Oh, un nouveau jouet !!

Depuis tout petit, je me dis que animateur et/ou programmateur sur une radio musicale, c'est un peu le boulot rêvé de tout qui vit un peu intensément son rapport à la musique enregistrée. Et pourtant, je n'avais jamais ressenti jusqu'à récemment l'envie de m'y essayer, sans doute parce que l'occasion ne s'est jamais présentée.

Et puis au début de cette année, devant organiser un blind-test pour un groupe d'amis, j'ai dû apprivoiser des logiciels de montage sonore, de découpe et d'édition de mp3, ce qui m'a permis de me rendre compte que, finalement, ce n'était pas techniquement si difficile d'enchaîner quelques morceaux et d'enregistrer des voix pour les relier.

Depuis lors, cette envie de créer mon propre programme musical n'a fait que croître, jusqu'à sa concrétisation cette semaine.

Le premier écueil fut de décider le type d'émission que je voulais faire : sur un thème, rétrospective sur un artiste, concentrée sur les nouveautés, sur les vieilleries. J'ai rapidement décidé de ne pas marcher sur les plates-bandes de podcasts déjà bien installés et que j'apprécie. Pour les nouveautés plus ou moins confidentielles, il existe déjà Diagonales et Substance, tous les deux indispensables. Je ne vois pas ce que je pourrais ajouter dans le domaine de l'éclectisme thématique aux formidables Inspecteurs des Riffs,  et je ne cite ici que des podcast de ma province.

J'ai donc choisi de ne pas trop me spécialiser dans un premier temps, de laisser toutes les portes ouvertes, au gré de l'inspiration. Seule chose sur laquelle j'ai une certitude : l'éclectisme régnera en maître. Je tenterai de ne pas me laisser dicter ma conduite par les ayatollahs du bon goût et de la crédibilité, me fiant à mon seul goût, quitte à surprendre et déconcerter. S'il est peu probable que de nombreux électeurs se retrouveront dans l'ensemble de la programmation. Il est à espérer que chacun pourra se raccrocher à l'un ou l'autre morceau.

Ce premier essai m'a aussi permis de prendre conscience que créer une émission d'une heure, même en n'ayant pas d'exigences techniques démesurées est un gros travail, et qui plus est assez ingrat, certainement bien plus ingrat que celui d'écrire un billet de blog, même long, où apparaît naturellement le plaisir de la manipulation (plus ou moins) respectueuse du langage, du sens qui se révèle lentement au fil des réécritures, etc.. J'éprouve un plaisir nettement plus faible à me dépatouiller de problèmes techniques ou informatiques.

Je ne sais dès lors pas trop à quelle fréquence l'expérience sera amenée à se reproduire. Je suppose que cela dépendra en partie de l'intérêt qu'elle suscite.

Pour l'instant, je suis preneur de toutes les remarques que vous pourriez me faire : longueur de l'émission, débit de la voix, qualité technique du son, enchaînement des séquences, longueur des morceaux, bruit de fond, prononciation des mots anglais, etc.. Mon envie d'apprendre n'a ici d'égale que mon besoin d'apprendre.

Je commence, en listant les choses qui sont déjà manifestement à améliorer :
- Malgré tous mes efforts pour les rendre aussi neutres que possible, certaines de mes interventions sonnent sans doute encore terriblement prétentieuses (la prétention des animateurs a déjà tué pour moi plus d'un podcast). C'est une lutte permanente.
- Il faut vraiment que je fasse attention à mes "r" en anglais. Ils ont une fâcheuse tendance à se muer en "w"
- Étais-je vraiment obligé de prononcer "fukd" avec cette intonation gourmande du chenapan tout émoustillé par son usage d'un gros mot ?
- Pour des raisons que j'ignore, le bruit de fond lors des séquences parlées a été multiplié par trois aux environs de la moitié de l'émission... Si quelqu'un a une explication, je suis preneur (j'utilise pour l'instant Audacity, qui a l'avantage d'être gratuit et de proposer toutes les options dont je pourrai avoir besoin)

Pour finir, une question plus pratique. Dois-je m'inquiéter des droits à la SABAM pour mon misérable petit mixcloud perdu au milieu du grand vilain Internet, qui regorge d'albums complets disponibles en téléchargement gratuit ?

Le lien vers la première émission de Popapapop (tu piges ?) est ici. La playlist est disponible en suivant le même lien.

Popapapop #1 by Jdcjdr on Mixcloud

Pet Shop Boys - Electric (III)

8 - Thursday (7/10)

Le type même de la chanson schizophrène, Thursday englobe à la fois le zénith et le nadir de l'album. Les couplets, particulièrement les "Over, Over, Over" répétés ad nauseum sont très pénibles, à la fois par la maladresse de leur composition que par la manière forcée dont Neil les chante. En revanche, les refrains sont très bons, particulièrement l'énumération des jours par Chris (mais bon, depuis Paninaro, toute énumération de Chris est par définition un grand moment).

Cela étant dit, je ne peux m'empêcher de penser que les paroles sont embarrassantes. A 60 ans passés, quand on n'a plus connu une seule semaine de travail lundi-vendredi métro-boulot-dodo depuis presque 25 ans, le week-end n'est plus depuis longtemps synonyme de repos bien mérité. Dès lors, est-il encore bien raisonnable d'écrire une ode aux long weekends romantico-festifs ? Certains diront que romance et esprit de fête sont les sujets pop par exemple et que, quel que soit l'âge de l'interprète, le genre demande ce type de paroles, hédonistes et vides de sens. Peut-être est-ce vrai (l'exemple de ces cinquante dernières années semblerait le confirmer), mais le groupe a suffisamment clamé vouloir représenter "Che Guevara et Debussy to a disco beat" pour que l'on puisse légitimement se sentir trahi par ce "party romance and D. Guetta to a cheap dance beat".

Example, présent ici en featuring, est un artiste insituable, assez peu connu me semble-t-il par ici mais superstar en Angleterre (signe qui ne trompe pas : il a épousé une top-model). Je ne sais trop si je dois voir en lui un producteur de dance, un rappeur ou un chanteur pop. Je ne sais même pas comment il se définirait lui-même. J'avoue apprécier Changed The Way You Kissed Me, très efficace dans le genre pop-dance-hands-in-the-air (un peu comme Titanium de David Guetta.... je n'ai jamais caché mes faiblesses) mais j'ai aussi eu la malchance en juin dernier de zapper sur son concert à Glastonbury, qui faisait peine à voir. Toutes les chansons se ressemblaient et ses efforts, de plus en plus désespérés, pour susciter des réactions de la foule donnaient vraiment l'impression d'un artiste au bout du rouleau, tordant désespérément son petit torchon créatif jusqu'à s'en écorcher les paumes pour en extraire une dernière goutte de succès.

L'annonce de sa participation à l'album m'avait donc un peu inquiété. C'était sans doute un bon moyen de se donner de la visibilité chez "les jeunes", cette tranche du public pop que les PSB n'ont plus touchée depuis au moins quinze ans, mais ne risquaient-ils pas ce faisant de perdre leurs derniers restes de crédibilité ? En fait non, je dois dire que la collaboration fonctionne étonnamment bien, pas tant pour le rap, poussif, que pour la partie chantée qui suit, qui forme un parfait contrepoint au refrain.

 

9 - Vocal (7,5/10)

De toutes les chansons de l'album, c'est de celle-ci que le groupe est le plus fier. Ils l'ont souvent citée comme faisant partie des sommets de leur carrière. Je peux en partie comprendre pourquoi : il s'agit d'une de ces rares chansons dont la construction, le propos et le style sont en parfaite adéquation. La chanson rend hommage au format pop classique, chanté, à l'euphorie temporaire qu'une voix, une mélodie peuvent provoquer lorsqu'on les entend sur une piste de danse, dans une soirée entre amis, ou même simplement dans des écouteurs de son lecteur mp3.

Cette notion d'extase auditive est ici portée par une construction en couches successives, avec des harmonies essentiellement montantes, qui symbolisent la lente montée de l'auditeur vers le nirvana, ces quelques secondes magiques où les meilleures chansons pop parviennent à faire fusionner le plaisir du son, de la mélodie et du rythme, l'air du temps et un sentiment, vague mais indiscutable, que l'instant présent contient des germes d'éternité.

Cette insistance sur la présence de voix (Vocal) exprime sans doute aussi en catimini leurs regrets devant une pop moderne devenue plus générique, moins personnelle, qui se contente d'exprimer des sentiments vagues et génériques et n'est plus l'expression d'individus, parlant avec leur vraie voix (sans vocoder ou auto-tune) de sentiments qui leur sont propres (comme ce fut le cas durant cette décennie bénie que fut 1977-1987). Il est dommage dans ces conditions que la production sur Vocal s'abandonne aux pires tics de la dance contemporaine. Les coups de marteau-piqueur de synthés à 3:09 par exemple sont typiques de l'EDM actuelle (Calvin Harris et David Guetta en tête) et, à ce titre, symbolisent sans doute la pop actuelle dans ce qu'elle a de plus industriel. Je rêve d'entendre une version de ce morceau qui serait plus dépouillée, plus minimale. Ce propos, cette mélodie et ces harmonies méritent mieux qu'un son calibré pour les virées en décapotable sur les plages d'Ibiza. Dommage que, dans la flopée de remixes officiels, pas un ne soit parvenu à habiller le morceau avec la simplicité qu'il requiert et qui fait cruellement défaut dans cette version album.

 



Une moyenne arithmétique me donne finalement une note globale d'environ 7 pour l'album, qui me semble une mesure assez fidèle de ce que je pense. Chacun de ces morceaux pris individuellement (sauf Bolshy) sont de bonne facture. Ils remplissent tous les objectifs qui leur ont été assignés : faire danser, sonner moderne, en mettre plein les oreilles, etc...

C'est en considérant l'album dans son ensemble que je me surprends à regretter l'oblitération de toute une palette de sentiments que le groupe a si souvent su magnifier : la mélancolie, le regret, la distance, l'ironie. C'est un disque optimiste, hédoniste, volontariste, sûr de lui et de ses effets, mais sans nuances, sans vision et sans réelle humanité. A ce titre, il représente un virage que je ne suis pas sûr d'approuver et le fait qu'ils n'avaient plus reçu d'aussi bonnes critiques depuis vingt ans me fait craindre qu'ils ne persistent dans cette direction à l'avenir. L'ère des Invisible, des Rent ou des The Way It Used To Be est peut-être définitivement révolue.

