroles racontent mais c'est ce que j'ai entendu de mieux en indie-electropop depuis longtemps. Je vais tenter d'écouter d'autres morceaux du groupe. Il y en a déjà quelques-uns sur Absolut Noise (un blog décidément formidable, mais trop prolifique pour que je puisse tout y écouter).
EDIT : 6 chansons de Le Sport, dont Your Brother Is My Only Hope, sont à écouter sur leur site officiel (en haut de la page d'accueil).
- Vous trouvez que You Touch My Tralala n'a pas rencontré le succès qu'il méritait ? Vous serez donc ravis d'apprendre que Gunther revient avec Tutti Frutti Summer Love et un clip dans lequel tout le monde devrait trouver à picorer.
- J'ai déjà expliqué vingt fois que défendre un groupe pop en leur associant le mot 'talent' est contre-productif mais certains s'entêtent.... comme si c'était leur capacité à reprendre les Bee Gees en version karaoké qui faisait de Nsync un des meilleurs groupes pop de ces dernières années.
- Je me surprends à aimer le nouvel album de Casiotone For The Painfully Alone et, aussi sec, le monsieur se révèle fan des Pet Shop Boys. Décidément, il n'y a pas de hasard.....quoiqu'il aime aussi Mariah Carey.
- Le nouvel album de Mogwai est bien meilleur que le précédent, une raison comme une autre pour ceux qui ne connaissent pas les tréfonds de l'oeuvre des pré-Gremlins d'aller voir de quoi il en retourne ici.
- Pour finir, il doit bien encore exister trois internautes qui n'ont pas entendu le nouveau single de Prince.
jeudi, mars 9
Liens du jour
- Une session et une interview de Dominique A dans Vox (lien direct là).
- Toujours dans Vox, j'ai entendu un fabuleux morceau de Junip, un des groupes de Jose Gonzalez. C'est presque aussi beau que du Red House Painters, ce qui n'est pas peu dire. Le morceau est téléchargeable ici.
- Mon billet de la semaine sur la Blogothèque est consacré aux cassettes audio... encore une pitoyable concession à la nostalgie régressive, avec des vrais morceaux de Cornershop, Paula Frazer et Pressure Drop dedans.
Sinon, si je n'ai pas posté demain soir mon compte-rendu du Fat Cat Festival d'il y a une quinzaine de jours, je ne l'écrirai sans doute jamais. Dommage car au cours de ce festival, j'ai vu un homme de Néanderthal pousser des cris de lapins effrayés, une interminable descente d'ecsta, un vieillard jouer du gong avec un ventilateur, un Jésus épileptique et un Japonais hyperkinétique fan de Suicidal Tendencies.
- Toujours dans Vox, j'ai entendu un fabuleux morceau de Junip, un des groupes de Jose Gonzalez. C'est presque aussi beau que du Red House Painters, ce qui n'est pas peu dire. Le morceau est téléchargeable ici.
- Mon billet de la semaine sur la Blogothèque est consacré aux cassettes audio... encore une pitoyable concession à la nostalgie régressive, avec des vrais morceaux de Cornershop, Paula Frazer et Pressure Drop dedans.
Sinon, si je n'ai pas posté demain soir mon compte-rendu du Fat Cat Festival d'il y a une quinzaine de jours, je ne l'écrirai sans doute jamais. Dommage car au cours de ce festival, j'ai vu un homme de Néanderthal pousser des cris de lapins effrayés, une interminable descente d'ecsta, un vieillard jouer du gong avec un ventilateur, un Jésus épileptique et un Japonais hyperkinétique fan de Suicidal Tendencies.
mardi, mars 7
Scott et Rufus
- Interprétations diverses présentent un tour d'horizon de la carrière de Scott Walker. Je dois bien avouer que ça ne m'arrange guère car c'était une de mes idées pour un prochain billet mp3 sur la Blogothèque. Il va à présent falloir que j'attende les trois mois réglementaires pour en reparler.
- Rufus Wainwright reprend He ain't heavy he's my brother des Hollies ici (via xolondon).
- Rufus Wainwright reprend He ain't heavy he's my brother des Hollies ici (via xolondon).
dimanche, mars 5
Liens du jour
- La mode des reprises pop-rock par des quatuors à cordes ne semblent pas prête à passer. Aujourd'hui, The Killers et il faut bien reconnaître que les chansons tiennent parfaitement la route (mais bon, ce sont sans doute les trois seules très bonnes chansons du groupe).
- Quand les anglais s'enflamment pour la pop française (ou belgo-portugaise, c'est selon), ça donne ce beau billet sur Lio.
- Liza a tendance à se faire rare ces temps-ci, raison de plus pour foncer voir les dernières reprises improbables qu'elle propose sur Copy, Right? La reprise des Smiths à la sauce electro-trance vaut son pesant de stroboscopes.
- Quand les anglais s'enflamment pour la pop française (ou belgo-portugaise, c'est selon), ça donne ce beau billet sur Lio.
- Liza a tendance à se faire rare ces temps-ci, raison de plus pour foncer voir les dernières reprises improbables qu'elle propose sur Copy, Right? La reprise des Smiths à la sauce electro-trance vaut son pesant de stroboscopes.
vendredi, mars 3
C'est loin d'être neuf...
...mais ce n'est pas une raison pour ne pas en parler. Half Asleep est le nom de scène de Valérie Leclercq (parfois accompagnée de sa soeur). Je viens enfin d'écouter leur dernier album (We are now) Seated in profile et c'est une excellente surprise dans le genre folk hanté au piano (surtout comparé aux deux albums précédents, qui ne m'avaient pas entièrement convaincu). L'album complet est téléchargeable sur le site du label, où on trouve aussi une bio détaillée du groupe. Je vous en reparlerai peut-être plus longuement quand j'aurai reçu le CD.
PS : Le nombre de choses dont j'ai dit ces derniers jours que je reparlerai plus tard s'allonge dangereusement.
PS : Le nombre de choses dont j'ai dit ces derniers jours que je reparlerai plus tard s'allonge dangereusement.
jeudi, mars 2
Jeu du jour
Vous avez aimé le fond d'écran où vous deviez retrouver le nom de 75 groupes ? Vous adorerez la version avec des images qui bougent.
mercredi, mars 1
Lien du jour
lundi, février 27
Ouh la vilaine copieuse !!!
Un tribunal belge a condamné en novembre 2005 Madonna pour plagiat. Sa chanson Frozen (un de ses cinq meilleurs singles, toutes époques confondues) ressemblerait apparemment beaucoup à Ma vie fout le camp d'un certain Salvatore Acquaviva.
Je vous en parle aujourd'hui parce que la RTBF a consacré ce soir un reportage à l'affaire. Il fallait voir l'air gourmand que prenait l'éditeur d'Acquaviva lorsqu'il évoquait la centaine de millions d'euros de compensation auxquels il estimait avoir droit. Victoire de David contre Goliath ou cupidité maladive ? Je ne sais trop que penser. D'autant que je ne suis pas sûr de comprendre pourquoi une seule ligne mélodique pourrait donner droit à la moitié ou la totalité des royalties d'une chanson qui fait plus de 4 minutes.
Vous pouvez aller écouter un extrait représentatif des deux morceaux ici. La ressemblance est indéniable mais je me demande si une ligne mélodique aussi pauvre est suffisamment originale pour justifier l'accusation de plagiat. Un beau cas d'école pour juristes en tout cas. De manière amusante, malgré le jugement du tribunal, les disques de Madonna contenant Frozen sont toujours en vente aujourd'hui en Belgique, malgré une astreinte de 150 000€.
Les avocats de Madonna auraient fait appel du jugement et les débats porteront sans doute sur sa présence en Belgique au début des années 80, à l'époque où les plaignants prétendent qu'un producteur lui aurait fait écouter Ma vie fout le camp.
Je vous en parle aujourd'hui parce que la RTBF a consacré ce soir un reportage à l'affaire. Il fallait voir l'air gourmand que prenait l'éditeur d'Acquaviva lorsqu'il évoquait la centaine de millions d'euros de compensation auxquels il estimait avoir droit. Victoire de David contre Goliath ou cupidité maladive ? Je ne sais trop que penser. D'autant que je ne suis pas sûr de comprendre pourquoi une seule ligne mélodique pourrait donner droit à la moitié ou la totalité des royalties d'une chanson qui fait plus de 4 minutes.
Vous pouvez aller écouter un extrait représentatif des deux morceaux ici. La ressemblance est indéniable mais je me demande si une ligne mélodique aussi pauvre est suffisamment originale pour justifier l'accusation de plagiat. Un beau cas d'école pour juristes en tout cas. De manière amusante, malgré le jugement du tribunal, les disques de Madonna contenant Frozen sont toujours en vente aujourd'hui en Belgique, malgré une astreinte de 150 000€.
Les avocats de Madonna auraient fait appel du jugement et les débats porteront sans doute sur sa présence en Belgique au début des années 80, à l'époque où les plaignants prétendent qu'un producteur lui aurait fait écouter Ma vie fout le camp.
Si c'est sur Internet, c'est forcément vrai.
vendredi, février 24
Deaf Center
Quand je découvre un nouvel artiste dans un billet qui mentionne à la fois Ryan Teague et Khonnor (extraits ici et là), je ne peux a priori qu'être intéressé et les mp3 proposés semblent à première vue justifier cet intérêt.
EDIT : En zappant ces derniers jours, je me suis rendu compte que le sport présent aux Jeux Olympiques d'hiver qui m'intéresse le plus est le curling. Ayant vu la fin de la finale dames hier, ce billet m'a évidemment sauté aux yeux... La chanson est franchement médiocre mais, dans le fond, c'est l'intention qui compte. Et puis, ce n'est pas comme si Zinedine était un chef-d'oeuvre.
EDIT : En zappant ces derniers jours, je me suis rendu compte que le sport présent aux Jeux Olympiques d'hiver qui m'intéresse le plus est le curling. Ayant vu la fin de la finale dames hier, ce billet m'a évidemment sauté aux yeux... La chanson est franchement médiocre mais, dans le fond, c'est l'intention qui compte. Et puis, ce n'est pas comme si Zinedine était un chef-d'oeuvre.
Dessy de là
Mon billet de la semaine sur la Blogothèque est consacré à Jean-Paul Dessy, un compositeur belge que j'ai vu interpréter deux de ses oeuvres à Liège il y a quelques semaines.
Sinon, et ça n'a rien à voir, j'ai décidé après quatre écoutes que le nouvel album des Sparks était à 85% formidable et donc bien meilleur que le très médiocre morceau diffusé en avant-première à la radio anglaise (Dick Around). Je vous en reparlerai sans doute plus longuement dans les prochaines semaines.