Pet Shop Boys - Electric (II)

4 - Fluorescent (9/10)

Les paroles célèbrent la vie facile d'un(e) jet-setter, croisant de riches oligarques (sans doute russes) dans le luxe et la futilité des soirées privées, ivre de jeunesse, d'argent et de succès. La musique en revanche est sombre, inquiétante, obsédante, pleine d'échos, de gémissements et de lents glissandos de synthés qui augmentent encore l'impression d'instabilité qui s'en dégage. Ce contraste est sans doute censé signifier que le succès et la jeunesse n'ont qu'un temps (quelqu'un a des nouvelles de Paris Hilton ?) et que l'obscurité et l'oubli lui tendront bientôt les bras. En cela, Fluorescent rejoint la longue série des chansons écrites par le groupe sur le thème du vieillissement et de l'inconstance du succès, mais avec moins d'empathie que sur Invisible par exemple, et dans un registre plus ironique que mélancolique.

Par ailleurs, le timbre de voix de Neil Tennant perd depuis quelques années beaucoup de sa richesse dans les aigus, ce qui fait que les producteurs les plus avisés l'encouragent de plus en plus souvent à utiliser son registre grave, en général de manière très efficace, comme le prouve encore ce morceau. Je ne désespère pas d'entendre un jour un album où il ne chanterait plus que comme ça.



5 - Inside A Dream (6/10)

Une des chansons les plus frustrantes de l'album. Elle "sonne" très bien, avec une basse syncopée et entêtante comme ils n'en avaient plus enregistré depuis longtemps, mais on se rend malheureusement vite compte que la chanson n'a pas grand chose à dire, à la fois dans les textes (en gros, tout, même la musique, semble meilleur et un peu bizarre durant la nuit, dans les rêves) et dans le développement musical : les transitions entre couplet et refrain sont laborieuses et les deux moitiés de la chanson sont quasiment identiques, sans progression discernable. Inside A Dream est une de ces chansons qui auraient pu faire il y a vingt-cinq ans une face B de bon calibre (genre Was That Was It Was?, même si cette dernière est par ailleurs une meilleure chanson) mais souffre de voir son manque de substance ainsi exposé dans l'écrin d'un album.



6 - The Last To Die (8/10)

L'opposition entre pop et rock a toujours été au centre des préoccupations de Neil Tennant qui ne s'est jamais privé en interview de railler l'esprit de sérieux des rockstars ou le simplisme de leurs mélodies et de leurs arrangements. Les anecdotes, possiblement apocryphes, où Neil Tennant et divers musiciens rock se chamaillent pour savoir quel genre domine l'autre, abondent (Bono aurait par ailleurs dit en entendant Where The Streets Have No Name pour la première fois, 'What have we done to deserve this?'). Cela dit, en vieillissant, ces guéguerres de chapelle ont tendance à s'éteindre. Pour preuve, il semblerait bien que cette reprise est un hommage (gasp !) sincère (double gasp !) à Bruce Springsteen.

Si on la compare au morceau original, une reprise permet souvent d'approcher au plus près des processus de création qui ont présidé à sa réalisation, voire parfois de discerner leurs motivations. C'est particulièrement le cas ici car les deux versions sont assez différentes. Outre l'utilisation attendue et inévitable d'électronique ou de percussions synthétiques (même si les sons de guitares distordus et filtrés aux alentours de 1:00 sont un hommage discret mais inspiré aux origines rock de la chanson), des lignes de texte sautent, parfois de manière compréhensible (Darling n'est pas un mot que Neil Tennant pourrait utiliser au premier degré), parfois pas (pourquoi supprimer The wise men were all fools ?). Les mélodies sont simplifiées (ou peut-être plus précisément "popifiées", les tics des deux genres étant sans doute plus différents d'un point de vue stylistique que qualitatif). Le riff de guitare du départ est réinventé en mélismes de synthé au milieu du morceau, etc..

On pourrait discuter des heures sur le caractère fondé ou non, nécessaire ou non, de ces différents changements pris individuellement mais force est de constater en écoutant le résultat de toutes ces modifications que la chanson trouve parfaitement sa place sur l'album, et plus généralement dans l'univers des PSB, ce qui en fait sans doute leur meilleure reprise depuis Always On My Mind.



Version de Springsteen : http://www.youtube.com/watch?gl=BE&v=HYnDXSbrHa4


7 - Shouting in the evening (7/10)

Le titre est inspiré par un grand acteur de théâtre (je ne suis plus sûr duquel, Michael Gambon ?) qui aurait décrit en ces mots son métier. Cela dit, ce sont à peu de choses près les seuls mots qu'on y entend, le morceau est essentiellement instrumental, qui, chose finalement plutôt rare dans la discographie du groupe, sonne contemporain de ce que l'on peut entendre aujourd'hui dans l'électronique "moyen public" (entre les niches Kompakt et Warp et l'EDM de stade de Skrillex, Tiestö et autres). On peut y sentir des réminiscences drum'n'bass, hardcore-techno, et même par moments dubstep (à partir de 2:30), qui s'enchaînent de manière très efficace. Il donne par conséquent un peu l'impression d'être un oasis de contemporanéité au milieu d'un album qui, malgré tous ses efforts pour être dans l'esprit du temps, sonne quand même souvent comme un album des PSB, et par conséquent un peu daté/vintage (ce n'est pas un reproche dans ma bouche).

Shouting In The Evening semble finalement nous dire : Regardez, on suit de près les dernières tendances, on peut même en imiter certaines, comme des exercices de style, mais on ne va pas pour autant renoncer au son qui nous caractérise depuis trente ans. Alors, en guise de compromis, on vous a rassemblé tout ça dans un morceau de cinq minutes, clos sur lui-même, comme un vivarium au milieu d'un zoo en plein air.

Au moins a-t-il ici le mérite de courir après l'époque de manière efficace (pour voir le côté négatif de cette recherche de contemporanéité, il faudra attendre le dernier morceau de l'album).

(la suite ici)  

Pet Shop Boys - Electric (I)

Les Pet Shop Boys n'ont jamais pour moi été un groupe à tubes, juste bons à sortir des singles de dance légère pour faire se trémousser les foules. Dans mon esprit, ce sont avant tout des songwriters qui pensent leur carrière sur le long terme et peuvent canaliser leur flux créatif sur plusieurs années (une "era") pour produire un ensemble cohérent de singles, de faces B, de morceaux d'albums, chaque catégorie ayant ses spécificités propres (même si leur incapacité à choisir les bons singles est un sujet de plaisanterie parmi les fans depuis presque 20 ans).

De ce point de vue, les dix dernières années ont été plutôt positives. Après trois albums patchworks (Bilingual, Nightlife, Release), où les style des nombreux producteurs invités étaient en compétition pour l'attention de l'auditeur, chaque nouvel album depuis Fundamental est une oeuvre homogène, pensée avec un producteur unique (Trevor Horn, Xeonamania, Andrew Dawson), avec une tonalité propre qui se déclinait naturellement dans le choix des singles, les interprétations live, les faces B, les vidéos, etc. (même si j'ai quelques réserves sur Elysium, qui peine selon moi à maintenir son unité de style).

Sur le papier, ce nouvel album continue sur cette lancée positive. Il a été pensé du début à la fin comme une collaboration avec Stuart Price (Les Rythmes Digitales, Zoot Woman, par ailleurs producteur pour Madonna ou remixeur à gages). Prenant le contre-pied d'Elysium, l'album précédent, il assume entièrement son côté dance, inspiré sans doute par le triomphe du genre au niveau mondial, en grande partie dû au goût soudain et inattendu pour l'EDM du grand public américain, resté jusque là assez rétif à toute forme de dance-music.

Les morceaux sont longs, comme à la grande époque d'Introspective, et clairement formatés pour les clubs (*). C'est sans doute là que se situe le problème pour moi. La communauté des fans des PSB a toujours été divisée entre les clubbers et les poppeux, entre les fans de remix trance et les amateurs de faces B expérimentales, entre ceux qui ne jurent que par le hi-NRG et ceux qui préfèrent les morceaux plus calmes et mélancoliques. Vous ne serez sans doute pas surpris d'apprendre que je me situe résolument dans la seconde catégorie. Je peux compter sur les doigts d'une main mes sorties en boîte(*) et ma pratique de la danse se limite à un dandinement intermittent et maladroit sur ma chaise, ou plus rarement debout, les deux pieds ne décollant alors jamais du sol. La musique pour moi parle avant tout à la tête, et pas aux membres, aux épaules ou au bassin, ce qui paraîtra sans doute à certains comme une limitation mais ne m'a jamais empêché de vivre intensément mon rapport à la chose musicale (c'était la minute Mireille Dumas).

Je joue de malchance car, pour la première fois depuis très longtemps, depuis leurs débuts serais-je même tenté de dire, les Pet Shop Boys ont sorti un album qui délaisse presque complètement la tête pour ne s'adresser qu'au reste du corps.

Voici donc le compte-rendu d'un disque de dance par quelqu'un qui n'aime pas la dance. Vous êtes libres de l'ignorer comme vous ignoreriez le billet d'humeur d'un tétraplégique qui ne comprendrait pas l'attrait de la nouvelle Wii ou d'un borgne qui se plaindrait que le cinéma 3D n'apporte vraiment rien de neuf.

1 - Axis (8/10)

La diffusion de cette vidéo quelques semaines avant la sortie de l'album était une déclaration d'intention plutôt prometteuse. 5 minutes 30 quasiment instrumentales, avec comme seules paroles des slogans simplistes du type "Electric Energy, e-electric energy, turn it on". Après trente secondes de mise en appétit s'installe une rythmique assez irrésistible, que certains trouveront sans doute un peu datée (le groupe ne s'éloigne jamais tout à fait de ses fondamentaux 80s et/ou disco), sur laquelle des couches sonores vont se superposer, jusqu'à une certaine forme de psyché-synth tourbillonnant (voir à 3:30, version album, par exemple). Cette complexification progressive du propos, le subtil contrepoint des chœurs font que même si cela reste un morceau formaté pour les clubs (*), il supporte assez bien l'écoute au casque. Placer ce titre en ouverture de l'album était une évidence. Il fonctionne parfaitement comme introduction, avant d'entrer dans le vif du sujet.



2 - Bolshy (4/10)

Dommage que le vif du sujet commence aussi platement : un refrain indigent, une modulation téléphonée que même Frédéric François aurait hésité à utiliser (à 2:11), un texte minimaliste et crétin qui ne dit absolument rien. Rarement chanson des Pet Shop Boys aura aussi clairement manifesté sa totale absence d'ambition. Le break plus percussif à 2:50 semble un instant prometteur, ce qui rend le retour de cet insupportable refrain cinquante secondes plus tard d'autant plus rageant. La seule qualité que je peux trouver à ce morceau est de m'avoir appris un nouveau mot (yeah!), qui plus est un nouveau mot qui ne se prononce pas comme on pourrait le croire (double yeah!). Au moins, le lexicophile anglopathe qui sommeille en moins y trouve-t-il son compte.



3 - Love Is A Bourgeois Construct (7,5/10)

Clairement sur papier la chanson la plus prometteuse. Les paroles (le titre est emprunté à David Lodge) sont du Neil Tennant à l'état pur (Schadenfreude, Karl Marx et Tony Benn dans une même chanson.... qui d'autre ?). Un ancien universitaire s'y complaît dans son insuccès professionnel et amoureux, préférant voir tous les aspects de la société contre lesquels il se heurte comme des aberrations vides de sens et se considérer comme le dernier rempart de la lucidité contre un formatage orwellien des mentalités. L'emprunt d'une mélodie de Purcell/Nyman fonctionne ici plutôt bien (ça n'a pas toujours été le cas, cfr Hold-On-gate sur le précédent album). Le problème ici est plutôt musical. Le beat est insistant, le son étriqué, la mélodie un peu plan-plan. Après trois couplets qui s'enchaînent sans relief, le refrain vient un peu relancer la machine, mais je ressors néanmoins de la chanson avec un sentiment de trop peu. J'aurais voulu plus de surprises, une occasion de vraiment m'enflammer. La chanson avait le potentiel d'être un des sommets de leur répertoire et se révèle juste correcte.



(* je ne sais trop si je dois dire dancing, club, boîte de nuit ou autre chose pour ne pas sembler trop prétentieux, trop ringard ou, pire, trop faux jeune. Remplacez par le terme qui vous semble coller le mieux à votre image de moi)

(la suite ici)

Dans les coulisses d'Alphaville

- Dites, les gars, ça fait un petit temps qu'on n'a plus eu de hits... Et si on faisait une chanson avec un refrain qui ressemble aux Sparks (esprit crédibilité, cœur de cible post-30, weird-pop, higher-educated). On ajouterait des backing vocals en imitant la voix de Morten Harket (esprit Madeleine Proust, post-30 European female). Ca commencerait par un sifflotement (esprit Vent du Changement, post-réunification, nostalgie conscientisée, Kohl sur les yeux). Enfin, pour ne pas oublier les plus jeunes, qui représentent selon le dernier sondage Facebook, 19,25% de nos fans, on mettra une grosse rythmique dance à la con derrière tout du long, histoire de ne dépayser personne.
- Cool. Y a que toi Marian, pour avoir des idées comme ça. T'es trop fort. C'est comme ce nom de groupe. Tu as vraiment vu ce film en noir et blanc ? J'ai essayé. J'ai compris que dalle. T'es un putain de génie, mec !
- Merci, merci.... Bon, ce petit melting-pot m'a l'air très bien. J'ai un bon pressentiment. Cela dit, faut pas que ça sonne trop groupe sur le retour qui pleure après son succès passé et qui est prêt à toutes les compromissions pour le retrouver. On n'est pas Modern Talking. On donnera à la chanson un titre ironique, comme quoi ce n'est pas aussi putassier que ça en a l'air. On pourrait l'appeler Discreet ou Understated, un titre qui fleure bon la modestie.
- J'ai encore une meilleure idée tiens. On va l'appeler Song For No One.
- Ah ouais. Pas mal. Le message est là. Non, on ne court pas après le tube. Mais personne c'est pas grand monde. Ne risque-t-on pas de penser qu'on ne croit pas à notre chanson, qu'on en a honte ?
- Pas faux, il faut quand même que les gens comprennent qu'on l'aime plutôt bien cette chanson, sinon ils vont partir avec l'impression que c'est nul, et ce serait un épouvantable gâchis d'aromates Sparksiens et d'ersatz vocal Mortenesque... On pourrait ajouter (But Myself) entre parenthèses. Ça sonne bien. Song For No One (But Myself), genre on a écrit une petite chanson entre nous, on l'aime bien, on vous la fait écouter par pure gentillesse. Si on pouvait vous la donner gratuitement et pas la vendre ce serait aussi bien. Pensez donc, une si petite chose... mais vous connaissez la situation : ces labels à l'agonie, ces magasins de disques en ligne ou en dur, avec leurs dents longues et leurs actionnaires assoiffés de millions, ils veulent tous se sucrer au passage. Il faut bien financer le processus. Donc on vous la vend, pas cher....enfin au prix habituel, mais n'oubliez pas que, au départ, c'était vraiment écrit juste pour nous, parce que, écrire des chanson entre nous, c'est notre truc. On est des artistes.....Allez, vendu. Parlons branding à présent. Est-ce que tous ces mélanges seront encore identifiables comme une chanson d'Alphaville ? Il ne faudrait pas que les gens ne sachent pas quel disque demander une fois dans le magasin. Faut quand même que ça sonne comme nous, hein ?
- Rassure-toi, m'fi, je chante toujours pareil, on me reconnaît tout de suite. Ma voix est toujours jeune et sonne comme une mélodie.
- Évidemment. Tu es le Pavarotti de l'électro-pop, je l'ai toujours dit.....Hé, mais c'est des titres à nous, ça. C'est fou, non ? Tu veux dire que tous nos tubes avaient une valeur prédictive ? Attends, je les passe en revue....... Pas sûr que nous ayons été si énormes que ça au Japon, si ?
- J'avais dit gros, pas énorme. Apprends l'anglais. Trois disques d'or. C'est gros, non ? Cela dit, dommage que l'on ne se connaissait pas ce pouvoir d'oracle à l'époque. On aurait pu écrire plein de singles formidables : Masters of The Universe, Filthy Rich, Dating Models, ou Peace on Earth. En fait, tout est parti en couilles, quand on a sorti Universal Daddy.. Je n'osais plus aller en boîte. Tous ces types louches en Pampers qui venaient me trouver en pleurant. C'était horrible.
- Allez courage, Marian. On est reparti du bon pied, là. Tu vas voir.

EDIT : Au final, n°50 en Allemagne, inconnu partout ailleurs. Bien ouéj, les gars.

Chronique geek.

Écouter Exile, le deuxième album de Hurts, tellement inférieur au précédent qu'on en vient à douter qu'ils soient l'œuvre du même groupe, et se rappeler irrésistiblement ce passage de Lovecraft, tiré de Les Montagnes Hallucinées.

En reprenant notre marche, nous jetâmes un rayon de la torche sur les murs du tunnel, et nous nous arrêtâmes brusquement, stupéfaits du changement radical survenu dans les sculptures de cette partie du passage. Nous étions conscients, bien sûr, de la nette dégradation de la sculpture des Anciens à l’époque du creusement des tunnels et nous avions noté aussi le travail inférieur des arabesques dans les parties précédentes. Mais à présent, dans cette zone plus profonde au-delà de la caverne, une soudaine différence décourageait toute explication – une différence fondamentale, de nature aussi bien que de simple qualité, et supposant une régression si profonde et si désastreuse du savoir-faire que rien, dans les signes de déclin observés précédemment, ne pouvait le faire prévoir.

Ce nouvel art dégénéré était grossier, prétentieux et manquait totalement de finesse dans les détails. Il était creusé à une profondeur excessive, en bandes selon la même ligne générale que les cartouches répartis dans les anciennes séries, mais la hauteur des reliefs n’atteignait pas le niveau de la surface. Danforth pensait qu’il s’agissait d’une seconde gravure – une sorte de palimpseste obtenu par oblitération du dessin primitif. C’était essentiellement décoratif et conventionnel et consistait en spirales et en angles qui suivaient grossièrement la tradition mathématique du quintile des Anciens, bien qu’il s’agisse plus d’une parodie que d’un prolongement de cette tradition. Nous ne pouvions nous ôter de l’esprit que quelque facteur foncièrement étranger s’était ajouté au sentiment esthétique, derrière la technique – élément étranger, selon Danforth, qui était responsable de cette substitution manifestement laborieuse. C’était semblable et pourtant bizarrement différent de ce que nous avions appris à reconnaître pour l’art des Anciens ; et me revenaient sans cesse à la mémoire ces œuvres hybrides comme les sculptures maladroites de Palmyre à la manière romaine. 

Peut-être Theo et Adam sont-ils morts et leurs corps colonisés par des lézards et des poulpes colossaux issus d'un monde d'avant le monde, se trémoussant au son de la flûte ténébreuse de Nyarlathotep, le Chaos Rampant. Je lance l'hypothèse.

Premier album :



Second album : 

Méditation sur le passage du temps et l'impermanence des enthousiasmes

Parmi tous les gens qui écoutent de la musique, l'acheteur de CD, celui qui ne se contente pas du streaming Spotify, de la radio ou des vidéos sur Youtube, celui qui classe, qui range et qui archive compulsivement, celui-là accorde sans doute une importance plus grande à la reproductibilité de ses sensations.

Il veut que le plaisir qu'il a pris à écouter tel ou tel disque soit toujours à portée de main, disponible sur une étagère, au prix de quelques manipulations qui prendront d'ailleurs très vite la forme d'un rituel : le doigt qui parcourt la tranche des disques à la recherche du bon CD, la marche vers le lecteur, l'ouverture du boîtier, la brillance du disque réveillé de l'obscurité de son stockage, comme un avant-goût de l'éblouissement à venir, puis la saisie du disque à deux doigts à la main droite, l'allumage du lecteur et l'ouverture du tiroir à la main gauche, la pose du CD et puis l'appui répété sur ►► pour atteindre la plage voulue.

Au prix de ces quelques gestes, tout plaisir doit être reproductible. C'est dans le contrat tacite qu'il a signé avec les artistes et l'industrie musicale : il a payé le disque, les étagères, le lecteur, l'ampli et les baffles, il a installé tout ce matériel dans la meilleure pièce dont il dispose. Son plaisir d'écoute doit donc être à disposition, hic et nunc, quoi qu'il arrive.

C'est la raison pour laquelle un disque que j'ai adoré, dont je me souviens avec précision de la première écoute, vécue comme la plongée délicieuse dans une œuvre qui m'a submergé, comme la rencontre miraculeuse entre un artiste et un auditeur qui semblaient avoir vécu toute leur existence pour en arriver à cet instant magique, un tel disque ne devrait jamais me décevoir.