Sinon, et ça n'a rien à voir, j'ai décidé après quatre écoutes que le nouvel album des Sparks était à 85% formidable et donc bien meilleur que le très médiocre morceau diffusé en avant-première à la radio anglaise (Dick Around). Je vous en reparlerai sans doute plus longuement dans les prochaines semaines.
mercredi, février 22
Ma mission de la semaine...
...est de comprendre pourquoi j'écris toujours Susumo Yokota et pas Susumu Yokota comme le font tous les autres (et si vous cliquez, profitez-en pour écouter les extraits).
Il n'y a pourtant guère de doutes à avoir. Sans doute est-ce l'influence d'Akebono ou de Takanohana.
Il n'y a pourtant guère de doutes à avoir. Sans doute est-ce l'influence d'Akebono ou de Takanohana.
mardi, février 21
Top albums 2005
Comme quoi, il est possible de venir à bout de toutes les entreprises, même les plus absurdes. Je ne suis à vrai dire pas sûr de recommencer cette aventure l'année prochaine. Cela fait plus d'un mois que je n'écoute quasiment plus que des albums de 2005. C'est presque devenu un boulot à plein temps et j'en ai un peu marre. Cela dit, j'éprouve une réelle satisfaction à être arrivé au bout.
En tout état de cause, cela donne :
01. Rachel Stevens - Come and get it (Polydor)
02. Nits - Les Nuits (Werf/Sony-BMG)
03. Patrick Wolf - Wind in the wires (Tomlab)
04. Elbow - Leaders of the free world (V2)
05. Hard-Fi - Stars of CCTV (Necessary Records/Warner)
06. Brian Eno - Another Day On Earth (Opal/Rykodisc)
07. Paula Frazer - Leave the sad things behind (Birdman)
08. Super Furry Animals - Love Kraft (Rough Trade)
09. Ladytron - Witching Hour (Island)
10. Ryan Teague - Six preludes (Type)
11. Art Brut - Bang Bang Rock&Roll (Fierce Panda)
12. Wolf Parade - Apologies to the Queen Mary (Sub Pop)
13. Sunn O))) - Black One (Southern Lord)
14. The Coral - The Invisible Invasion (Deltasonic)
15. Tuco - The Shrinking Process (Robot!)
16. Low - The Great Destroyer (Rough Trade)
17. Sigur Ros - Takk (EMI)
18. Depeche Mode - Playing the angel (Mute)
19. Henrik Johansen - Vacker Utsikt (WERF)
20. Kate Bush - Aerial (EMI)
21. Madonna - Confessions On A Dance Floor (Warner)
22. Devendra Banhart - Cripple Crow (XL Recordings)
23. Bloc Party - Silent Alarm (Wichita/V2)
24. Missy Elliott - The Cookbook (Atlantic)
25. Amusement Parks On Fire - Amusement Parks On Fire (V2)
26. Juliet - Random Order (Virgin)
27. Arcade Fire - Funeral (Rough Trade)
28. McFly - Wonderland (Island/Universal)
29. War Against Sleep - Invitation To The Feast (Fire)
30. Magnolia Electric Co - What Comes After The Blues (Secretly Canadian)
31. Stuart A. Staples - Lucky Dog Recordings 03-04 (Beggars Banquet)
32. Cass McCombs - Prefection (4AD)
33. Tennant/Lowe - Battleship Potemkin (EMI Classics/Parlophone)
34. The Dead 60s - The Dead 60s (Delasonic)
35. Smog - A River Ain't Too Much To Love (Domino)
36. Rufus Wainwright - Want Two (Geffen)
37. ...And You Will Know Us By The Trail Of Dead - Worlds Apart (Interscope/Universal)
38. Will Young - Keep On (Sony BMG)
39. Adam Green - Gemstones (Rough Trade)
40. Bodies Without Organs (BWO) - Prototype (EMI Suède)
41. Kaiser Chiefs - Employment (B Unique/Polydor)
42. t.A.T.u - Dangerous and moving (Interscope/Universal)
43. Black Wire - Black Wire (48 Crash)
44. Antony and the Johnsons - I am a bird now (Secretly Canadian)
45. Richard Gotainer - La goutte au Pépère (Gatkess)
46. Silver Mt. Zion - Horses in the sky (Constellation)
47. Arab Strap - The Last Romance (Chemikal Underground)
48. Jay-Jay Johanson - Rush (Virgin/EMI)
49. Minotaur Shock - Maritime (4AD)
50. Rammstein - Rosenrot (Universal)
51. Björk - The Music from Matthew Barney's Drawing Restraint 9 (Wellhart/One Little Indian)
52. Boom Bip - Blue Eyed In The Red Room (Lex)
53. A-Ha - Analogue (Universal)
54. Daniel Lanois - Belladonna (Anti)
55. Lee Ryan - Lee Ryan (Brightside/Sony BMG)
56. Hanson - Underneath (Cooking Vinyl)
57. The Kills - No Wow (Domino)
58. Doves - Some Cities (Heavenly)
59. The Subways - Young for Eternity (Infectious Records)
60. Backstreet Boys - Never Gone (Jive)
Pour être complet, voici une liste des albums non classés (parce que non achetés) mais qui auraient mérité de l'être. L'ordre est approximatif :
Fifths of Seven - Spry From Bitter Anise Folds (Disques du Soleil et de l'Acier)
Gravenhurst - Fires in distant buildings (Warp)
Susum o u Yokota - Symbol (Lo Recordings)
Matt Elliott - Drinking Songs (Ici D'ailleurs)
Tarwater - The Needle was Travelling (Morr Music)
Sons and daughters - The Repulsion Box (Domino)
Ellen Allien - Thrills (Bpitch Control)
M.I.A. - Arular (XL Recordings)
En tout état de cause, cela donne :
01. Rachel Stevens - Come and get it (Polydor)
02. Nits - Les Nuits (Werf/Sony-BMG)
03. Patrick Wolf - Wind in the wires (Tomlab)
04. Elbow - Leaders of the free world (V2)
05. Hard-Fi - Stars of CCTV (Necessary Records/Warner)
06. Brian Eno - Another Day On Earth (Opal/Rykodisc)
07. Paula Frazer - Leave the sad things behind (Birdman)
08. Super Furry Animals - Love Kraft (Rough Trade)
09. Ladytron - Witching Hour (Island)
10. Ryan Teague - Six preludes (Type)
11. Art Brut - Bang Bang Rock&Roll (Fierce Panda)
12. Wolf Parade - Apologies to the Queen Mary (Sub Pop)
13. Sunn O))) - Black One (Southern Lord)
14. The Coral - The Invisible Invasion (Deltasonic)
15. Tuco - The Shrinking Process (Robot!)
16. Low - The Great Destroyer (Rough Trade)
17. Sigur Ros - Takk (EMI)
18. Depeche Mode - Playing the angel (Mute)
19. Henrik Johansen - Vacker Utsikt (WERF)
20. Kate Bush - Aerial (EMI)
21. Madonna - Confessions On A Dance Floor (Warner)
22. Devendra Banhart - Cripple Crow (XL Recordings)
23. Bloc Party - Silent Alarm (Wichita/V2)
24. Missy Elliott - The Cookbook (Atlantic)
25. Amusement Parks On Fire - Amusement Parks On Fire (V2)
26. Juliet - Random Order (Virgin)
27. Arcade Fire - Funeral (Rough Trade)
28. McFly - Wonderland (Island/Universal)
29. War Against Sleep - Invitation To The Feast (Fire)
30. Magnolia Electric Co - What Comes After The Blues (Secretly Canadian)
31. Stuart A. Staples - Lucky Dog Recordings 03-04 (Beggars Banquet)
32. Cass McCombs - Prefection (4AD)
33. Tennant/Lowe - Battleship Potemkin (EMI Classics/Parlophone)
34. The Dead 60s - The Dead 60s (Delasonic)
35. Smog - A River Ain't Too Much To Love (Domino)
36. Rufus Wainwright - Want Two (Geffen)
37. ...And You Will Know Us By The Trail Of Dead - Worlds Apart (Interscope/Universal)
38. Will Young - Keep On (Sony BMG)
39. Adam Green - Gemstones (Rough Trade)
40. Bodies Without Organs (BWO) - Prototype (EMI Suède)
41. Kaiser Chiefs - Employment (B Unique/Polydor)
42. t.A.T.u - Dangerous and moving (Interscope/Universal)
43. Black Wire - Black Wire (48 Crash)
44. Antony and the Johnsons - I am a bird now (Secretly Canadian)
45. Richard Gotainer - La goutte au Pépère (Gatkess)
46. Silver Mt. Zion - Horses in the sky (Constellation)
47. Arab Strap - The Last Romance (Chemikal Underground)
48. Jay-Jay Johanson - Rush (Virgin/EMI)
49. Minotaur Shock - Maritime (4AD)
50. Rammstein - Rosenrot (Universal)
51. Björk - The Music from Matthew Barney's Drawing Restraint 9 (Wellhart/One Little Indian)
52. Boom Bip - Blue Eyed In The Red Room (Lex)
53. A-Ha - Analogue (Universal)
54. Daniel Lanois - Belladonna (Anti)
55. Lee Ryan - Lee Ryan (Brightside/Sony BMG)
56. Hanson - Underneath (Cooking Vinyl)
57. The Kills - No Wow (Domino)
58. Doves - Some Cities (Heavenly)
59. The Subways - Young for Eternity (Infectious Records)
60. Backstreet Boys - Never Gone (Jive)
Pour être complet, voici une liste des albums non classés (parce que non achetés) mais qui auraient mérité de l'être. L'ordre est approximatif :
Fifths of Seven - Spry From Bitter Anise Folds (Disques du Soleil et de l'Acier)
Gravenhurst - Fires in distant buildings (Warp)
Susum
Matt Elliott - Drinking Songs (Ici D'ailleurs)
Tarwater - The Needle was Travelling (Morr Music)
Sons and daughters - The Repulsion Box (Domino)
Ellen Allien - Thrills (Bpitch Control)
M.I.A. - Arular (XL Recordings)
lundi, février 20
Les albums de 2005 (XIX)
Amusement Parks On Fire - Amusement Parks On Fire (V2)
Rares sont les albums qui peuvent se vanter d'avoir connu trois sorties différentes. Il a paru pour la première fois en 2004, a été réédité en 2005 et connaîtrait, si j'en crois Amazon, une nouvelle sortie ces jours-ci. Un tel acharnement dans la promotion signifie en général que la maison de disques pense que le disque n'a pas encore "réalisé son plein potentiel" commercial et espère qu'une nouvelle sortie (et donc nouvelles chroniques presse et nouvelle visibilité dans les rayons des disquaires) pourrait arranger les choses. En général, c'est peine perdue, comme le prouvent par exemple le premier album de Rachel Stevens et l'album des Stills. Cela dit, je comprends bien la frustration du label. Le nom du groupe est formidable, le leader a un look qui évoque à la fois Kurt Cobain et Patrick Wolf. De plus, leur album respecte scrupuleusement le cahier des charges du parfait petit succès indé : mélodies efficaces, influences évidentes et prestigieuses (ici My Bloody Valentine, pour aller vite) et un imposant mur de guitares. Franchement, si de nous jours tous ces efforts ne suffisent plus à garantir la une du NME, c'est à désespérer de tout. Etait-il possible de faire chanson plus resserrée que Venus in Cancer (tellement formidable qu'elle me fait penser à One Great Summer d'Amplifier) ? Les mouvements de convection à l'intérieur du magma de guitares qui sert de toile de fond à Venosa pouvaient-ils être encore plus fascinants ? Un interlude pour piano peut-il être encore plus trognon et annonciateur de tempête que ne l'est Asphalt ? Et un final peut-il être plus Mogwaïment noisy que ne l'est Local Boy Makes God ? La réponse à ces questions est sans doute non et pourtant, on ne peut pas dire que cet album ait connu un succès triomphal. Nous vivons décidément dans un monde plein d'incertitudes.
Kate Bush - Aerial (EMI)
Ce nouvel album est sans doute le disque que j'ai attendu avec le plus d'impatience en 2005. Bien que j'aie une connaissance au fond assez superficielle de l'oeuvre de Kate Bush (je connais à vrai dire surtout la compilation The Whole Story), je l'ai toujours tenue en haute estime, en partie par atavisme familial. Du coup, j'ai un peu de mal à me faire une opinion neutre sur Aerial et à dépasser le simple sentiment de sidération ("Waow ! Un nouvel album de Kate Bush ! 12 ans après le précédent ! Dingue !") et j'éprouve une étrange répugnance à me forger une opinion dans un sens ou dans l'autre. Je ne peux pas dire que je sois déçu car la pop lyrique et légèrement barrée de Kate Bush semble toujours aussi extra-terrestre eb 2005 et je prends un réel plaisir à écouter Aerial. Pourtant, je ne dirais pas non plus que ce disque m'enthousiasme, sans doute parce qu'il ne surprend jamais. Fallait-il vraiment 12 ans à Kate Bush pour faire exactement l'album que l'on attendait d'elle ? Comme sur The Hounds of Love, la première moitié de l'album est une collection de chansons et la deuxième une longe pièce divisée en mouvements, avec cris d'oiseaux, paroles d'enfants et rires hystériques. Le léger grain de folie que ses fans considèrent en général comme la marque de son "génie" parcourt également tout l'album, par exemple lorsqu'elle utilise des instruments de la Renaissance sur Bertie, chante les 100 premières décimales du nombre Pi dans, euh..., Pi ou consacre une ode à sa machine à laver (Mrs Bartolozzi). Je suppose que si cet album était l'oeuvre d'une chanteuse débutante, il aurait évidemment été une des très bonnes surprises de l'année. Venant de Kate Bush, il finit bizarrement par être une sorte de non-événement, un non-événement plein de qualités mais un non-événement quand même.
Bloc Party - Silent Alarm (Wichita/V2)
Dans la grande famille des nouveaux groupes indés britanniques en deux mots de cinq lettres ou moins, je demande l'aîné. A l'instar de ses petits frères Hard-Fi et Art Brut, Bloc Party a plutôt connu une bonne année 2005, sans doute en partie parce que leur premier album abrite une impressionnante collection de singles (réels ou en puissance) : Helicopter, Banquet, Positive Tension, So Here We Are, pour ne citer que les meilleurs. Les membres de Bloc Party osent prendre un peu plus de libertés avec les recettes éprouvées que la moyenne de leurs contemporains(Kaiser Chiefs ou Hard-Fi en tête), comme par exemple sur l'intro de Price of Gasoline ou la partie centrale de She's Hearing Voices, et cela se révèle souvent payant. On trouve ici une attention aux "atmosphères" qui vient compléter et parfois pervertir la quête du tube qui semble l'obsession unique (et légitime) de la plupart des groupes du genre. La voix de Kele Okereke apporte également des inflexions inédites, une forme de swing vaguement chaloupé qui vient légèrement gauchir la mécanique bien huilée du rock indé briton et évoque parfois John Lydon (période P.I.L.). Pourtant, c'est un disque que j'admire plus que je ne l'aime. Il m'impressionne mais ne me parle pas aux tripes et je n'ai à vrai dire pas très souvent envie de le réécouter. Je ne sais pas trop à quoi c'est dû mais bon leur avenir est assuré et ce n'est pas comme si ils avaient absolument besoin de ma dévotion pour continuer leur carrière. A lire les interviews récentes du groupe, je suis en tout cas curieux de voir à quoi ressemblera leur second album.
War Against Sleep - Invitation To The Feast (Fire)
Lorsque j'avais mentionné (ici) le formidable EP Borderline Personality, je m'étais réjoui à l'idée d'écouter l'album entier et une bonne moitié de Invitation to the Feast justifie a posteriori cette impatience. Changing of the Seasons est une ballade folk maniériste (en grande partie à cause de la voix) dont la simplicité est assez irrésistible. Song of songs est le genre de chansons que Scott Walker serait bien inspiré de mettre sur son prochain album et Bedminster Parade est une ballade au piano (tout est dit). Tout n'est malheureusement pas du même niveau. Je cherche toujours une raison d'être à Damaged Woman et une chanson comme Puppies and Kittens (ce titre !) tombe du mauvais côté de la frontière séparant le 'délicieusement twee' du 'péniblement niais'. Cela dit, plus encore que ces deux-trois chansons moins intéressantes, le problème de cet album est peut-être que le charme indéniable de la musique de War Against Sleep fonctionne surtout à petites doses (pour moi en tout cas) et perd de sa potence quand il se retrouve dilué sur 11 morceaux. Les fans de notes de pochette seront ravis d'apprendre qu'on retrouve sur cet album Nick Talbot (Gravenhurst, dont l'album est une des très bonnes surprises de 2005) et Roisin Murphy. Pour finir, je ne suis pas sûr de comprendre pourquoi on entend un public applaudir sur un titre en plein milieu du disque. Ca me donne l'impression d'entendre un album téléchargé en avant-première sur eMule.
That's all, folks!
Rares sont les albums qui peuvent se vanter d'avoir connu trois sorties différentes. Il a paru pour la première fois en 2004, a été réédité en 2005 et connaîtrait, si j'en crois Amazon, une nouvelle sortie ces jours-ci. Un tel acharnement dans la promotion signifie en général que la maison de disques pense que le disque n'a pas encore "réalisé son plein potentiel" commercial et espère qu'une nouvelle sortie (et donc nouvelles chroniques presse et nouvelle visibilité dans les rayons des disquaires) pourrait arranger les choses. En général, c'est peine perdue, comme le prouvent par exemple le premier album de Rachel Stevens et l'album des Stills. Cela dit, je comprends bien la frustration du label. Le nom du groupe est formidable, le leader a un look qui évoque à la fois Kurt Cobain et Patrick Wolf. De plus, leur album respecte scrupuleusement le cahier des charges du parfait petit succès indé : mélodies efficaces, influences évidentes et prestigieuses (ici My Bloody Valentine, pour aller vite) et un imposant mur de guitares. Franchement, si de nous jours tous ces efforts ne suffisent plus à garantir la une du NME, c'est à désespérer de tout. Etait-il possible de faire chanson plus resserrée que Venus in Cancer (tellement formidable qu'elle me fait penser à One Great Summer d'Amplifier) ? Les mouvements de convection à l'intérieur du magma de guitares qui sert de toile de fond à Venosa pouvaient-ils être encore plus fascinants ? Un interlude pour piano peut-il être encore plus trognon et annonciateur de tempête que ne l'est Asphalt ? Et un final peut-il être plus Mogwaïment noisy que ne l'est Local Boy Makes God ? La réponse à ces questions est sans doute non et pourtant, on ne peut pas dire que cet album ait connu un succès triomphal. Nous vivons décidément dans un monde plein d'incertitudes.
Kate Bush - Aerial (EMI)
Ce nouvel album est sans doute le disque que j'ai attendu avec le plus d'impatience en 2005. Bien que j'aie une connaissance au fond assez superficielle de l'oeuvre de Kate Bush (je connais à vrai dire surtout la compilation The Whole Story), je l'ai toujours tenue en haute estime, en partie par atavisme familial. Du coup, j'ai un peu de mal à me faire une opinion neutre sur Aerial et à dépasser le simple sentiment de sidération ("Waow ! Un nouvel album de Kate Bush ! 12 ans après le précédent ! Dingue !") et j'éprouve une étrange répugnance à me forger une opinion dans un sens ou dans l'autre. Je ne peux pas dire que je sois déçu car la pop lyrique et légèrement barrée de Kate Bush semble toujours aussi extra-terrestre eb 2005 et je prends un réel plaisir à écouter Aerial. Pourtant, je ne dirais pas non plus que ce disque m'enthousiasme, sans doute parce qu'il ne surprend jamais. Fallait-il vraiment 12 ans à Kate Bush pour faire exactement l'album que l'on attendait d'elle ? Comme sur The Hounds of Love, la première moitié de l'album est une collection de chansons et la deuxième une longe pièce divisée en mouvements, avec cris d'oiseaux, paroles d'enfants et rires hystériques. Le léger grain de folie que ses fans considèrent en général comme la marque de son "génie" parcourt également tout l'album, par exemple lorsqu'elle utilise des instruments de la Renaissance sur Bertie, chante les 100 premières décimales du nombre Pi dans, euh..., Pi ou consacre une ode à sa machine à laver (Mrs Bartolozzi). Je suppose que si cet album était l'oeuvre d'une chanteuse débutante, il aurait évidemment été une des très bonnes surprises de l'année. Venant de Kate Bush, il finit bizarrement par être une sorte de non-événement, un non-événement plein de qualités mais un non-événement quand même.
Bloc Party - Silent Alarm (Wichita/V2)
Dans la grande famille des nouveaux groupes indés britanniques en deux mots de cinq lettres ou moins, je demande l'aîné. A l'instar de ses petits frères Hard-Fi et Art Brut, Bloc Party a plutôt connu une bonne année 2005, sans doute en partie parce que leur premier album abrite une impressionnante collection de singles (réels ou en puissance) : Helicopter, Banquet, Positive Tension, So Here We Are, pour ne citer que les meilleurs. Les membres de Bloc Party osent prendre un peu plus de libertés avec les recettes éprouvées que la moyenne de leurs contemporains(Kaiser Chiefs ou Hard-Fi en tête), comme par exemple sur l'intro de Price of Gasoline ou la partie centrale de She's Hearing Voices, et cela se révèle souvent payant. On trouve ici une attention aux "atmosphères" qui vient compléter et parfois pervertir la quête du tube qui semble l'obsession unique (et légitime) de la plupart des groupes du genre. La voix de Kele Okereke apporte également des inflexions inédites, une forme de swing vaguement chaloupé qui vient légèrement gauchir la mécanique bien huilée du rock indé briton et évoque parfois John Lydon (période P.I.L.). Pourtant, c'est un disque que j'admire plus que je ne l'aime. Il m'impressionne mais ne me parle pas aux tripes et je n'ai à vrai dire pas très souvent envie de le réécouter. Je ne sais pas trop à quoi c'est dû mais bon leur avenir est assuré et ce n'est pas comme si ils avaient absolument besoin de ma dévotion pour continuer leur carrière. A lire les interviews récentes du groupe, je suis en tout cas curieux de voir à quoi ressemblera leur second album.