Si, lorsque je le réécoute, ce disque m'apparaît plus quelconque, plus attendu, moins terrassant, si le plaisir n'est plus au rendez-vous ou se révèle juste amoindri, étriqué, un terrible sentiment de deuil s'empare de moi.

Le disque est toujours là, inchangé, immuable. Il a conservé toute sa faculté à transporter quasiment à l'identique les ondes sonores qui emplissaient le studio d'enregistrement vers mon chez moi. Je reçois ces ondes à l'identique. Et pourtant le plaisir n'est plus là.

Le problème doit donc être ailleurs, en moi-même. C'est moi qui dois avoir perdu ma capacité d'émerveillement, mon aptitude à être ému, à trouver de la beauté dans ce qui m'entoure, à être emporté par le discours ou la pensée d'autrui. Moi seul suis coupable d'avoir tué la beauté et annihilé le plaisir.

De tous les éléments censés garantir la pérennité de ma faculté d'émerveillement face à la musique, celui qui fait défaut est celui sur laquelle j'aurais dû a priori avoir la plus grande emprise, celui qui ne concerne que mon corps et mon esprit.

Il est douloureux de se rendre compte qu'il est au fond plus facile de maîtriser des objets ou une technologie extérieure que les processus incroyablement complexes qui se produisent entre l'oreille et le cerveau de chacun d'entre nous, processus qui peuvent sans raisons apparentes, du jour au lendemain, se modifier ou disparaître.

Au fond, un disque que l'on n'aime plus est un avertissement, un rappel de notre mortalité, comme un pas de plus vers l'assèchement final et la tombe.

Patrick Wolf, Ancienne Belgique, 31 octobre 2012 (II)

A 20 h précises, Abi Wade rentre sur scène, violoncelle à la main et s'installe, non sans quelques difficultés : il faut fixer le pied du violoncelle, placer précisément les pédales lui permettant de frapper le tambourin et la boîte en bois qui lui servent de percussions. Tout cela prend du temps et ni le public ni elle ne semblent disposés à briser le silence, étonnamment pesant, qui règne dans la salle. Des deux côtés, on s'observe, on se jauge.

Quand la musique commence, c'est elle qui prend l'initiative dans ce lent processus d'apprivoisement réciproque. Les morceaux sont courts, accrocheurs et sa voix d'alto se marie parfaitement avec le son des instruments. Outre les percussions précédemment mentionnées, elle joue de son violoncelle soit en pizz soit avec l'archet, ou en frappant la caisse de résonance avec des mailloches. Tout est joué en direct. Contrairement à bon nombre d'artistes du même genre, aucune pédale de sample n'est utilisée.

Musicalement, on n'est pas très éloigné de tUnE-yArDs, en plus sage, ou des débuts de Florence and the Machine, quand cette dernière n'était pas encore une bête de stade mais semblait juste être une harpiste un peu dérangée, qui avait décidé sur un coup de tête de se lancer dans la pop.

Une artiste à suivre en tout cas. Le premier single vient de sortir ou devrait sortir incessamment



21 h. Un piano à queue, un violon, une harpe, un ukulélé, deux hautbois. Les instruments visibles sur scène résument bien l'esprit de l'album qui vient de sortir et de la tournée qui l'accompagne : revisiter en acoustique dix ans de carrière en picorant quelques chansons emblématiques dans un répertoire qui a souvent joué sur les contrastes entre acoustique et électronique, douceur folk et caractère abrupt des beats synthétiques.

Pour certaines chansons, déjà essentiellement acoustiques, cela ne pose guère de problèmes, pour d'autres (Together, Vulture,..) l'exercice est nettement plus ardu, mais souvent réussi. Dans Vulture par exemple, les passages les plus bruitistes sont intelligemment remplacés par des traits de virtuosité au piano, soudain trop-plein sonore qui permet d'en rendre la dynamique. Dans un autre genre, Together (non joué ce soir), dépouillé de sa ligne de basse dansante, révèle un cœur tout palpitant de romantisme. Le seul regret que je pourrais formuler est que, dans cet écrin dépouillé, il est plus difficile d'ignorer certains de ses maniérismes vocaux (les glissandos notamment).

Au cours de la soirée, Patrick alterne entre piano, harpe et ukulélé et est ponctuellement rejoint par un accordéoniste, son stage-manager/hautboïste ou Abi Wade, venue jouer du violoncelle sur deux ou trois titres. Bizarrement, le violon ne quittera pas son support de toute la soirée, quoique sa présence sur scène, au cas où, peut s'expliquer : la setlist change chaque soir, parfois à la demande du public. J'ai ainsi le plaisir d'entendre une de mes chansons préférées, Pumpkin Soup, de circonstance en ce soir d'Halloween et demandée par une de ses fans fidèles du premier rang.



Le parti-pris général de sobriété des arrangements se confirme aussi dans son costume de scène, noir et étonnamment sage, malgré une tête de mort en bois portée en collier (et qu'il finira par lancer dans la foule en prévenant 'It's heavy ! You can't sue me if someone gets hurt !'). La scène est presque vide, éclairée par quelques spots, dont la puissance sera diminuée en cours de concert à sa demande, et par des projections noir et blanc en arrière-plan que ma voisine qualifiera perfidement d'"album de vacances des jeunesses hitlériennes", juste parce que Patrick y gambade à plusieurs reprises torse nu dans les alpages, un pistolet à la main, et qu'on y voit des danses folkloriques qui fleurent bon l'apfelstrudel et les culottes de peau.

Plus que tout cela, cependant, le prix de ce concert pour moi a été de voir sur scène un musicien souriant et apaisé, content d'être là, allant même jusqu'à évoquer les mauvais souvenirs qu'il gardait de ses précédents concerts bruxellois (l'annonce juste avant de monter sur scène de la mort d'une de ses tantes, le bus de tournée cambriolé et les papiers d'identité volés, sa présence incongrue au sein d'une affiche plutôt rock lors de son premier concert au Domino Festival,....) avant de dédier The City au public bruxellois, composant au passant une rime riche destinée à passer à la postérité "We kiss by the Manneken Pis".

Je ne me fais en général guère d'illusions sur le caractère sincère des compliments qu'un artiste lance sur scène à son public mais je dois dire qu'après le concert renfrogné et légèrement hostile de l'année dernière, cette soirée m'a réconcilié avec le personnage. Au cours de sa carrière, le mal-être a sans doute nourri certaines des chansons les plus abouties de son répertoire, mais force est de constater que le bonheur lui sied mieux. Puisse-t-il en être ainsi jusqu'à la prochaine tournée.

Bien que le prix hallucinant du tour EP (cinq titres sur un CD gravé dans une pochette en papier pour 25€ !) m'a fait tiquer (sorry William), il n'a été qu'une ombre passagère sur mon humeur euphorique d'après concert.

Patrick Wolf, Ancienne Belgique, 31 octobre 2012 (I)

Voulant préparer la rédaction de ce billet, je me suis rendu compte que je n'avais bizarrement chroniqué aucun de mes concerts de Patrick Wolf par ici. Celui-ci sera donc l'occasion d'un petit bilan rétrospectif.

J'ai découvert Patrick Wolf dans le NME un peu avant la sortie de son premier album, commandé dans la foulée sur Amazon (Amazon, qui se souvient de tout, me rappelle que dans cette commande se trouvaient aussi The Rapture, Mark Owen, Justin Timberlake, Atomizer et Richard X, c'était donc en plein milieu de ma phase de réamour avec la pop).

Immédiatement tombé sous le charme de l'electro-pop de Bloodbeat et de la folk biscornue de Pigeon Song, j'en parle partout autour de moi, me faisant le héraut de la bonne parole lupine sur les forums (Popjustice) et les mailing-listes que je fréquente (la défunte Lenoirliste), allant jusqu'à le "plugger" aux radios que j'écoutais à l'époque (Radio 21 par exemple). Je finirai même par l'interviewer pour la Blogothèque (une expérience dont je garde un souvenir mitigé; ayant négligé la difficulté technique de l'enregistrement de la conversation, la transcription fut très difficile et le résultat écrit décevant).

Je garde de cette période de "militantisme" un fort investissement émotionnel dans la carrière du bonhomme. Contrairement à la plupart des artistes que je suis, j'assiste à un concert de Patrick Wolf pas seulement pour le plaisir de l'entendre chanter ou de le voir titiller la corde avec son archet, mais aussi pour prendre de ses nouvelles. Où se situe-t-il dans sa carrière ? Est-il heureux de jouer ? Aime-t-il encore son "métier" ? Quel est son public ?

De ce point de vue, les enseignements au cours des années furent nombreux et variés. Au début de sa carrière, Patrick Wolf n'aimait guère la scène et cela se sentait. Il était emprunté, mal à l'aise, taiseux. C'était particulièrement le cas lors de son tout premier concert en Belgique, à l'AB Club en 2004 (je me souviens que, une demi-heure avant de jouer, il traînait, l'air mal à l'aise, près du stand merchandising et que sa manager de l'époque, qui tenait le stand, l'encourageait à faire un effort en lui répétant que c'était 'an important gig!') ou lors de son premier passage au Pukkelpop en août 2005.

Pour compenser, il s'était ensuite dissimulé derrière une course à l'extravagance qui se manifestait notamment dans les costumes. Ensuite, lors de son (court) passage sur une major pour le troisième album, son comportement sur scène était devenu proche de l'auto-destruction. Il piquait des colères terribles, balançant des sièges sur ses musiciens, écourtant ses concerts sur un coup de tête, congédiant ses musiciens. Les concerts de cette époque auxquels j'ai assisté m'avaient durablement attristé. Le loup était en berne, la flamme éteinte, l'envie absente. Il semblait n'être sur scène que parce qu'il y était contractuellement obligé, possiblement sous l'emprise de quelque drogue en -ine. L'album, The Magic Position, ayant en outre été pour moi une déception, j'avais à cette époque presque renoncé à le suivre.

Heureusement, il a rapidement quitté son label (ou été viré, les versions divergent) pour financer son album suivant sur Bandcamp, amorçant ainsi une renaissance qui a donné lieu à The Bachelor, un de ses meilleurs albums, coproduit en partie par Alec Empire, et à sa meilleure tournée (le concert d'octobre 2009 au Bota était parfait). Le dernier album était plutôt bon mais le concert de la Rotonde en 2011 était une énorme déception, pour des raisons qui deviendront claires dans le prochain billet. Pendant ces années, j'ai aussi vu son public évoluer, sensiblement rajeunir et se féminiser, jusqu'à devenir à certains moments un public de midinettes, ce que confirment d'ailleurs des forums presque désertés et des pages tumblr hyperactives pleines de gifs  kikou-lol-too-cute.