War Against Sleep - Invitation To The Feast (Fire)
Lorsque j'avais mentionné (ici) le formidable EP Borderline Personality, je m'étais réjoui à l'idée d'écouter l'album entier et une bonne moitié de Invitation to the Feast justifie a posteriori cette impatience. Changing of the Seasons est une ballade folk maniériste (en grande partie à cause de la voix) dont la simplicité est assez irrésistible. Song of songs est le genre de chansons que Scott Walker serait bien inspiré de mettre sur son prochain album et Bedminster Parade est une ballade au piano (tout est dit). Tout n'est malheureusement pas du même niveau. Je cherche toujours une raison d'être à Damaged Woman et une chanson comme Puppies and Kittens (ce titre !) tombe du mauvais côté de la frontière séparant le 'délicieusement twee' du 'péniblement niais'. Cela dit, plus encore que ces deux-trois chansons moins intéressantes, le problème de cet album est peut-être que le charme indéniable de la musique de War Against Sleep fonctionne surtout à petites doses (pour moi en tout cas) et perd de sa potence quand il se retrouve dilué sur 11 morceaux. Les fans de notes de pochette seront ravis d'apprendre qu'on retrouve sur cet album Nick Talbot (Gravenhurst, dont l'album est une des très bonnes surprises de 2005) et Roisin Murphy. Pour finir, je ne suis pas sûr de comprendre pourquoi on entend un public applaudir sur un titre en plein milieu du disque. Ca me donne l'impression d'entendre un album téléchargé en avant-première sur eMule.
That's all, folks!
vendredi, février 17
Les albums de 2005 (XVIII)
Will Young - Keep On (Sony BMG)
On va encore m'accuser d'être un dangereux anglopathe mais, pour prendre conscience du fossé qualitatif séparant les cultures pop française et anglaise, il suffit de regarder ces emblèmes de la culture de masse que sont les chanteurs et groupes issus de la téléréalité. D'un côté, Girls Aloud. Et de l'autre L5. D'un côté, Grégory Lemarchal. Et de l'autre Will Young qui, après un inécoutable premier album de karaoké dégoulinant, s'est fixé le louable objectif de devenir la première "solo star" issue de la télé-réalité a acquérir une certaine crédibilité artistique. Son deuxième album avait déjà surpris grâce à deux-trois épatantes chansons pop (Leave Right Now et Your Game principalement), celui-ci est encore un peu meilleur. Le premier single Switch it on est le fils bâtard du Faith de George Michael et du Suicide Blonde d'INXS mais parvient malgré cette hérédité chargée à être rigoureusement formidable. Happiness est une reprise de la chanson homonyme de Shawn Lee (top crédibilité) et All Time Love est le nouveau Leave Right Now, c'est-à-dire une ballade au piano (je suis foutu) pour faire pleurer les ménagères de moins de 50 ans dans les chaumières. Le reste de l'album se compose de chansons mid-tempo dont l'instrumentation vaguement jazzy et les tapis de cordes élégants ont été conçus en laboratoire pour plaire au plus grand nombre. Certes, il n'y a donc sur cet album que trois ou quatre très bonnes chansons mais si Will Young continue à progresser au même rythme, il est bien parti pour jouer les premières places dans mon top albums 2019. Je me réjouis d'avance. Par ailleurs, les fondus de ressemblance (et les avocats de Richard Gotainer), écouteront avec intérêt Madness qui présente une parenté troublante avec Le dindon du susnommé.
Magnolia Electric Co - What Comes After The Blues (Secretly Canadian)
Songs:Ohia ayant apparemment fait son temps (?), Jason Molina a décidé de former un nouveau groupe pour enregistrer ses chansons. Cependant, comme il ne veut pas froisser ses musiciens ni s'aliéner son public, il a décidé de donner à ce nouveau projet le nom du (avant-?)dernier album de Songs:Ohia et d'y employer en gros les mêmes musiciens. Quel que soit l'angle sous lequel on examine ce changement de nom, il faut donc bien y voir une grande part de foutage de gueule, mais après tout pourquoi pas ? Le changement de nom est un peu ici l'équivalent du changement d'entraîneur pour un club de football : l'occasion de faire croire que tout va être différent quand bien même l'essentiel restera rigoureusement inchangé. Ici, cet immobilisme de fait me convient plutôt bien puisque j'étais en fait assez content de la manière dont le RC Songs:Ohia avait géré ses précédentes saisons (Ghost Tropic est un petit bijou par exemple). On retrouve sur cet album une country alternative plutôt plus nerveuse que celle de Paula Frazer (à laquelle on pense en entendant la voix de Jennie Benford) mais infiniment moins pénible que l'album live foireux de Bonnie 'prince' Billy dont j'ai parlé il y a quelques semaines. Je n'ai à vrai dire pas grand-chose d'autre à dire de cet album et comme ces chroniques systématiques des albums de 2005 commencent à me courir tout doucement sur le haricot, je ne vais pas me forcer. Les fanatiques des notes de pochette noteront avec plaisir que l'album a été produit par Steve Albini, ce qui impressionne toujours.
Tuco - The Shrinking Process (Robot!)
La commande de disques sur Internet est une invention merveilleuse mais elle mène parfois à quelques étranges surprises, comme par exemple de recevoir un jour dans sa boîte aux lettres un disque inconnu sorti sur un label inconu et arborant fièrement un nom de groupe qui n'éveille pas le moindre souvenir. Je suppose que lorsque j'ai commandé ce disque, j'avais de bonnes raisons de le faire. Sans doute avais-je lu une chronique dithyrambique ou simplement intrigante dans le NME ou les Inrocks. Sans doute m'étais-je aussi dit que, à ce prix-là, il valait mieux acheter directement le CD que de passer des heures à le pister sur les réseaux p2p. Sans doute aussi, de reports en retards, la commande fut-elle envoyée plusieurs semaines après la lecture de cette chronique, alors que le souvenir s'en était depuis longtemps estompé. Mais qu'importe, quelles qu'aient été les circonstances, le résultat est là : je tiens entre les mains un CD que j'ai acheté mais dont je ne sais rien. Première constatation, l'objet est très beau avec sa pochette en carton bleue entouré d'un gros élastique blanc marqué des lettres TUCO. Deuxième constatation, avec ses 24 minutes et ses 6 morceaux, le disque n'est pas bien long (ce qui explique sans doute le prix très bas). Troisième constatation, le groupe est britannique et possède un site web ici. Quatrième constatation, c'est franchement pas mal du tout. Ce son très clair, cette forme d'indie-pop légère et sophistiquée me rappellent vaguement la double compilation Rocket Girl sortie en 2001 (à moins que ce ne soit simplement à cause de la couleur de la pochette, je ne suis pas à l'abri des analogies foireuses). Les influences semblent multiples, et parfois contradictoires : l'alt-country pour les deux premiers tiers de Can't tell et le shoegazing pour le dernier tiers ou I don't mind (qui rappelle Folly de Engineers), Blur ou Pulp pour All transition. Je serais très curieux de retrouver la chronique qui m'a donné envie d'écouter ce disque. Elle vous aurait sans doute donné plus envie que celle-ci. Plusieurs morceaux sont en écoute sur leur site.
PS : RHAAAAAAA ! Plus qu'un. (excusez-moi, c'est l'émotion)
On va encore m'accuser d'être un dangereux anglopathe mais, pour prendre conscience du fossé qualitatif séparant les cultures pop française et anglaise, il suffit de regarder ces emblèmes de la culture de masse que sont les chanteurs et groupes issus de la téléréalité. D'un côté, Girls Aloud. Et de l'autre L5. D'un côté, Grégory Lemarchal. Et de l'autre Will Young qui, après un inécoutable premier album de karaoké dégoulinant, s'est fixé le louable objectif de devenir la première "solo star" issue de la télé-réalité a acquérir une certaine crédibilité artistique. Son deuxième album avait déjà surpris grâce à deux-trois épatantes chansons pop (Leave Right Now et Your Game principalement), celui-ci est encore un peu meilleur. Le premier single Switch it on est le fils bâtard du Faith de George Michael et du Suicide Blonde d'INXS mais parvient malgré cette hérédité chargée à être rigoureusement formidable. Happiness est une reprise de la chanson homonyme de Shawn Lee (top crédibilité) et All Time Love est le nouveau Leave Right Now, c'est-à-dire une ballade au piano (je suis foutu) pour faire pleurer les ménagères de moins de 50 ans dans les chaumières. Le reste de l'album se compose de chansons mid-tempo dont l'instrumentation vaguement jazzy et les tapis de cordes élégants ont été conçus en laboratoire pour plaire au plus grand nombre. Certes, il n'y a donc sur cet album que trois ou quatre très bonnes chansons mais si Will Young continue à progresser au même rythme, il est bien parti pour jouer les premières places dans mon top albums 2019. Je me réjouis d'avance. Par ailleurs, les fondus de ressemblance (et les avocats de Richard Gotainer), écouteront avec intérêt Madness qui présente une parenté troublante avec Le dindon du susnommé.
Magnolia Electric Co - What Comes After The Blues (Secretly Canadian)
Songs:Ohia ayant apparemment fait son temps (?), Jason Molina a décidé de former un nouveau groupe pour enregistrer ses chansons. Cependant, comme il ne veut pas froisser ses musiciens ni s'aliéner son public, il a décidé de donner à ce nouveau projet le nom du (avant-?)dernier album de Songs:Ohia et d'y employer en gros les mêmes musiciens. Quel que soit l'angle sous lequel on examine ce changement de nom, il faut donc bien y voir une grande part de foutage de gueule, mais après tout pourquoi pas ? Le changement de nom est un peu ici l'équivalent du changement d'entraîneur pour un club de football : l'occasion de faire croire que tout va être différent quand bien même l'essentiel restera rigoureusement inchangé. Ici, cet immobilisme de fait me convient plutôt bien puisque j'étais en fait assez content de la manière dont le RC Songs:Ohia avait géré ses précédentes saisons (Ghost Tropic est un petit bijou par exemple). On retrouve sur cet album une country alternative plutôt plus nerveuse que celle de Paula Frazer (à laquelle on pense en entendant la voix de Jennie Benford) mais infiniment moins pénible que l'album live foireux de Bonnie 'prince' Billy dont j'ai parlé il y a quelques semaines. Je n'ai à vrai dire pas grand-chose d'autre à dire de cet album et comme ces chroniques systématiques des albums de 2005 commencent à me courir tout doucement sur le haricot, je ne vais pas me forcer. Les fanatiques des notes de pochette noteront avec plaisir que l'album a été produit par Steve Albini, ce qui impressionne toujours.
Tuco - The Shrinking Process (Robot!)
La commande de disques sur Internet est une invention merveilleuse mais elle mène parfois à quelques étranges surprises, comme par exemple de recevoir un jour dans sa boîte aux lettres un disque inconnu sorti sur un label inconu et arborant fièrement un nom de groupe qui n'éveille pas le moindre souvenir. Je suppose que lorsque j'ai commandé ce disque, j'avais de bonnes raisons de le faire. Sans doute avais-je lu une chronique dithyrambique ou simplement intrigante dans le NME ou les Inrocks. Sans doute m'étais-je aussi dit que, à ce prix-là, il valait mieux acheter directement le CD que de passer des heures à le pister sur les réseaux p2p. Sans doute aussi, de reports en retards, la commande fut-elle envoyée plusieurs semaines après la lecture de cette chronique, alors que le souvenir s'en était depuis longtemps estompé. Mais qu'importe, quelles qu'aient été les circonstances, le résultat est là : je tiens entre les mains un CD que j'ai acheté mais dont je ne sais rien. Première constatation, l'objet est très beau avec sa pochette en carton bleue entouré d'un gros élastique blanc marqué des lettres TUCO. Deuxième constatation, avec ses 24 minutes et ses 6 morceaux, le disque n'est pas bien long (ce qui explique sans doute le prix très bas). Troisième constatation, le groupe est britannique et possède un site web ici. Quatrième constatation, c'est franchement pas mal du tout. Ce son très clair, cette forme d'indie-pop légère et sophistiquée me rappellent vaguement la double compilation Rocket Girl sortie en 2001 (à moins que ce ne soit simplement à cause de la couleur de la pochette, je ne suis pas à l'abri des analogies foireuses). Les influences semblent multiples, et parfois contradictoires : l'alt-country pour les deux premiers tiers de Can't tell et le shoegazing pour le dernier tiers ou I don't mind (qui rappelle Folly de Engineers), Blur ou Pulp pour All transition. Je serais très curieux de retrouver la chronique qui m'a donné envie d'écouter ce disque. Elle vous aurait sans doute donné plus envie que celle-ci. Plusieurs morceaux sont en écoute sur leur site.
PS : RHAAAAAAA ! Plus qu'un. (excusez-moi, c'est l'émotion)
Tiens, ça faisait longtemps
Mon billet de la semaine sur la Blogothèque est consacré à Pearls Before Swine, que certains d'entre vous connaissent peut-être comme les auteurs de The Jeweller, excellemment repris sur le deuxième album de This Mortal Coil.
jeudi, février 16
Pendant ce temps,
- on découvre que des jeunes acteurs peuvent faire de la musique intéressante, comme le prouve Reeve Carney ici.
- L'Anonyme de Chateau Rouge continue à se fâcher avec tous ceux qui aiment les années 80 là.
- Stylusmagazine se réjouit que Kate Bush soit devenue 'cool'
- copy-right propose des chansons de Christina Aguilera (à la sauce Bon Jovi) et des Men Without Hats (à la sauce épileptique)
- L'Anonyme de Chateau Rouge continue à se fâcher avec tous ceux qui aiment les années 80 là.
- Stylusmagazine se réjouit que Kate Bush soit devenue 'cool'
- copy-right propose des chansons de Christina Aguilera (à la sauce Bon Jovi) et des Men Without Hats (à la sauce épileptique)
Les albums de 2005 (XVII)
Sunn O))) - Black One (Southern Lord)
Imaginons un instant que l'on définisse l'ambient comme un type de musique fonctionnant par imprégnation, comme un bain sonore où la notion de temps n'existerait plus et dans lequel l'auditeur serait invité à s'immerger et à se fondre. L'ambient s'opposerait alors à tous les autres genres musicaux dont l'écoute nécessite de suivre un déroulement temporel imposé par le compositeur. Si on accepte cette définition, Sunn O))) est indéniablement un des meilleurs groupes ambient actuels. La musique produite par Greg Anderson et Stephen O'Malley a beau être fondamentalement différente des miniatures synthétiques diaphanes de Brian Eno ou de Future Sound of London, je l'écoute dans le même état d'esprit. Les hurlement étouffés de Wrost et Malefic, les lents accords de guitare saturée qui résonnent à l'infini et les touches d'electronoise de cette vieille baderne de John Wiese se combinent pour former un univers sonore parfaitement cohérent et immédiatement identifiable. Ce nouvel album n'est d'ailleurs pas très différent du précédent, que j'aimais déjà beaucoup. Le meilleur morceau est clairement pour moi Cry for the Weeper où les infra-basses habituelles du groupe alternent avec des sons de synthés plus aigus et des bruits de cloches presque joyeux (à leur échelle). En fait, j'aime Sunn O))) (ou dans un genre proche Pan Sonic) parce que leur musique ne ressemble à rien de connu (par moi en tout cas) et fait constamment appel à mon imaginaire. Je suis incapable de l'écouter sans avoir aussitôt l'esprit envahi d'images, et ça, c'est une qualité précieuse.
Cass McCombs - Prefection (4AD)
Rares sont les artistes dont on peut dire sans l'ombre d'une hésitation qu'ils s'améliorent avec le temps. Le premier album de Cass McCombs, gentiment insipide, ne m'avait laissé aucune impression durable et je n'attendais donc pas grand chose du deuxième. J'avais tort car il est bourré de tubes indie-pop à guitares (Equinox, Substraction, Multiple Suns, She's still suffering ou All your dreams may come true) qui évoquent tour à tour les Flaming Lips, The Music, The Charlatans, Cure, Beck, Roxy Music, Belle and Sebastian et plein d'autres. D'ailleurs, Morrissey ayant pris des vacances en 2005, Sacred Heart remporte haut la main mon prix de la meilleure chanson des Smiths de l'année. Malheureusement, ce disque donne parfois l'impression de n'être qu'une compilation de démos et cette impressionnante collection de joyaux pop forme au final un album légèrement frustrant. La voix de Cass McCombs par exemple manque de personnalité et tend à affadir les mélodies et certains arrangements mériteraient un peu plus d'ampleur. Cela dit, ça reste une excellente surprise.
Backstreet Boys - Never Gone (Jive)
Dans le domaine de la pop commerciale, les grands retours médiatiquement orchestrés font en général long feu (pauvres Duran Duran), et celui-ci ne fait pas exception. Tentant de se fondre dans l'air du temps, le groupe a abandonné la pop synthétique de leurs meilleurs années (leur album Millennium reste un modèle du genre) pour une forme assez terrifiante d'emo-pop à guitares. On est souvent très proche de ce que les anglo-saxons appellent la "power-ballad" (quelque part entre Crazy d'Aerosmith et Feel de Robbie Williams). Je dois dire d'emblée que Never Gone est dans l'ensemble un très mauvais disque et j'en parle ici uniquement pour pouvoir dire un mot de leur single Incomplete, pour lequel je me suis pris pendant plusieurs semaines d'une passion irrationnelle. Ma cousine (autre victime de l'envoûtement que ce morceau exerce) prétend que je suis incapable de résister à une intro au piano et elle a sans doute en partie raison (j'ai également éprouvé par le passé de coupables indulgences pour Bruce Hornsby & the Range ou Beverley Craven). En fait, Incomplete parvient à tenir un équilibre difficile : suffisamment grotesque pour faire sourire les cyniques, mais pas assez pour basculer complètement dans le ridicule. C'est typiquement le genre de chansons que l'on se surprend à chantonner dans les allées de son supermarché (jugez par vous-mêmes ici). Stylusmagazine l'avait placée 24ème dans son classement des meilleurs singles de 2005, entre Feist et Bloc Party, et c'est une place qui lui convient parfaitement. Je sauve également de l'album Climbing the Walls (écrite par Max Martin) mais le reste ira rejoindre les oeuvres complètes de Boyzone et de Westlife dans les poubelles de l'histoire.
(courage, plus que deux billets)
Imaginons un instant que l'on définisse l'ambient comme un type de musique fonctionnant par imprégnation, comme un bain sonore où la notion de temps n'existerait plus et dans lequel l'auditeur serait invité à s'immerger et à se fondre. L'ambient s'opposerait alors à tous les autres genres musicaux dont l'écoute nécessite de suivre un déroulement temporel imposé par le compositeur. Si on accepte cette définition, Sunn O))) est indéniablement un des meilleurs groupes ambient actuels. La musique produite par Greg Anderson et Stephen O'Malley a beau être fondamentalement différente des miniatures synthétiques diaphanes de Brian Eno ou de Future Sound of London, je l'écoute dans le même état d'esprit. Les hurlement étouffés de Wrost et Malefic, les lents accords de guitare saturée qui résonnent à l'infini et les touches d'electronoise de cette vieille baderne de John Wiese se combinent pour former un univers sonore parfaitement cohérent et immédiatement identifiable. Ce nouvel album n'est d'ailleurs pas très différent du précédent, que j'aimais déjà beaucoup. Le meilleur morceau est clairement pour moi Cry for the Weeper où les infra-basses habituelles du groupe alternent avec des sons de synthés plus aigus et des bruits de cloches presque joyeux (à leur échelle). En fait, j'aime Sunn O))) (ou dans un genre proche Pan Sonic) parce que leur musique ne ressemble à rien de connu (par moi en tout cas) et fait constamment appel à mon imaginaire. Je suis incapable de l'écouter sans avoir aussitôt l'esprit envahi d'images, et ça, c'est une qualité précieuse.
Cass McCombs - Prefection (4AD)
Rares sont les artistes dont on peut dire sans l'ombre d'une hésitation qu'ils s'améliorent avec le temps. Le premier album de Cass McCombs, gentiment insipide, ne m'avait laissé aucune impression durable et je n'attendais donc pas grand chose du deuxième. J'avais tort car il est bourré de tubes indie-pop à guitares (Equinox, Substraction, Multiple Suns, She's still suffering ou All your dreams may come true) qui évoquent tour à tour les Flaming Lips, The Music, The Charlatans, Cure, Beck, Roxy Music, Belle and Sebastian et plein d'autres. D'ailleurs, Morrissey ayant pris des vacances en 2005, Sacred Heart remporte haut la main mon prix de la meilleure chanson des Smiths de l'année. Malheureusement, ce disque donne parfois l'impression de n'être qu'une compilation de démos et cette impressionnante collection de joyaux pop forme au final un album légèrement frustrant. La voix de Cass McCombs par exemple manque de personnalité et tend à affadir les mélodies et certains arrangements mériteraient un peu plus d'ampleur. Cela dit, ça reste une excellente surprise.