Prendre un ticket pour un concert de Patrick Wolf revient donc souvent à acheter une pochette surprise. On ne sait jamais ce que l'on pourra en fin de compte en retirer, à tel point que j'avais fini par appréhender mes rendez-vous annuels avec Patrick, susceptibles de se révéler, le jour venu, magiques ou désastreux, sans que le public, à chaque fois conquis d'avance, n'y puisse rien changer.

(la suite ici)

Richard Gotainer, Casino de Chaudfontaine, 18 octobre 2012

Si on exclut Brian Eno et Scott Walker, qui ne font plus de concerts, et les Cocteau Twins, qui n'existent plus, Richard Gotainer était sans doute le dernier des artistes dont je me dirais vraiment fan et que je n'avais jamais vu en concert.

Le concept du spectacle est "Comme à la maison", d'où un décor de salon bourgeois, avec théière sur table basse et fauteuil confortable, d'où aussi une setlist qui alterne tubes fédérateurs (la salle semblait particulièrement impatiente d'entendre Le Youki) et morceaux plus obscurs, dont deux pour moi incontournables : Le Béquillard des bois et surtout, l'hexalogie zazou Les quatre saisons, sommet indiscutable de l'oeuvre gotaineresque.



Les arrangements sont relativement proches des versions studio, avec un accent plus rock. Ainsi, le synthé est rarement mis en avant comme dans ses tubes 80s. Les quatre musiciens et la choriste sont dans l'ensemble très bons, avec mention spéciale au batteur, et le timbre de voix légèrement voilé de Gotainer semble ne pas avoir trop souffert du passage des ans.  Cadeau Bonux : le mythique Celmar Engel, complice depuis les débuts, avait même fait le déplacement pour s'occuper de la console.

Dans le domaine de la musique live, rien ne surpasse pour moi le plaisir d'un concert où je reconnais la moindre chanson après quelques secondes et ce fut bien le cas ici (sauf une, extraite d'un album que je n'ai écouté qu'une fois, ai immédiatement rejeté et devrais sans doute réécouter). J'ai fredonné la plupart des paroles, le sourire aux lèvres, content de laisser simplement se succéder des chansons que j'aime, interprétées par un chanteur et des musiciens qui avaient l'air contents d'être là. Aucune surprise donc, mais un excellent concert qui a rapidement conquis le public du casino de Chaudfontaine, quasiment plein.

Ce public était par ailleurs d'un type que j'ai peu connu durant mes années de rat de concerts : ce que les médias appelleraient sans doute un public "familial" et "populaire". Des parents avec leurs enfants (riant bruyamment aux allusions scatologiques), des parents avec leurs parents (souriant aux allusions nostalgiques), des enfants avec leurs enfants (courant dans les allées) et des enfants avec leurs parents (ricanant discrètement aux allusions salaces). Pour la plupart, les spectateurs semblaient être venus pour les tubes, parce qu'ils avaient un abonnement au festival ou pour d'autres raisons obscures liées au sponsoring de la manifestation.

L'impression générale était donc d'un public qui n'avait qu'une connaissance approximative de l'oeuvre, qui était avant tout là pour s'amuser devant un concert qu'ils espéraient comique (comme mes voisins de derrière qui ont passé tout l'avant-concert à s'invectiver bruyamment et à rire de tout et de rien, jusqu'à faire fuir presque toute la rangée devant eux vers d'autres sièges).

Comment ce public allait-il réagir aux chansons moins connues, où la drôlerie cède la place aux allitérations poétiques (Le Béquillard) ou à la mélancolie (Elle est partie avec Robert, Rupture de stock) ? A ma grande surprise, elles sont accueillies avec enthousiasme, si pas quand elles sont annoncées, au moins quand elles se terminent. Durant les rappels (vingt bonnes minutes tout de même), la salle est debout ("tout le monde se lève pour..."). Je parlerais presque d'un triomphe. Comme quoi, le talent paie toujours.



Seul regret, ils n'ont pas joué Hallelujah, qui faisait pourtant partie du spectacle en début de tournée.

Bonus : Une esquisse en deux billets de la carrière de Gotainer par bibi ici et là

Setlist (à quelques erreurs près) :
Tout Foufou
La ballade de l'obsédé
Quéquette blues
Chlorophylle est de retour
Avant de voir ses yeux
Youpi, c'est l'été
La photo qui jaunit
Elle est partie avec Robert
A gue gue/Le renouveau
Trois vieux papis
Le béquillard des bois
Une petite perle
Rupture de stock
Le Youki
Chipie
Primitif
Poil au tableau
Maman flashe et papa flippe
Belle des champs/BN/Vittel/Banga
Le sampa
Le Mambo du décalco

Dead Can Dance, Cirque Royal, 29 septembre 2012

Seize ans après l'annulation de la tournée Spiritchaser pour cause d'engueulades récurrentes entre Brendan Perry et Lisa Gerrard, Dead Can Dance revient à Bruxelles. C'est la troisième fois que je les vois en concert, après la tournée Toward the Within en 1993 et leur concert au Palais des Beaux-Arts en 2005.

En 1993, ce concert avait été pour moi une sorte de pèlerinage, je partais me prosterner devant deux demi-dieux, auxquels je rendais depuis des mois pieusement hommage tous les jours après l'école en écoutant The Arrival and the Reunion, The Host of Seraphim ou Avatar à fort volume dans une maison vide, histoire de m'élever au-dessus des soucis de la journée. A l'époque, je mangeais, buvais, dormais, rêvais, marchais, pensais, travaillais, vivais Dead Can Dance. Ils étaient omniprésents dans mes pensées, du lever au coucher. J'ai commencé à lire les Inrocks parce qu'ils avaient publié une interview d'eux (interview médiocre, comme toutes celles qu'ils ont données au cours de leur carrière), à écouter Max sur Fun Radio la nuit parce qu'il les aimait bien, à écouter les Cocteau Twins, This Mortal Coil et plus généralement la musique indé parce que c'était l'univers dont ils étaient issus. C'est la seule époque de ma vie au cours de laquelle j'ai laissé de côté mon ouverture d'esprit musicale. Les chansons qui passaient à la radio m'ennuyaient, terrain de jeu réservé aux médiocres qui n'avaient pas encore vu la lumière. Non, j'avoue. Je n'étais pas très rigolo à cette époque.

Quand quelques années plus tard (1996 ?), le groupe s'est séparé. Je me rappelle n'avoir pas été particulièrement affecté. Les disques étaient toujours là, à portée de main, et le pouvoir régénérateur de la musique qu'ils contiennent m'affectait toujours autant. Que l'oeuvre soit close ne posait guère de problèmes pour un groupe dont je pouvais écouter dix fois d'affilée la même chanson sans me lasser. Se sont ensuite succédé des projets solos plus ou moins réussis. Lisa Gerrard alternait des bandes originales de film, où elle gaspillait son talent à marmonner quelques notes d'un air distrait sur un tapis de nappes synthétiques, et des albums toujours moins denses où, à force de gommer toute aspérité et tout rythme, elle parvenait à faire perdre à sa voix presque tout son pouvoir incantatoire (je devrais réécouter aujourd'hui Immortal Memory, que j'avais violemment rejeté à l'époque). Brendan Perry se faisait plus rare, organisant des stages de percussion à Quivvy et ne sortant qu'un album solo à la fin des années 90 (le deuxième, Zun Zun, longtemps annoncé, n'a jamais vu le jour).

Pour ma part, je reprenais goût à d'autres musiques. A cette époque est réapparu mon goût de la pop commerciale (je scrutais les sorties Cheiron, achetais les compilations Now et regardais religieusement Top of the Pops sur la BBC), que je faisais voisiner avec celui de la musique indé (le binôme Lenoir-Inrocks). C'était la période où je voyais plus de trente concerts par an. Certes, Dead Can Dance était resté le groupe n°1 dans le classement de mes groupes préférés (exercice vain mais obligé de tout fan obsessionnel de musique), mais je les écoutais peu et quand je les écoutais, c'était le plus souvent en faisant autre chose. Mon rapport à leur musique n'était plus de l'ordre de la contemplation respectueuse. Ils étaient devenus presque un groupe comme les autres, pourvoyeur de chansons à passer entre First We Take Manhattan, Another Night In ou Stripped dans mes demi-heures "J'écoute de la musique en rangeant et en chantonnant". Le groupe était rentré dans le rang.

Puis vint en 2005 la tournée de reformation, dont je parle abondamment ici. Il s'agissait d'une tournée sans album, basée essentiellement sur la nostalgie, qui donnait parfois l'impression de voir deux concerts solo en parallèle mais n'apportait finalement pas grand-chose à la carrière du groupe.

En 2010, Brendan Perry publia enfin son deuxième album solo, Ark, assez éloigné de son premier. En onze ans, son rapport aux instruments semblait avoir changé. Finie la recherche éperdue d'instruments exotiques et de sons du monde. Vive les sons électroniques et synthétiques. Le résultat était souvent impressionnant, mais, n'était sa voix, j'aurais sans doute peiné à y reconnaître spontanément la patte du grand ordonnateur de Aion ou The Serpent's Egg.

Enfin, en 2012, l'annonce assez inattendue d'un nouvel album et d'une nouvelle tournée. L'album, Anastasis, est plutôt bon je crois, mais totalement sans surprises. Si on m'avait demandé d'extrapoler à partir de Ark et de Spiritchaser sa description, je ne serais sans doute pas tombé très loin de la réalité. Ce qui frappe de prime abord en parcourant le livret est l'absence totale de musiciens crédités. Il semblerait soit que Brendan et Lisa aient honteusement exploité des intervenants de l'ombre, soit qu'ils aient réellement tout interprété eux-mêmes. Cette dernière hypothèse expliquerait sans doute le recours fréquent aux sons synthétiques, notamment pour les percussions. Anastasis serait ainsi l’œuvre de deux musiciens qui pour reprendre leur collaboration artistique, souvent compliquée et longtemps interrompue, se sont recentrés sur eux-mêmes, sans intervention extérieure.