Backstreet Boys - Never Gone (Jive)
Dans le domaine de la pop commerciale, les grands retours médiatiquement orchestrés font en général long feu (pauvres Duran Duran), et celui-ci ne fait pas exception. Tentant de se fondre dans l'air du temps, le groupe a abandonné la pop synthétique de leurs meilleurs années (leur album Millennium reste un modèle du genre) pour une forme assez terrifiante d'emo-pop à guitares. On est souvent très proche de ce que les anglo-saxons appellent la "power-ballad" (quelque part entre Crazy d'Aerosmith et Feel de Robbie Williams). Je dois dire d'emblée que Never Gone est dans l'ensemble un très mauvais disque et j'en parle ici uniquement pour pouvoir dire un mot de leur single Incomplete, pour lequel je me suis pris pendant plusieurs semaines d'une passion irrationnelle. Ma cousine (autre victime de l'envoûtement que ce morceau exerce) prétend que je suis incapable de résister à une intro au piano et elle a sans doute en partie raison (j'ai également éprouvé par le passé de coupables indulgences pour Bruce Hornsby & the Range ou Beverley Craven). En fait, Incomplete parvient à tenir un équilibre difficile : suffisamment grotesque pour faire sourire les cyniques, mais pas assez pour basculer complètement dans le ridicule. C'est typiquement le genre de chansons que l'on se surprend à chantonner dans les allées de son supermarché (jugez par vous-mêmes ici). Stylusmagazine l'avait placée 24ème dans son classement des meilleurs singles de 2005, entre Feist et Bloc Party, et c'est une place qui lui convient parfaitement. Je sauve également de l'album Climbing the Walls (écrite par Max Martin) mais le reste ira rejoindre les oeuvres complètes de Boyzone et de Westlife dans les poubelles de l'histoire.
(courage, plus que deux billets)
mardi, février 14
Les albums de 2005 (XVI)
Elbow - Leaders of the free world (V2)
(voir ici)
Bodies Without Organs (BWO) - Prototype (EMI Suède)
Peut-être vous souvenez-vous des suédois d'Army of Lovers qui avaient produit aux alentours de 1992 deux des singles pop les plus kitschs de l'histoire de la musique enregistrée. Même si le nom ne vous dit rien, il est probable que vous avez conservé en mémoire quelques images de leurs clips (visibles ici ou là). La tête pensante du groupe était Alexander Bard (le blond à moustache), que l'on retrouve ici à la tête de BWO. Il y a quelque chose d'admirable dans la manière dont il continue à produire en 2005 une genre de musique (que je nommerai Euro-disco pour aller vite) qui est depuis longtemps devenu l'antithèse du cool. Tout dans ce premier album (ou presque) sonne daté et certaines des ficelles de composition, acceptables à l'époque, sont devenues à force d'avoir servi des clichés rédhibitoires (notamment la fameuse modulation "on monte tout d'un ton" que même les Musclés hésitaient à employer). Ce disque est donc résolument et volontairement anachronique. En l'écoutant, on se surprend à repenser à des gens aussi formidablement ringards que les A-Teens, Sandra ou Ace of Base. Pourtant, si on y réfléchit bien, dans un monde où Jose Gonzalez, Arcade Fire et Sufjan Stevens vendent 20 fois plus d'albums que Rachel Stevens, c'est peut-être bien là que se cache une des formes les plus pures de musique alternative ou indépendante, celle qui est produite par des artisans consciencieux qui n'espèrent plus aucun succès commercial et se contentent de créer des oeuvres qui leur ressemblent pour un petit public de fidèles regroupé autour de quelques médias-phares. Aucune maison de disques n'oserait aujourd'hui investir de l'argent dans une promotion à grande échelle de cet album (une sortie anglaise un temps envisagée a été abandonnée). Pourtant, l'utilisation du Music de John Miles sur European Psycho est tout à fait réjouissante et des chansons comme Sixteen Tons of Hardware et Voodoo Magic auraient pu être à la fin des deux décennies précédentes des tubes fédérateurs dont les vidéos seraient passées en boucle sur MTV (jours bénis du programme unique paneuropéen). Aujourd'hui, les différentes chaînes nationales de MTV ne permettent plus de découvrir ce qui se fait ailleurs que chez soi, les disques à la mode sont faits pour être écoutés par des adolescents dépressifs dans des chambres mal aérées et ces deux chansons de BWO serviront juste à rappeler leur jeunesse à quelques trentenaires nostalgiques. Triste époque... et je caricature à peine. (des vidéos sont visibles ici)
Black Wire - Black Wire (48 Crash)
On parle peu de l'envers du décor de la scène indé anglaise. Pourtant, pour chaque groupe rencontrant le succès, il y en a 100 qui restent dans l'anonymat. Début 2004, Bloc Party et Black Wire étaient deux groupes au statut équivalent, entourés d'un buzz naissant sur la base d'un ou deux singles prometteurs que l'on s'échangeait avec excitation sur les réseaux p2p. Aujourd'hui, Bloc Party vend des disques par camions entiers tandis que les membres de Black Wire soignent leurs illusions déçues dans des appartements deux-pièces (ils n'en sont pas encore tout à fait là mais on fera comme si pour l'efficacité de la démonstration). Il serait rassurant de se dire qu'il s'agit là d'une forme normale de Darwinisme culturel. Les groupes disposant des meilleures chansons survivent en écrasant ceux dont les morceaux sont plus malingres ou moins efficaces, et assurent ainsi la pérennité du genre. Un documentaire animalier dirait sans doute qu'il s'agit là d'une manifestation de la beauté sauvage et de l'impitoyable cruauté de la nature. On peut néanmoins se demander à quoi tient cette différence de destin. A la qualité intrinsèque des chansons (si tant est qu'une telle chose puisse exister) ? Les chansons de Black Wire sont-elle vraiment moins bonnes que celles de Kaiser Chiefs (Hard To Love Easy To Lay) ou de Bloc Party (Smoke and mirrors) ? Pas sûr. Ce qui a peut-être manqué à Black Wire, plus prosaîquement, c'est un peu de chance, un environnement favorable et quelques connexions dans les médias. On peut s'émouvoir de l'injustice de ce processus de sélection mais il n'y a pas grand-chose que l'on puisse faire pour l'influencer. A mon niveau, je peux juste espérer que, lorsque les trois membres de Black Wire repenseront dans dix ans à cette période de leur vie, ils seront fiers d'avoir écrit et enregistré des chansons aussi parfaites que Attack! Attack! Attack! et surtout The Face (la chanson qu'Electric Six aurait pu sortir s'ils avaient eu le moindre talent), mais je doute que ça leur soit d'un quelconque réconfort. (voir également ici)
Ryan Teague - Six preludes (Type)
Chaque année semble nous réserver au moins un disque inclassable, à la frontière entre electronica, bande originale de film et "nouvelles musiques" (de Philip Glass à Arvo Pärt disons). L'année dernière, c'était Max Richter et l'année d'avant Jonny Greenwood. Cette année, c'est au tour de Ryan Teague, dont l'album est à la fois moins disparate que celui de Jonny Greenwood et plus aventureux que celui de Max Richter. On y entend pêle-mêle des blips synthétiques, du violon, de la clarinette, de la guitare et quelques touches de voix et de violoncelle. L'ensemble forme un tapis sonore enveloppant qui évolue lentement mais évite la plupart des clichés new-age (dans lesquels sombrait parfois Max Richter). Un recours fréquent à la dissonance notamment rend ce disque bien moins lénifiant que ce que ma description pourrait laisser penser, ce qui ne l'empêche pas d'être le remède parfait pour lutter contre les endormissements difficiles, et c'est un compliment. (extraits ici)
(voir ici)
Bodies Without Organs (BWO) - Prototype (EMI Suède)
Peut-être vous souvenez-vous des suédois d'Army of Lovers qui avaient produit aux alentours de 1992 deux des singles pop les plus kitschs de l'histoire de la musique enregistrée. Même si le nom ne vous dit rien, il est probable que vous avez conservé en mémoire quelques images de leurs clips (visibles ici ou là). La tête pensante du groupe était Alexander Bard (le blond à moustache), que l'on retrouve ici à la tête de BWO. Il y a quelque chose d'admirable dans la manière dont il continue à produire en 2005 une genre de musique (que je nommerai Euro-disco pour aller vite) qui est depuis longtemps devenu l'antithèse du cool. Tout dans ce premier album (ou presque) sonne daté et certaines des ficelles de composition, acceptables à l'époque, sont devenues à force d'avoir servi des clichés rédhibitoires (notamment la fameuse modulation "on monte tout d'un ton" que même les Musclés hésitaient à employer). Ce disque est donc résolument et volontairement anachronique. En l'écoutant, on se surprend à repenser à des gens aussi formidablement ringards que les A-Teens, Sandra ou Ace of Base. Pourtant, si on y réfléchit bien, dans un monde où Jose Gonzalez, Arcade Fire et Sufjan Stevens vendent 20 fois plus d'albums que Rachel Stevens, c'est peut-être bien là que se cache une des formes les plus pures de musique alternative ou indépendante, celle qui est produite par des artisans consciencieux qui n'espèrent plus aucun succès commercial et se contentent de créer des oeuvres qui leur ressemblent pour un petit public de fidèles regroupé autour de quelques médias-phares. Aucune maison de disques n'oserait aujourd'hui investir de l'argent dans une promotion à grande échelle de cet album (une sortie anglaise un temps envisagée a été abandonnée). Pourtant, l'utilisation du Music de John Miles sur European Psycho est tout à fait réjouissante et des chansons comme Sixteen Tons of Hardware et Voodoo Magic auraient pu être à la fin des deux décennies précédentes des tubes fédérateurs dont les vidéos seraient passées en boucle sur MTV (jours bénis du programme unique paneuropéen). Aujourd'hui, les différentes chaînes nationales de MTV ne permettent plus de découvrir ce qui se fait ailleurs que chez soi, les disques à la mode sont faits pour être écoutés par des adolescents dépressifs dans des chambres mal aérées et ces deux chansons de BWO serviront juste à rappeler leur jeunesse à quelques trentenaires nostalgiques. Triste époque... et je caricature à peine. (des vidéos sont visibles ici)
Black Wire - Black Wire (48 Crash)
On parle peu de l'envers du décor de la scène indé anglaise. Pourtant, pour chaque groupe rencontrant le succès, il y en a 100 qui restent dans l'anonymat. Début 2004, Bloc Party et Black Wire étaient deux groupes au statut équivalent, entourés d'un buzz naissant sur la base d'un ou deux singles prometteurs que l'on s'échangeait avec excitation sur les réseaux p2p. Aujourd'hui, Bloc Party vend des disques par camions entiers tandis que les membres de Black Wire soignent leurs illusions déçues dans des appartements deux-pièces (ils n'en sont pas encore tout à fait là mais on fera comme si pour l'efficacité de la démonstration). Il serait rassurant de se dire qu'il s'agit là d'une forme normale de Darwinisme culturel. Les groupes disposant des meilleures chansons survivent en écrasant ceux dont les morceaux sont plus malingres ou moins efficaces, et assurent ainsi la pérennité du genre. Un documentaire animalier dirait sans doute qu'il s'agit là d'une manifestation de la beauté sauvage et de l'impitoyable cruauté de la nature. On peut néanmoins se demander à quoi tient cette différence de destin. A la qualité intrinsèque des chansons (si tant est qu'une telle chose puisse exister) ? Les chansons de Black Wire sont-elle vraiment moins bonnes que celles de Kaiser Chiefs (Hard To Love Easy To Lay) ou de Bloc Party (Smoke and mirrors) ? Pas sûr. Ce qui a peut-être manqué à Black Wire, plus prosaîquement, c'est un peu de chance, un environnement favorable et quelques connexions dans les médias. On peut s'émouvoir de l'injustice de ce processus de sélection mais il n'y a pas grand-chose que l'on puisse faire pour l'influencer. A mon niveau, je peux juste espérer que, lorsque les trois membres de Black Wire repenseront dans dix ans à cette période de leur vie, ils seront fiers d'avoir écrit et enregistré des chansons aussi parfaites que Attack! Attack! Attack! et surtout The Face (la chanson qu'Electric Six aurait pu sortir s'ils avaient eu le moindre talent), mais je doute que ça leur soit d'un quelconque réconfort. (voir également ici)
Ryan Teague - Six preludes (Type)
Chaque année semble nous réserver au moins un disque inclassable, à la frontière entre electronica, bande originale de film et "nouvelles musiques" (de Philip Glass à Arvo Pärt disons). L'année dernière, c'était Max Richter et l'année d'avant Jonny Greenwood. Cette année, c'est au tour de Ryan Teague, dont l'album est à la fois moins disparate que celui de Jonny Greenwood et plus aventureux que celui de Max Richter. On y entend pêle-mêle des blips synthétiques, du violon, de la clarinette, de la guitare et quelques touches de voix et de violoncelle. L'ensemble forme un tapis sonore enveloppant qui évolue lentement mais évite la plupart des clichés new-age (dans lesquels sombrait parfois Max Richter). Un recours fréquent à la dissonance notamment rend ce disque bien moins lénifiant que ce que ma description pourrait laisser penser, ce qui ne l'empêche pas d'être le remède parfait pour lutter contre les endormissements difficiles, et c'est un compliment. (extraits ici)
Les albums de 2005 (XV)
Art Brut - Bang Bang Rock&Roll (Fierce Panda)
En général, je forge mes opinions sur un groupe en me basant essentiellement sur la musique. Les paroles m'intéressent assez peu et j'essaie autant que possible de faire abstraction de l'image du groupe. Cela dit, toute règle a ses exceptions et je n'ai aucun scrupule à avouer que j'aime surtout Art Brut pour les textes et la vision de la musique qu'ils véhiculent. Le fait que la musique soit très bonne est essentiellement un plus. On pourrait la décrire comme un mélange de comedy-punk basique et d'art-rock anguleux. Ca ne voudrait pas dire grand-chose mais le groupe lui-même ne sachant pas à quel genre il appartient, je vois mal comment je pourrais prétendre être mieux informé. (voir aussi ici)
Minotaur Shock - Maritime (4AD)
2005 n'a pas été une grand cru pour 4AD. L'album de Magnetophone, notamment, m'a déçu. Leur sortie la plus intéressante est donc sans doute cet album de Minotaur Shock, le projet d'un certain David Edwards, dont je ne sais rien si ce n'est qu'il semble être incapable de choisir son camp entre Mylo et Michael Nyman. Cette indécision se révèle finalement plutôt payante. Alors que, pris séparément, ces deux pôles n'ont qu'un intérêt limité, leur mélange fournit un hybride intrigant où nappes électroniques et riffs acoustiques (clarinette, flûte, violon, etc...) cohabitent sans jamais vraiment fusionner. Malheureusement, le disque ne fait que rarement le saut de simplement "intrigant" vers "passionnant" et l'intérêt éveillé une minute se maintient rarement durant les cinq suivantes. Le disque souffre en fait surtout du fait que les morceaux y tiennent très rarement leurs promesses. Vigo Bay par exemple débute avec une rythmique de folie comme les Chemical Brothers rêveraient de savoir encore en produire mais bifurque bien vite vers un pastiche de Mike Oldfield (période Incantations). Six Foolish Fishermen commence comme un morceau d'electronica-ambient à la Boards of Canada (wééé !) mais finit par sonner comme du Level 42 instrumental (bouh !). Il n'y a guère que Muesli et Somebody once told me.. qui parviennent à me séduire dans la longueur. Un curiosité donc, regorgeant d'instants très réussis, mais pas complètement satisfaisante dans la longueur.
Devendra Banhart - Cripple Crow (XL Recordings)
Devendra Banhart revient ici avec un nouvel album qui est à la fois long (plus de 74 minutes) et plus riche que les précédents. Le folk minimaliste des débuts laisse la place à des morceaux plus amples, plus ambitieux dans leur orchestration. J'y retrouve en vrac des traces de pop 60s (Lazy Butterfly commence comme une chanson très connue que je ne parviens pas à identifier), de chanson sud-américaine (Santa Maria da Feira) et de rock'n'roll primitif (I feel like just a child), sans compter d'évidents emprunts à certains de ses glorieux ainés, comme Leonard Cohen pour Dragonflys ou Tim Buckley pour Cripple Crow (essentiellement une variation autour de I Must Have Been Blind). Certes, un album aussi long (22 chansons) ne peut jamais être parfait de bout en bout et arrive toujours un moment de légère saturation où la qualité d'écoute diminue et où on souhaiterait passer à autre chose mais, dans l'ensemble, il s'agit sans doute de l'album de Devendra Banhart que je préfère, peut-être parce que cet album est plus polissé, plus pop et moins brut (ce qui expliquerait peut-être pourquoi il a déçu certains fans de la première heure) ou simplement parce que cette année m'a trouvé plus sensible à ce genre de musique.
En général, je forge mes opinions sur un groupe en me basant essentiellement sur la musique. Les paroles m'intéressent assez peu et j'essaie autant que possible de faire abstraction de l'image du groupe. Cela dit, toute règle a ses exceptions et je n'ai aucun scrupule à avouer que j'aime surtout Art Brut pour les textes et la vision de la musique qu'ils véhiculent. Le fait que la musique soit très bonne est essentiellement un plus. On pourrait la décrire comme un mélange de comedy-punk basique et d'art-rock anguleux. Ca ne voudrait pas dire grand-chose mais le groupe lui-même ne sachant pas à quel genre il appartient, je vois mal comment je pourrais prétendre être mieux informé. (voir aussi ici)
Minotaur Shock - Maritime (4AD)
2005 n'a pas été une grand cru pour 4AD. L'album de Magnetophone, notamment, m'a déçu. Leur sortie la plus intéressante est donc sans doute cet album de Minotaur Shock, le projet d'un certain David Edwards, dont je ne sais rien si ce n'est qu'il semble être incapable de choisir son camp entre Mylo et Michael Nyman. Cette indécision se révèle finalement plutôt payante. Alors que, pris séparément, ces deux pôles n'ont qu'un intérêt limité, leur mélange fournit un hybride intrigant où nappes électroniques et riffs acoustiques (clarinette, flûte, violon, etc...) cohabitent sans jamais vraiment fusionner. Malheureusement, le disque ne fait que rarement le saut de simplement "intrigant" vers "passionnant" et l'intérêt éveillé une minute se maintient rarement durant les cinq suivantes. Le disque souffre en fait surtout du fait que les morceaux y tiennent très rarement leurs promesses. Vigo Bay par exemple débute avec une rythmique de folie comme les Chemical Brothers rêveraient de savoir encore en produire mais bifurque bien vite vers un pastiche de Mike Oldfield (période Incantations). Six Foolish Fishermen commence comme un morceau d'electronica-ambient à la Boards of Canada (wééé !) mais finit par sonner comme du Level 42 instrumental (bouh !). Il n'y a guère que Muesli et Somebody once told me.. qui parviennent à me séduire dans la longueur. Un curiosité donc, regorgeant d'instants très réussis, mais pas complètement satisfaisante dans la longueur.
Devendra Banhart - Cripple Crow (XL Recordings)
Devendra Banhart revient ici avec un nouvel album qui est à la fois long (plus de 74 minutes) et plus riche que les précédents. Le folk minimaliste des débuts laisse la place à des morceaux plus amples, plus ambitieux dans leur orchestration. J'y retrouve en vrac des traces de pop 60s (Lazy Butterfly commence comme une chanson très connue que je ne parviens pas à identifier), de chanson sud-américaine (Santa Maria da Feira) et de rock'n'roll primitif (I feel like just a child), sans compter d'évidents emprunts à certains de ses glorieux ainés, comme Leonard Cohen pour Dragonflys ou Tim Buckley pour Cripple Crow (essentiellement une variation autour de I Must Have Been Blind). Certes, un album aussi long (22 chansons) ne peut jamais être parfait de bout en bout et arrive toujours un moment de légère saturation où la qualité d'écoute diminue et où on souhaiterait passer à autre chose mais, dans l'ensemble, il s'agit sans doute de l'album de Devendra Banhart que je préfère, peut-être parce que cet album est plus polissé, plus pop et moins brut (ce qui expliquerait peut-être pourquoi il a déçu certains fans de la première heure) ou simplement parce que cette année m'a trouvé plus sensible à ce genre de musique.
lundi, février 13
Adam Green en session acoustique...
...ici. Pour le reste, je ne suis pas encore remis du festival Fat Cat mais j'ai bon espoir de retrouver un rythme biologique normal d'ici quelques jours.
jeudi, février 9
Je vous raconterai...