L'album respecte scrupuleusement en surface la parité : quatre morceaux chantés par Lisa, quatre par Brendan, mais indépendamment de cette équilibre des voix, l'album est manifestement plus l’œuvre du second : l'inexorable avancée des percussions, les cris d'oiseau, la construction même des morceaux rappelle de manière criante ce que Brendan faisait en solo, tandis que les albums solo de Lisa se sont au fil des ans éloignés toujours davantage de la matrice thanatopotentioterpsichoresque (à moins que ce ne soit thanatodynamoterpsichoresque). Il m'apparaît de plus en plus évident que, contrairement à ce que beaucoup disent, Brendan est véritablement l'âme du groupe. Seul, il peut faire du Dead Can Dance. Lisa en semble par contre incapable.

Bien sûr, on n'atteint pas tout à fait le niveau de leurs grandes oeuvres passées et certains morceaux sont un peu faciles. Return of the She-King en particulier m'ennuie (corny muse ?) mais l'ampleur du son, le hiératisme et la pesanteur des atmosphères, le contraste des voix, bref ce qui a fait l'essentiel de la gloire du groupe était bel et bien présent, apparemment intact après toutes ces années.

La question se pose donc : que reste-t-il  de Dead Can Dance aujourd'hui ? Que représente encore le groupe en 2012 ? J'y vois une collaboration, plus ou moins étroite selon les époques, de deux fortes personnalités qui sont par bien des points antagonistes mais tentent de trouver un point d'équilibre entre terre et éther, entre mysticisme et animisme, entre folk et new-age, entre Occident et Orient, entre mort et danse, ayant suivi un parcours compliqué mais somme toute cohérent qui les a menés du punk gothique à la musique du monde, de l'obscurité à la lumière, de l'enfermement aux grands espaces, de la tension à une forme d'apaisement teinté d'inquiétude. Plus personnellement, le groupe est sans doute aussi la bande-son de l'évolution de mon rapport à la musique et au monde, passant de l'adoration adolescente mystique vers une appréciation objective basée essentiellement sur les mérites artistiques, encore accompagnée par une petite pointe de nostalgie.

Comment cela allait-il se traduire en concert ? Ce qui frappe de prime abord est que, même si l'album semblait être une œuvre à deux, six personnes entrent sur scène, dont deux percussionnistes. En live au moins, l'acoustique prime encore sur l'électronique. Autre bonne nouvelle, on a vraiment l'impression de voir un groupe jouer sur scène. Contrairement à la tournée de 2006, l'un(e) ne part plus en coulisses pendant que l'autre chante. Ils collaborent sur presque tous les morceaux, même si leurs voix se mêlent rarement. Ils interprètent l'entièreté du nouvel album, quasiment à l'identique, plus quelques morceaux plus anciens (Rakim, Sanvean, Dreams Made Flesh, The Host Of Seraphim, The Ubiquitous Mr Lovegrove, Nierika), une reprise par Brendan de son bien-aimé Tim Buckley (Song to the Siren, déjà repris par qui vous savez) et deux inédits, auxquels Lisa adjoint quelques dispensables morceaux de sa carrière solo, dont une très vilaine chanson tirée de la BO de Gladiator.

Depuis vingt ans, j'utilisais pour mesurer le degré de mysticisme et d'évaporation de Lisa Gerrard le tempo de Sanvean. Samedi, celui-ci était tellement lent et hiératique que l'aiguille pointait résolument vers "complètement dans les limbes". Pourtant, Lisa semble plus ancrée dans le réel et en bien meilleure santé que lors de ses précédentes apparitions en public. Elle a notamment réappris à marcher seule et n'a plus besoin qu'on la soutienne pour faire deux pas. Mon côté médisant pourrait ajouter que la chirurgie esthétique l'a rendue quasiment méconnaissable (pour une femme qui a donné si longtemps l'impression d'être en-dehors/au-delà du monde matériel, le processus mental qui mène à souhaiter un lifting paraît par ailleurs bien incongru).

Le public est un mélange hétérogène de corbeaux en costumes, de fans de la première heure et de pedzouilles venus se montrer au concert branchouille de la semaine (ce qui explique sans doute que le morceau accueilli avec le plus de ferveur fut contre toute logique Now We Are Free). Pourtant, dès que le groupe faisait mine de quitter la scène, ces 2500 personnes, a priori si différentes, se levaient d'un seul bloc, sauf mes voisins, rétifs. Même assagi, même rentré dans le rang, même en grande partie débarrassé de sa mystique, le groupe inspire donc encore la dévotion, par la seule force de sa musique. Ce n'est pas rien.

Setlist  (quand rien n'est précisé, le morceau est extrait du dernier album Anastasis)

- Children of the Sun
- Anabasis
- Rakim (Toward the within)
- Kiko
- Lamma Bada (inédit)
- Agape
- Amnesia
- Sanvean (Toward the within ou The Mirror Pool)
- Nierika (Spiritchaser)
- Opium
- The Host of Seraphim (The Serpent's Egg)
- Ime Prezakias (inédit)
- Now We Are Free (Gladiator OST)
- All in Good Time

Encore:
- The Ubiquitous Mr. Lovegrove (Into the Labyrinth)
- Dreams Made Flesh (1er album de This Mortal Coil)

Encore 2:
- Song to the Siren (reprise de Tim Buckley)
- Return of the She-King

Encore 3:
- Wandering Star (The Silver Tree)

Pet Shop Boys - Elysium (III)

9 - Give It A Go (7,5/10)

Au milieu des années 80, Neil expliquait que l'amour vous tombait dessus sans prévenir et qu'il était futile de résister (Love Comes Quickly). Au début des années 2000, il prétendait au contraire que l'amour était un choix conscient et qu'il ne fallait pas venir se plaindre après (You Choose). Ici, le romantisme de la première proposition et le pessimisme de la seconde se diluent dans quelque chose de plus indéfinissable, à la fois moins idéalisé et plus léger : et si, en attendant mieux, on décidait de faire ensemble un bout du (court) chemin qui nous reste à parcourir ? Chanté par un sexagénaire, cela pourrait sembler déprimant, mais l'accompagnement au piano et quelques accords de guitares épars parviennent à enrober un refrain par ailleurs un peu malingre (on en était à combien ?) et à colorer le propos d'une forme d'optimisme lumineux, mais conscient que, dans ces matières, les enjeux sont de moins en moins importants au fur et à mesure que l'on vieillit. "Why not give it a go?" Si ça marche, tant mieux. Si non, tant pis, il y a toujours la prochaine fois.

10 - Memory of the Future (8/10)

Qu'ils sont contrariants ces chanteurs qui changent d'avis d'une chanson à l'autre. Cet enchaînement a manifestement été soigneusement pensé. La relation devenue presque sans enjeu suggérée par la chanson précédente devient ici la consécration d'une vie de recherches, "It's taken all my life to find you". Il s'agit sans doute du morceau le plus immédiatement séduisant de l'album. Les différents couplets et refrains s'enchaînent avec l'inexorable évidence des meilleures chansons pop (le changement d'ambiance à 1:30 est parfait). Pourtant, on en sort avec un goût de trop peu et l'impression désagréable d'avoir emprunté un tapis roulant circulaire qui ne mène nulle part. N'y aurait-il pas eu moyen de faire plus avec ces ingrédients, de remplir ce magnifique contenant ornemental par un contenu narratif, de parachever ce climat musical par un climax expressif ? (Note de l'éditeur : ne jamais dire trois fois ce que l'on peut dire en une) Pour la prochaine tournée, je leur suggère d'enchaîner cette chanson directement avec un autre titre qui pourrait servir de résolution à la frustration qu'elle génère, It's a sin par exemple.




11 - Everything Means Something (8,5/10)

Le plus intelligemment construit des morceaux de l'album. Comme pour le précédent, on pourrait dire que ce morceau n'évolue pas et qu'il nous ramène à son point de départ, mais l'absence d'évolution est ici compensée par les allers et retours incessants entre des couplets malaisants, sous-tendus par des percussions martiales et des notes graves de synthé symbolisant le bouillonnement de la lave du ressentiment dans le volcan endormi de l'habitude (Note de l'éditeur : non mais c'est pas bientôt fini, cette accumulation de métaphores oiseuses !) et des refrains lumineux (modulation!!! même si celle-ci est un brin cheesy) sous forme de constat détaché. Oui, tout a une signification, même les erreurs commises. On est toujours responsable des relations que l'on entretient avec d'autres et si on y attache peu d'importance, c'est déjà en soi significatif (je paraphrase). Difficile de rassembler les fils narratifs de ces trois dernières chansons. Contrairement à la rumeur, peut-être cet album n'est-il pas censé se lire comme une autobiographie ? Les grilles de lecture uniques sont si limitantes.


Pet Shop Boys - Everything Means Something (Elysiu… - MyVideo


12 - Requiem in denim and leopardskin (8/10)

Chronologiquement une des premières chansons écrites pour l'album, elle a donné le ton pour l'écriture de bon nombre des autres : thématiques du deuil, de la célébration et de la renaissance, électronique discrète sur un tapis orchestral de cordes, choeurs d'accompagnement. C'est très élégant, mais sans doute un peu trop convenu à mon goût. Le morceau souffre de la comparaison avec Legacy, le morceau qui refermait le précédent album et qui, sur une thématique assez proche, me semblait être plus imposant et receler plus de mystère. Peut-être finalement est-ce cela que l'album essaye de nous dire : la mort n'est ni imposante, ni mystérieuse. Elle est, tout simplement, et il faut faire avec, passer outre et continuer à vivre.   


Après des calculs savants, j'obtiens une moyenne assez médiocre de 7/10 et, effectivement, le sentiment qui domine est pour moi une légère déception. Elysium n'est pour moi pas tout à fait au niveau des deux précédents albums, plus disparate aussi. Pour obtenir un album thématiquement plus tenu, il aurait fallu retirer 3,4, 7 et 8. Pour obtenir le "one-mood record" que Chris appelait de ses voeux, il aurait fallu retirer 3, 5, 7 et 10.

Tel qu'il est, il reste cependant la confirmation que faire de la pop-music à 60 ans, transposer dans le cadre d'une chanson de trois minutes trente destinées aux masses des proccupations graves et marier les contraires avec humour et légèreté, c'est possible.... même s'il sont à ma connaissance les seuls à le faire (Magnetic Fields ?).