Les albums de 2005 (XIV)
Missy Elliott - The Cookbook (Atlantic)
Il y a beaucoup de choses que je n'aime guère dans le rap américain mainstream : un terrifiant esprit de sérieux (du moins en façade), une prétention infinie, une esthétique gangsta empreinte d'un matérialisme mortifère (si je continue à utiliser des expressions pareilles, je suis mûr pour m'abonner à Télérama), etc... Même des rappeurs unanimement appréciés me semblent souvent avoir un 'flow' d'endives trop cuites (Jay-Z principalement) et je suis donc depuis longtemps résigné à être totalement en-dehors du coup (quoique les quelques chansons de Kanye West que j'ai entendues cette année m'ont aguiché l'oreille). Heureusement, Missy Elliott m'a toujours semblé être un peu à part par sa capacité à produire un rap qui plait à ceux que le genre indiffère, sans doute grâce à l'injection d'une bonne dose d'humour et d'un petit grain de folie (manifeste notamment dans ses vidéos). Le seul album de Missy Elliott que je connaissais jusqu'à présent était le déjà très bon Miss E... so addictive. Ici, Timbaland se fait nettement plus discret (deux titres seulement), laissant la place à une armée de producteurs dont la plupart me sont totalement inconnus. En conséquence, cela part un peu dans tous les sens, alternant rap pur (Lose Control) et chansons plus soul (Irresistible Delicious rappelle l'époque où Destiny's Child était encore un groupe intéressant), et utilisant une palette de sons très étendues (de quelques notes de harpe dans 4 my man à un sample de Apache des Shadows dans We run this). Comme toujours sur les disques de rap, les invités sont nombreux avec notamment Ciara, Mary J. Blige, M.I.A. et (l'insupportable) Fat Man Scoop. M'intéressant en règle générale assez peu aux paroles, je n'ai pas la moindre idée de ce que ça raconte (même si les multiples allusions à un "magic stick" dans Meltdown paraissent assez claires) mais aucune des 16 plages de l'album n'est ennuyeuse et c'est en gros tout ce que je demande d'un disque. En plus, le livret est plein d'enseignements. Je sais à présent que Stuart Price n'a pas écrit le "Music makes you lose control" que je lui avais un peu vite attribué (bien que personne d'autre ne soit crédité sur l'album des Rythmes Digitales....un mystère de plus).
Sigur Ros - Takk (EMI)
Aaah, Sigur Ros ! Le son du vent s'engouffrant dans des gorges à la végétation rare, paysages lunaires jonchés de rochers déchiquetés aux arêtes coupantes comme des scalpels ! Les plaines recouvertes à perte de vue d'une neige rendue compacte par la pesanteur immobile et glacée d'une longue nuit d'hiver ! Le reflet incertain d'un bas soleil de midi dardant par-delà l'océan des rayons qu'un geyser scintillant d'écume décompose en éclats de couleurs pâles. En pratiquant un "post-rock" lyrique qui ne recule pas devant le pathos, Sigur Ros prête le flanc aux descriptions les plus consternantes. Succomber à ce douteux penchant représente sans doute un moyen commode d'exprimer ma désillusion envers les albums d'un groupe que je n'ai jamais pu réellement apprécier qu'en live. Sur disque, la voix de Jonsi souffre de ne plus s'enraciner dans un visage et de ne plus s'incarner dans un corps qui mette à nu la douleur de sa naissance. Du coup, les disques de Sigur Ros paraissent presque trop lisses, ne révélant que la part la plus conventionnellement jolie de leur art. Cela dit, une fois ces réserves faites, cet album ne démérite pas face aux précédents (surtout sa seconde moitié, quasi-parfaite). Ils n'ont jamais aussi bien utilisé les cordes que sur Andvari. Gong est sans doute la meilleure pop-song qu'ils aient jamais écrite et des morceaux comme Sorglopur (orth?) ou Milano font depuis longtemps partie des sommets de leur répertoire en concert. En fait, les passages de l'album qui me plaisent le plus sont ceux qui me rappellent le plus directement les versions live. Dommage dès lors qu'ils profitent parfois du confort de leur studio pour laisser libre cours à leurs pulsions de surproduction, notamment sur Hoppipolla ou Se lest où des cuivres de fanfare viennent alourdir inutilement le propos.
The Dead 60s - The Dead 60s (Delasonic)
J'attendais ce premier album avec appréhension car les faces B des premiers singles (des expériences de dub jusqu'au-boutiste) m'avaient semblé assez indigestes (on en retrouve d'ailleurs la trace sur le CD bonus) et fait douter de leur capacité à tenir sur la longueur le niveau de Riot Radio. Finalement, j'avais tort de m'inquiéter et l'album remplit parfaitement son pari. Il ne mérite ni les chroniques assassines lues ici ou là ni la dithyrambe hallucinante de Magic (qui y voyait l'avenir de la pop anglaise). J'entends souvent dire que toute la pop indé britannique actuelle (de Franz Ferdinand à Bloc Party) n'est qu'une resucée éhontée des groupes post-punks de la fin des années 70 ou du début des années 80. Connaissant très mal Gang of Four par exemple (le groupe le plus souvent cité), le caractère apparemment passéiste de toute cette nouvelle vague anglaise ne m'avait jamais réellement gêné. Il n'en est pas de même avec les Dead 60s dont les influences m'apparaissent évidentes. Riot Radio (mon single préféré de 2004 soit dit en passant) est pur Clash, Red Light et Control This sont farouchement Specials et Ghostface Killah est du Madness "un pas au-delà". Je pense aussi souvent à Public Image Limited. Au final, cet album est essentiellement un moyen agréable de réviser son ska en 13 leçons, ce qui en fait plutôt une bonne affaire.
Il y a beaucoup de choses que je n'aime guère dans le rap américain mainstream : un terrifiant esprit de sérieux (du moins en façade), une prétention infinie, une esthétique gangsta empreinte d'un matérialisme mortifère (si je continue à utiliser des expressions pareilles, je suis mûr pour m'abonner à Télérama), etc... Même des rappeurs unanimement appréciés me semblent souvent avoir un 'flow' d'endives trop cuites (Jay-Z principalement) et je suis donc depuis longtemps résigné à être totalement en-dehors du coup (quoique les quelques chansons de Kanye West que j'ai entendues cette année m'ont aguiché l'oreille). Heureusement, Missy Elliott m'a toujours semblé être un peu à part par sa capacité à produire un rap qui plait à ceux que le genre indiffère, sans doute grâce à l'injection d'une bonne dose d'humour et d'un petit grain de folie (manifeste notamment dans ses vidéos). Le seul album de Missy Elliott que je connaissais jusqu'à présent était le déjà très bon Miss E... so addictive. Ici, Timbaland se fait nettement plus discret (deux titres seulement), laissant la place à une armée de producteurs dont la plupart me sont totalement inconnus. En conséquence, cela part un peu dans tous les sens, alternant rap pur (Lose Control) et chansons plus soul (Irresistible Delicious rappelle l'époque où Destiny's Child était encore un groupe intéressant), et utilisant une palette de sons très étendues (de quelques notes de harpe dans 4 my man à un sample de Apache des Shadows dans We run this). Comme toujours sur les disques de rap, les invités sont nombreux avec notamment Ciara, Mary J. Blige, M.I.A. et (l'insupportable) Fat Man Scoop. M'intéressant en règle générale assez peu aux paroles, je n'ai pas la moindre idée de ce que ça raconte (même si les multiples allusions à un "magic stick" dans Meltdown paraissent assez claires) mais aucune des 16 plages de l'album n'est ennuyeuse et c'est en gros tout ce que je demande d'un disque. En plus, le livret est plein d'enseignements. Je sais à présent que Stuart Price n'a pas écrit le "Music makes you lose control" que je lui avais un peu vite attribué (bien que personne d'autre ne soit crédité sur l'album des Rythmes Digitales....un mystère de plus).
Sigur Ros - Takk (EMI)
Aaah, Sigur Ros ! Le son du vent s'engouffrant dans des gorges à la végétation rare, paysages lunaires jonchés de rochers déchiquetés aux arêtes coupantes comme des scalpels ! Les plaines recouvertes à perte de vue d'une neige rendue compacte par la pesanteur immobile et glacée d'une longue nuit d'hiver ! Le reflet incertain d'un bas soleil de midi dardant par-delà l'océan des rayons qu'un geyser scintillant d'écume décompose en éclats de couleurs pâles. En pratiquant un "post-rock" lyrique qui ne recule pas devant le pathos, Sigur Ros prête le flanc aux descriptions les plus consternantes. Succomber à ce douteux penchant représente sans doute un moyen commode d'exprimer ma désillusion envers les albums d'un groupe que je n'ai jamais pu réellement apprécier qu'en live. Sur disque, la voix de Jonsi souffre de ne plus s'enraciner dans un visage et de ne plus s'incarner dans un corps qui mette à nu la douleur de sa naissance. Du coup, les disques de Sigur Ros paraissent presque trop lisses, ne révélant que la part la plus conventionnellement jolie de leur art. Cela dit, une fois ces réserves faites, cet album ne démérite pas face aux précédents (surtout sa seconde moitié, quasi-parfaite). Ils n'ont jamais aussi bien utilisé les cordes que sur Andvari. Gong est sans doute la meilleure pop-song qu'ils aient jamais écrite et des morceaux comme Sorglopur (orth?) ou Milano font depuis longtemps partie des sommets de leur répertoire en concert. En fait, les passages de l'album qui me plaisent le plus sont ceux qui me rappellent le plus directement les versions live. Dommage dès lors qu'ils profitent parfois du confort de leur studio pour laisser libre cours à leurs pulsions de surproduction, notamment sur Hoppipolla ou Se lest où des cuivres de fanfare viennent alourdir inutilement le propos.
The Dead 60s - The Dead 60s (Delasonic)
J'attendais ce premier album avec appréhension car les faces B des premiers singles (des expériences de dub jusqu'au-boutiste) m'avaient semblé assez indigestes (on en retrouve d'ailleurs la trace sur le CD bonus) et fait douter de leur capacité à tenir sur la longueur le niveau de Riot Radio. Finalement, j'avais tort de m'inquiéter et l'album remplit parfaitement son pari. Il ne mérite ni les chroniques assassines lues ici ou là ni la dithyrambe hallucinante de Magic (qui y voyait l'avenir de la pop anglaise). J'entends souvent dire que toute la pop indé britannique actuelle (de Franz Ferdinand à Bloc Party) n'est qu'une resucée éhontée des groupes post-punks de la fin des années 70 ou du début des années 80. Connaissant très mal Gang of Four par exemple (le groupe le plus souvent cité), le caractère apparemment passéiste de toute cette nouvelle vague anglaise ne m'avait jamais réellement gêné. Il n'en est pas de même avec les Dead 60s dont les influences m'apparaissent évidentes. Riot Radio (mon single préféré de 2004 soit dit en passant) est pur Clash, Red Light et Control This sont farouchement Specials et Ghostface Killah est du Madness "un pas au-delà". Je pense aussi souvent à Public Image Limited. Au final, cet album est essentiellement un moyen agréable de réviser son ska en 13 leçons, ce qui en fait plutôt une bonne affaire.
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