Liens : un autre chronique, parue hier, avec laquelle je suis assez d'accord

Pet Shop Boys - Elysium (II)

3 - Winner (5/10)

C'est devenu un lieu commun de dire que le groupe n'est plus capable de choisir les bons singles. Nouvelle preuve ici avec Winner. Tout porterait à croire que la chanson a été écrite pour profiter de la vague médiatico-patriotique qui allait accompagner les JO de Londres. Neil prétend pourtant qu'ils l'ont écrite en pensant à l'Eurovision, comme un exercice de style : "Et si on composait une power-ballad mid-tempo hands-in-the-air à la Take That, genre Greatest Day ?"
Il aurait été miraculeux qu'une chanson aux motivations aussi peu glorieuses puisse être autre chose qu'une déception et, en effet, elle tombe à plat avec un bruit de succion triste, comme une serpillère trempée dans de l'eau tiède qu'un tenancier de bistrot,  se sentant obligé, par habitude ou lassitude, de frottouiller le carrelage de son établissement après une soirée de ventes à perte, met à terre avec un soupir désabusé. Pour tout dire, je ne peux m'empêcher de penser "Whiner" durant le refrain, terme qui correspond bien à l'intonation de Neil, plus geignarde que triomphale (2ème exemple de refrain raté). Peut-être se rend-il compte que rien n'est plus vain que de célébrer ceux qui réussissent et n'en ont pas besoin (médailles ou Rolex leur suffisent). La dernière phrase, pernicieuse, du refrain "Enjoy it while it lasts" pourrait être l'amorce d'une rédemption, le point de départ d'une réévaluation de la chanson, mais pas aujourd'hui. Aujourd'hui, je veux savourer mon désappointement jusqu'à la lie, voire jusqu'à l'hallali. Le sanglier de la déception ne devient en effet touchant que lorsqu'il est aux mains des chasseurs de l'enthousiasme forcé (Note de l'éditeur : je m'étais pourtant juré de ne plus justifier des jeux de mots foireux par des métaphores qui le sont encore plus mais la chair est faible, surtout quand elle s'est fait(e?) Verbe).



4 - Your Early Stuff (7/10)
L'idée de départ est amusante : écrire une chanson à partir des commentaires que les chauffeurs de taxi font à Neil quand ils le véhiculent dans Londres ("je suppose que vous avez pris votre retraite à présent", "j'ai lu quelque part que vous aviez écrit une musique de film", "j'aimais bien que vous faisiez au début de votre carrière", etc.). Malhereusement, la réalisation n'est pas à la hauteur, surtout à cause d'un refrain désespérément plat et monotone (et de trois !). Un des couplets à 1:05 tente désespérément d'insuffler un peu d'énergie mais la chanson dans son ensemble se révèle finalement une constatation auto-réalisatrice : moi aussi, je préfère aussi leur "early stuff" à cette chanson filandreuse.

5 - A face like that (8/10)
Le positionnement après Your Early Stuff est tout sauf une coïncidence. La première minute de cette chanson aurait pu se trouver sur leur premier album. La basse, par exemple, fait beaucoup penser à celle de Love Comes Quickly, les "handclaps" aussi. AFLT sera donc le morceau où le groupe retourne au son de ses débuts et, musicalement au moins, c'est très réussi (ils en sont donc encore capables, si leur musique a évolué, ce serait plus le résultat d'un choix que d'une perte d'inspiration, c'est peut-être un détail pour vous mais j'y vois un passionnant sujet de dissertation). L'album avait besoin à ce stade d'une chanson qui, soniquement, réveille l'auditeur et AFLT remplit parfaitement ce rôle. Le refrain est particulièrement entêtant. On y parle de quelqu'un qui a un si beau visage qu'aller sur la lune ne serait plus qu'un formalité (....non, moi non plus), mais mis à part ce miraculeux effet de la régularité des traits sur la gravité universelle, le sens général des paroles reste obscur. Et ce n'est finalement pas si grave. La pop, comme la poésie, est libre d'échapper quand elle le désire à la tyrannie du signifiant.


6 - Breathing Space (9/10)
Ah, le bonheur de reprendre un peu de temps pour soi, de faire fi des contraintes et des
obligations, de se retrouver face à soi-même. De nouveau, il est tentant d'y lire un état des lieux de Neil la pop-star (comme l'était To Step Aside sur Bilingual). C'est thématiquement et musicalement le petit frère d'Invisible, en presque aussi réussi, avec un rôle accru des cordes, des guitares et des percussions. De nouveau, une chanson qui gagne à être écoutée au casque, par exemple pour les samples de voix en arrière-plan de l'intro.

Breathing Space (Elysium, Pet Shop Boys) from hcampos on Vimeo.


Est donc venu le temps des regrets et des rétractations : Andrew Dawson, je m'excuse  de toutes les horreurs que j'ai pu penser quand votre nom m'est apparu pour la première fois. Cette collaboration est officiellement un succès.


7 - Ego Music (8/10)
Your Early Stuff et Ego Music sont deux chansons qui en d'autres temps auraient été des B-sides, des chansons un peu étranges, potaches, clins d'oeil complices réservés aux fidèles. Neil se moque ici des déclarations tapageuses des stars sur les réseaux sociaux ou en interview (pensez Kanye, Gaga et consorts) pleines d'auto-satisfaction, de fausse humilité et de lieux communs, du genre "I think what fascinates people about me, and I'm really grateful to my fans, is that I'm totally fearless". On retrouve ici le gros son synthétique de AFLT, avec des ornements de synthé et des percussions très en avant dans le mix. Excellent morceau, mais qui semble un peu hors de propos dans le contexte d'un album, même si je suis sûr que Neil Tennant est conscient de l'ironie inhérente au fait d'inclure une chanson satirique intitulée Ego Music dans l'album (censément) le plus autobiographique de sa carrière.


Pet Shop Boys - Ego Music (Elysium 2012) - MyVideo

8 - Hold On (2/10 ou autre chose, allez savoir !)
Quand le premier "Hold Ooon" jaillit des enceintes comme un torrent de tisane à la verveine s'écoulant d'une prise de courant triphasé, j'éprouve une réaction de sidération abasourdie qui décourage tout discours critique. Cet optimisme forcé à la Disney, ces choeurs de comédie musicale me semblent à un tel point l'antithèse de tout ce qui fait le groupe que je ne parviens même pas à me poser la question du j'aime ou j'aime pas. La citation de Handel est appréciée et les cordes en arrière-plan aussi, mais fondamentalement les seules choses que je peux en dire, c'est "Gnnnnn??" ou le robotique "DOES! NOT! COMPUTE!!".



(la suite ici)

Pet Shop Boys - Elysium (I)

2012. Pour la quatrième fois depuis mes débuts sur le Web, le deuxième meilleur groupe du monde sort un album. Comme je suis un être d'habitudes et de traditions, pour la quatrième fois, je me sens forcé de célébrer sa sortie par une chronique kilométrique et détaillée. 

Plantons le décor. Le précédent album, Yes, date de 2009 et était un feu d'artifices pop produit par Xenomania, responsables des meilleures chansons pop commerciales anglaises de ces 10 dernières années (Girls Aloud et Rachel Stevens par exemple). A suvi une tournée interminable, l'écriture d'un ballet basé sur un conte d'Andersen, puis comme à chaque fois depuis dix ans, l'attente des fans, plongés dans l'inquiétude de savoir si le groupe sortirait un jour un nouvel album.

Fin 2011, les premières informations commencent à tomber : un producteur connu pour ses collaborations avec le milieu hip-hop, Andrew Dawson, un enregistrement à Los Angeles, des ambiances plutôt mid-tempo et chill-out, ensuite un titre, Elysium. Enfin, il y a deux mois une rumeur a commencé à se répandre sur les forums spécialisés : l'album serait une digne suite à Behaviour (le quatrième album du groupe et, à ce jour, le meilleur disque de l'univers sensible). Il semblait très improbable que le disque serait à la hauteur de ces attentes, d'autant que l'idée de voir cet album produit par le producteur de Kanye West et Drake me faisait imaginer Neil la casquette à l'envers, chaîne en or autour du cou et roulant dans une décapotable sur les routes de Californie un verre de champagne à la main.....sans trop y croire certes, mais l'image s'était tout de même insidieusement imprimée dans mon esprit pétri de stéréotypes.

Enfin, dernière pièce du décor à se mettre en place, la vidéo minimaliste d'Invisible (voir plus bas), soudainement apparue sur Youtube, méthode étonnamment contemporaine de promotion de la part d'un groupe qui préfèrera toujours le CD single au "digital bundle" et Top Of The Pops à Youtube. Et je dois dire que la chanson m'avait plutôt émoustillé les papilles auriculaires : un son ample et enveloppant, une ambiance délicate et des paroles qui se révèlent petit à petit. La comparaison avec Behaviour ne semblait soudainement plus si absurde.

L'attente est dès lors devenue insupportable, jusqu'à ce qu'elle se termine et laisse la place à un long processus de découverte et d'apprivoisement.


1 - Leaving  (7,5/10)

Bizarrement présenté par beaucoup comme un des sommets de l'album et deuxième single programmé, je ne suis pas vraiment convaincu par cette chanson schizophrène. Le refrain est quelconque, voire un peu énervant (premier exemple) et fait pâle figure à côté de couplets aux petits oignons, ce qui donne au final une chanson assez déséquilibrée. Même dans les textes, ces deux parties s'assemblent difficilement, l'optimisme un peu béat du refrain se mariant mal avec les réflexions plus profondes des couplets ("The dead are still alive in memory and thought and the context they provide"). La production en revanche est charmante, par exemple l'usage des cordes, le petit pont instrumental à 2:00 ou la petite ligne de synthé rétro à 2:50.




2 - Invisible (9,5/10)

Je ne suis pas sûr que le groupe ait déjà fait une chanson soniquement aussi parfaite. L'écoute au casque est un enchantement, l'usage des échos pour les ponctuations au synthé, les mélismes en fond sonore, les voix qui se superposent, les glissandos qui accompagnent les fins de phrases. Comme dans les meilleures chansons, l'adéquation entre la musique et les textes est totale. Neil Tennant prétend que la chanson est écrite du point de vue d'une femme de 50 ans qui découvre qu'elle ne peut plus pécho en boîte, qu'elle est devenue invisible aux yeux des hommes. Personnellement, je ne peux m'empêcher d'y voir également un état des lieux actualisé de la carrière d'un groupe pop considéré du point de vue de son public-cible. Combien d'adorateurs de Lady Gaga ou Katy Perry connaissent leurs chansons, ou a fortiori, savent qu'ils viennent de sortir un nouvel album ? Quelle que soit l'interprétation choisie, cette mélodie toute en retenue, presque chuchotée, pleine de silences et de suspensions, en est une illustration parfaite. Splendide.




(la suite ici)

Les 5 étapes de la carrière des Pet Shop Boys

1 : Les débuts
Deux pré-trentenaires se rencontrent et décident de devenir popstars, le premier est un intellectuel (the brains) rêvant de faire se rencontrer des paroles à la Dylan avec la pop-music synthétique et la disco. Le deuxième a le sens des beats musculeux (the brawn). Il y a là une occasion à saisir pour se faire beaucoup d'argent.

Step 1 (as the New Kids would have said).
Two twenty-something men meet and decide they should become popstars. The first is a writer, dreaming of marrying Dylan-like lyrics with synth-pop (the brains), the other is immersed in electronic music and love 'muscular' beats that take over your body on the dancefloor (the brawn). There are opportunities to be seized, opportunities to make lots of money.

   

2 : La phase impériale
Le succès fut au rendez-vous et le duo peut maintenant se jouer des règles, tout se permettre avec la morgue propre aux parvenus. Tout leur est permis, même de renier leurs idéaux ou se vendre pour quelques minutes de célébrité en plus.
Step 2
Success was massive and our two heroes can now do anthing they want, look down on people less lucky than them, sneer at critics whose comments can't possibly matter. The world is their oyster and they fully intend to shamelessly gorge themselves on everything fame can provide, while making sure it does not end anytime soon.


3 : A quoi bon ?
Leurs disques d'or couvrent des murs entiers. Ils ont tout vu, tout connu, tout vécu et, un jour, la crise de la quarantaine les rattrape. Et s'ils avaient raté leur vie ? Et s'il était grand temps de faire un pas de côté, de tout arrêter et de se recentrer sur les vraies valeurs. Le succès est éphémère et, une fois disparu, il n'en reste presque rien, juste un peu d'argent, des souvenirs et des regrets.

Step 3
The fruit of their labour hangs on the wall. They saw it all, experienced it all. Then unexpectedly, midlife crisis strikes. Where there was just self-satisfaction and enjoyment, there is now something missing, a purpose upon which to lead their increasingly meaningless life. Is it time to step aside? To forge more deeply rooted human connections? What if all that success was in vain? Did it even bring anything truly lasting?


4 : La lente redescente sur terre
Et pourtant, il faut bien continuer. Quelle autre solution y a-t-il ? Ils sont trop vieux pour se réinventer. Ce n'est plus aussi facile qu'à leurs débuts, mais bon, ça pourrait être pire. Il suffit de se donner des défis nouveaux (musiques de film, de ballet, album acoustique,...). Il leur reste des terrains de jeu à explorer.

Step 4
And still, they trudge on. What else is there to do? Their path has been drawn, now they have to walk it to the end. Sure, it's not as easy as it was, but also not as difficult as it could be. You just have to give yourself new targets, to stretch your creative muscle and try new things. Film music, ballet, whatever you need to still get that spark, that excitement of creation.

 

5 : Le retour à l'anonymat
C'est bien beau de se donner de nouveaux défis, de délaisser la pop pour de nouveaux genres ou formats, mais quid de leur statut de pop stars ? Que penser de cette graduelle descente de leurs disques dans les charts, de cette relégation inexorable vers le staut de vieilles gloires disparues ? Peut-on vraiment faire de la musique si presque plus personne ne l'entend ? Est-on encore une vedette quand on est devenu invisible aux yeux du grand public ? Et surtout, est-ce grave ? Un anonymat relatif n'est-il finalement pas plus confortable quand on approche de la soixantaine ?

Step 5
Still, there is no masking the truth, their pop status is fading. They are no longer the talk of the street, and more often than not, are referred to as a band of the past, coming from a different decade, a different century even, a milestone in pop history, sure, but just that, revered from afar more than enjoyed in the here and now. Their new works struggle to be heard, covered by the humdrum of current trends. But still, isn't that, at the end of it all, a fitting destiny, a nice way to getting old without appearing desperate to endlessly relive your youth? There are worse things than to be told people like your early stuff.

Quelques pensées sur le Pukkelpop

Ceci est du premier jet, non relu. Désolé s'il apparaît un peu trop froid ou impersonnel.

En 2000, j'étais déjà à Roskilde lorsqu'un mouvement de foule durant un concert de Pearl Jam s'était soldé par neuf morts. J'étais à cet instant tranquillement installé devant une scène annexe, écoutant Smog égrener son mal-être d'une belle voix neurasthénique. J'étais sorti de la tente sans être au courant de rien, ne comprenant pas les mines sombres et l'atmosphère lourde qui avait pris possession du festival, mais assez vite, des écrans géants avaient fourni des informations, en anglais et en danois qui avaient permis à chacun de prendre la mesure de l'événement.

Hier, à Hasselt, les choses étaient nettement plus claires. Tout le monde a vite compris ce qui se passait. J'étais sous la tente du Club, attendant le début du concert de Miles Kane, quand la tempête s'est déclenchée. Il a commencé par beaucoup pleuvoir, puis le vent s'est déchaîné et les grêlons sont tombés. Autour de moi, les gens filmaient l'extérieur de la tente, les mâts des drapeaux de la plaine inclinés à 60° (par rapport à la verticale) résistant tant bien que mal à la puissance du vent, le rideau d'eau continu tombant du toit autour de la tente, et c'est à peu près tout car la visibilité n'excédait plus dix ou vingt mètres.

Puis d'un coup, une bâche latérale sur le côté droit de la scène a lâché, laissant entrer le vent et nous faisant prendre conscience de son extrême violence, des grêlons volant à l'horizontale arrivant à hauteur de tête en plein milieu de la tente. Une poche d'eau s'est formée dans un coin de la toile et a fini par s'écouler à l'intérieur du chapiteau.

Pourtant, les gens autour de moi semblaient plus excités que terrifiés par ce déchaînement des éléments. La tente semblait solidement arrimée (je n'avais pas du tout pensé au danger posé par les arbres alentour).





Ce n'est qu'une fois la tempête passée, lorsque nous sommes sortis voir le reste du site que l'étendue des dégâts est apparue. Il y avait sur presque tout le site 5 cm d'eau stagnante (ce que je n'avais jamais vu sur un sol en terre). Dans les creux, ce niveau montait jusqu'à 15, voire 20 cm.

Un arbre arraché presque au niveau du tronc s'était abattu sur la tente d'un sponsor près de la grande scène. Le Château, une des plus petites scènes couvertes, s'était effondré, le passage entre les deux moitiés du site était devenu très difficile car l'armature métallique canalisant le flux de festivaliers s'était effondrée.

Dans un silence impressionnant, nous avons erré de longues minutes dans la plaine, sans savoir s'il y aurait des victimes ou des blessés graves. Les écrans d'information étaient pour la plupart éteints, et ceux qui étaient encore en état de marche continuaient à diffuser des messages publicitaires : HUMO clignotant de toutes les couleurs, des exhortations à télécharger l'application Pukkelpop pour iPhone ou à visiter le bazar. Seul l'écran géant à la sortie du Marquee semblait un minimum conscient de la situation en indiquant l'euphémique "We are on a short break". Des milliers de watts de baffles et d'amplification sonore ne semblaient pas suffisants pour que des annonces soient faites au micro : les installations étaient-elles endommagées ou bien personne n'a-t-il jugé bon d'informer les 60,000 personnes qui se trouvaient là et ne savaient quelle attitude adopter ? Les officiels ne semblaient guère plus informés et ce n'est que lorsque nous avons vu, presque une demi-heure après la fin de la tempête des sauveteurs transporter en courant des brancards contenant des corps inertes, minerve autour du coup et visage ensanglanté que l'on a commencé à se dire que le bilan humain ne serait pas anodin. Jusque là, l'espoir semblait permis, nous ne voyions ni ambulances ni policiers, sans doute parce que nous étions loin du Château.

Pourtant, aucune consigne claire n'était encore donnée aux festivaliers. Certains avaient spontanément pris le chemin de la sortie, beaucoup pour voir si leur tente avait survécu à l'orage, d'autres comme nous restions debout sans trop savoir quoi faire, tentant de téléphoner à nos proches ou d'accéder à un site d'informations pour avoir quelques nouvelles, sans succès, les réseaux étant complètement saturés. Nous avons fini par suivre le mouvement, sans même être complètement sûrs que les concerts de la soirée n'auraient pas lieu. Un des préposés aux tickets à l'entrée semblaient surpris que l'on puisse même envisager l'idée qu'il y aurait des morts. Clairement, les canaux de communication entre l'équipe dirigeante du festival, les secours, les équipes sur le terrain et les festivaliers ont très mal fonctionné. Peut-être les installations avaient-elles été mises hors-service par le vent et l'eau ?

Une fois que nous fûmes sortis du site (il était un peu après 20h), la réalité de la situation est apparue beaucoup plus clairement. La route avait été barrée, la police était partout, à cheval, à pied, à moto ou en voiture, le ballet des ambulances incessant. La route était jonchée de branches d'arbres et tout le monde se regardait d'un air un peu hagard et les rares qui étaient en train de rire ou de s'amuser étaient foudroyés du regard par les autres, sans que cela ne les affecte aucunement d'ailleurs.

Après quelques heures d'hésitation, le festival a été officiellement annulé, l'annonce en a été faite vers 6h ce matin. Pourtant, hier soir, une annonce avait été postée sur le site du festival comme quoi tout serait prêt pour une reprise du festival aujourd'hui à 11h. Je suppose que ce temps a été nécessaire pour se rendre compte que trois scènes sur huit étaient officiellement impraticable, que des arbres ou des branches menaçaient de tomber un peu partout et que des réparations étaient inenvisageables dans un délai si court. C'est aussi me semble-t-il la solution la plus sage d'un point de vue pratique et la moins indéfendable d'un point de vue éthique.

Et bien que personne n'osera aborder le sujet avec les organisateurs avant quelques jours, va se poser la question du remboursement, complet ou partiel, des places. Les conditions de vente du billet sont relativement obscures à ce sujet. J'aime beaucoup Explosions in the sky (groupe au nom prophétique qui est le seul que j'aie pu voir cette année), mais pas au point de payer 155€ pour un concert de 40 minutes. Cela étant dit, les organisateurs pourraient-ils se relever de la perte sèche qu'un remboursement quasi-complet entraînerait ? Pas sûr, même si le festival est lié au moins en partie à Livenation. Nous verrons bien. Plaie d'argent n'est pas mortelle.

Liens :
Un compte-rendu assez réaliste dans le Soir
Des témoignages dans Le Monde
Quelques images
Vue d'une autre scène :

Et sous un autre angle :